El Rincón de los Niños Perdidos

Immortals

2012-01-30T23:15:00.001+01:00

TÍTULO ORIGINAL Immortals

AÑO 2011
DURACIÓN 110 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Tarsem Singh
GUIÓN Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides
MÚSICA Trevor Morris
FOTOGRAFÍA Brendan Galvin
REPARTO Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto, Luke Evans, John Hurt, Stephen Dorff, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Robert Maillet, Anne Day-Jones, Mark Margolis
PRODUCTORA Relativity Media / Virgin Produced / Hollywood Gang Productions / Atmosphere Entertainment MM
GÉNERO Fantástico
SINOPSIS Un terrible peligro amenaza la Tierra: enloquecido por el poder, el brutal rey Hiperión (Mickey Rourke) ha declarado la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre formado por soldados que él mismo mandó desfigurar, Hiperión quema Grecia mientras busca un arma de poder inconcebible: el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo. El hombre que posea ese arco podrá liberar a los Titanes, que están encerrados en el monte Tártaro desde el principio de los tiempos, y claman venganza. Sin embargo, en manos de Hiperión, el arco significaría la destrucción de la raza humana y la aniquilación de los dioses. Pero, como la ley prohíbe que los dioses se entrometan en los conflictos humanos, nada pueden hacer para detener al rey. Pero la esperanza renace cuando Zeus encomienda al campesino Teseo (Henry Cavill) la misión de acabar con Hiperión. Después de reunir a un grupo de hombres entre los que se encuentra la visionaria sacerdotisa Fedra (Freida Pinto) y el astuto esclavo Stavros (Stephen Dorff), el héroe se pondrá al frente de la rebelión. (FILMAFFINITY)

Soy de aquellos que defienden a capa y espada que el 3D está consiguiendo acabar con el poco buen cine que quedaba. Antiguamente si alguien tenía una mala idea para una película tenía tres opciones: no rodar (la más loable y sincera de las tres), rodar pasara lo que pasara (la más aventurada y trágica) o sacar la película directamente al formato doméstico. Actualmente, a estas tres opciones, hemos de añadir la de rodar la película en 3D (o en su defecto, mandarla a países orientales para que la conviertan al maldito formato). Parece ser que pese a que una película sea realmente infumable, si muestra en su cartelera el símbolo del 3D, el efecto negativo de la misma en la taquilla, parece diluirse. En este saco metería verdaderas ponzoñas como la última aventura de Conan, la deleznable actualización del clásico de Harryhaunsen, Furia de Titanes o la escabechina que hicieron con la continuación de Tron, de la que sólo salvo la banda sonora y alguna escena por aquello del rollo nostálgico. De las de terror mejor no hablamos...

Immortals viene a unirse a ese grupo de películas que, sin los efectos visuales, no hubieran pasado de ser un engañoso estreno en el videoclub del barrio. Reconozco que su apartado visual es realmente notable, pero tanto el argumental como el actoral, distan de llegar a ser mínimamente correctos. Siempre he considerado al bueno de Tarsem Singh como un director muy visual, aunque desafortunadamente sus historias no me han llegado a dejar huella. Tanto La Celda como El Sueño de Alexandra me parecen verdaderas fotografías en movimiento. Los contrastes de colores, la luz, la cámara,... Todo en ellas está bien, salvo la historia y por tanto el interés de la misma cara al espectador, si bien es cierto que ambas tienen sus momentos. En Immortals, Singh repite fórmula: Infinitos escenarios llenos de contrastes de color, una excelente puesta en escena y unos más que llamativos atuendos visten a sus personajes. Ahí queda todo. Podríamos estar hablando de uno de los bodrios fílmicos mejor envueltos de la historia, pues su belleza plástica es la única baza defendible de este intento de resucitar la épica griega.

El terreno actoral es muy pobre, tanto que incluso un Mickey Rourke, muy alejado de aquel gran Randy "The Ram" Robinson que le regalara Aronofsky, parece hacer un buen papel. Henry Cavill da vida a Teseo, o al menos eso piensan los guionistas, Charley y Vlas Parlapanides. Desde el minuto uno de metraje, te importa más bien poco lo que le pase a este chico, pues tiene menos carisma que Falete en un concierto de Metallica. Eso si, abdominales tiene todos. Quizás toda la culpa del resultado final no sea suya, pues el Teseo que vemos en pantalla, poco o nada tiene que ver con el que la cultura griega muestra orgullosamente (y de eso también tienen culpa los mentados guionistas). El chico es mono y ha invertido su capital en conseguir bultos por todo el cuerpo, pero en cuanto a conmover y actuar, deja mucho que desear. Su némesis es el malvado rey Hiperión, encarnado por un trasnochado Mickey Rourke, que sigue intentando hacer algo provechoso en esto del cine. Bien es cierto, que si tuviera que quedarme con alguna de las interpretaciones, la del viejo Mickey sería la más correcta, aunque en una película como esta no es mucho decir. Freida Pinto pasea el palmito y lo que no es palmito, aunque me temo que esa parte donde la espalda pierde su sacro nombre corresponde a una agraciada doble. Su papel es el de virgen oráculo, aunque desde la primera escena en que aparece sabes que una de las acepciones terminará por desaparecer antes de los títulos de crédito finales. No hace más que poner buena cara y acompañar al macho dominante. Creo que ya va siendo hora de que las actrices jóvenes y atractivas busquen papeles por los que dejemos de verlas como portadas de Playboy. Por otro lado, el bueno de John Hurt aparece convertido en una especie de señor Miyagi a la griega. Su aparición es meramente testimonial y queda muy bien en la cartelera. De Stephen Dorff directamente no voy a hablar pues, argumentalmente, su personaje es prácticamente igual al de Freida Pinto. Se limita a seguir al macho alfa (aunque sin escarceo amoroso, que son griegos, pero no tanto) sin ningún tipo de intervención directa en la trama troncal.

Argumentalmente hablando, la historia es floja y bastante simple. Me parece bastante curioso el hecho de que un arco sea la pieza clave de la historia y que dicho arma aparezca en un par de ocasiones para mostrar un par de escenas digitales de dudosa originalidad visual, carentes de cualquier importancia argumental. El amigo Teseo lo mismo podría haber estado buscando un arco que una alpargata de Hércules, pues una vez encontrado el arco, el uso que se da de él es prácticamente testimonial. Es cierto que en ningún momento nadie ha dicho que esta película sea una narración visual de la mitología griega, pero es que hasta la acepción "basada en..." me parece demasiado generosa. Los personajes en si, si que pertenecen a la mitología, al igual que algunos pasajes, libremente adaptados también, dicho sea de paso, como el laberinto y el Minotauro. Podríamos decir perfectamente que los guionistas han tomado prestada la mitología griega y han confeccionado una (pobre) historia con algunos de sus protagonistas basándose muy libremente en las andanzas de los mismos. El colmo del desacierto llega a su culmen en una arenga antes de la batalla final. Suena a lo mismo de siempre, eso que ya oímos en Braveheart o en El Retorno del Rey, aunque aquí sin un ápice de la fuerza que bañaba a aquellas y que además parece remezclada con una jam session del gran Chimo Bayo (uh! ah!).

Lo único que se salva de todo este estropicio es el apartado visual. La belleza cromática que baña las historias del joven realizador hindú, queda patente en escenas como las que suceden durante el día en el desierto de sal, o el plano cenital final de la lucha de Teseo y el Minotauro con una alfombra de pétalos de rosa como protagonista.

Las escenas de acción están bastante bien coreografiadas, aunque, siempre en mi opinión, distan bastante de las que ofreció el 300 de Zack Snyder, de la que esta "plagia" los travelling lineales de cámara siguiendo al protagonista mientras acaba con los enemigos de turno, dejando un rastro de cadáveres y miembros amputados a su paso. La violencia es un elemento bastante presente en la historia, en especial en una escena que hará que los varones de la sala se retuerzan en sus butacas ante la aparición de una gran maza.

La banda sonora cumple sin más. No creo que haya ningún tema que destaque poderosamente ni positiva ni negativamente.

En definitiva, Immortals es un espectáculo visual vacío de cualquier contenido aprovechable por el espectador. Desencantará tanto a los amantes de las historias épicas griegas como a los que buscan acción a raudales. La acción cuando llega es bien recibida, pero no es lo suficientemente continua como para ser considerada una película de acción y su historia tampoco es nada del otro jueves. Esto hace que la flojera de Immortals impida que destaque en alguno de los géneros a los que podría estar adscrita. Su apartado visual es notable, pero no salva un proyecto que, sin duda, debería haber sido tratado con más mimo y menos 3D.

Lo mejor: La belleza plástica de algunas escenas.
Lo peor: Que toda la belleza se pierda en una historia sin ningún tipo de interés.
Contenido: Violencia:3 Acción:3

Escuchando: Tom Waits - Tom Trauber's Blues

The Collector

2012-01-24T23:30:00.000+01:00

TITULO ORIGINAL The Collector
AÑO 2009
PAÍS Estados Unidos
ESTRENO EN ESPAÑA 12 de Enero de 2012
DURACIÓN 88 min.
DIRECTOR Marcus Dunstan
REPARTO Josh Stewart, Michael Reilly Burke, Andrea Roth, Juan Fernández, Karley Scott Collins,Madeline Zima, William Prael, Diane Ayala Goldner, Daniella Alonso, Haley Pullos, Robert Wisdom, Alex Feldman
GUIÓN Marcus Dunstan, Patrick Melton
MÚSICA Jerome Dillon
FOTOGRAFÍA Brandon Cox
PRODUCTORA Fortress Features / Imaginarium Entertainment Group
GÉNERO Terror.

SINOPSIS Para el manitas y ex timador Arkin, un hogar tranquilo y una familia de vacaciones es una "oportunidad". En el interior de una casa hay una caja fuerte con joyas y dentro de la caja hay una rara gema, su única esperanza para pagar la deuda de su ex esposa y mantener intacto lo que queda de su familia. Pero desgraciadamente para Arkin, dentro de esa casa hay un psicópata, un experto torturador que se está ensañando con la familia residente. Mientras avanzan los segundos hacia la medianoche, Arkin se convierte en un héroe reacio atrapado por un enmascarado "coleccionista" en un laberinto letal. (FILMAFFINITY)

Cuando uno se dirige a ver la última "locura" del guionista de Saw IV, V y VI, ya sabe de antemano el color que va a predominar en la pantalla. Vaya por delante que un servidor no es un fan de la saga, puesto que únicamente disfruté con la primera parte a pesar de haber visto la colección de horrores completa. Es por ello que acudí a la sala con muy pocas expectativas y quizás fué eso lo que hizo que el resultado final, salvo por algún que otro detalle, me pareciera bastante satisfactorio sin llegar a parecerme la excelencia que parece haber resultado para algunos.

Partiremos de que Jigsaw, el rencoroso genio diabólico de Saw, ha muerto y la saga con él. Es tiempo de buscar otros seres retorcidos que llenen las salas de espectadores ávidos de carnaza y torturas que harían vomitar a una cabra. Si a esto añadimos algo de tensión y no dejamos que baje el ritmo de unas aceptables pulsaciones, estaremos asistiendo al nacimiento de una nueva gallina de los huevos de oro.

Los paralelismos con Saw son casi inevitables, aunque, en mi caso, sólo puedo establecerlos argumentalmente con la primera de la saga. The Collector tiene la tensión de la primera aparición de Jigsaw en las pantallas, aquella que luego se convirtió en mera curiosidad de ver que juegos mortales ideaba el resentido sádico. En The Collector hay un buen arranque con una correcta presentación de los personajes. No es un inicio tan adrenalítico como el de Saw, aunque tiene lo suyo. Aquí la historia va in crescendo hasta que se desata la caja de los truenos, momento en el cual la montaña rusa de imágenes escabrosas y situaciones espeluznantes se desboca.

Me encantan las tomas de cámara que se producen tras la entrada del protagonista en la casa y percatarse de que no está solo. Es en esos momentos en los que creo que la tensión está muy bien conseguida con cuatro planos y dos efectos de sonido. En cierto modo, en estos momentos me vino a la cabeza una recomendable película de Guillem Morales: El Habitante Incierto. Son de géneros bien dispares, pero esa tensión del saber que no estás solo en casa y que hay algo al otro lado del tabique, la transmiten muy bien.

En el terreno actoral no podemos pedir demasiado. El género del torture-porn, no suele destacar por grandes interpretaciones. Con que sepan poner cara de miedo y chillen de vez en cuando, vale. Suele ser importante el papel de los (habitualmente dos) protagonistas antagónicos, mientras que el resto suele importar bastante poco. Aquí pasa lo mismo. El protagonista (Josh Stewart) tiene su aquel, pero no acaba de encajarme. Chirría bastante el que, siendo una persona aparentemente normal, esquive trampas y realice emboscadas en la casa como si llevara toda su vida combatiendo a los charlies. No lo hace mal, pero el personaje tiene un "toque McGyver" que a mí no acaba de convencerme. Por otro lado el psicópata, es un tipo con una máscara de cuero al más puro estilo sado, que no dice ni mu en toda la película, así que su expresividad es la misma que la de Pinocho. . En cuanto al personaje, con todo lo listo que se supone que es, hay veces que parece haberse quedado haciendo calceta con unos auriculares a todo volumen. Da igual que estés hablando a grito pelado en el sótano, que caigas en una ruidosa trampa o que te pases la película subiendo y bajando escaleras de madera a todo trapo. Si no está en el guión, él no te oye. Eso si, en cinco minutos te llena la casa de trampas y te pone cinco cerrojos en la puerta. Un poco incongruente.

La casqueria es algo que predomina en la historia, si bien no hace acto de aparición hasta pasado el ecuador de la película. Como he dicho antes, cuando aparece, lo hace sin concesiones y "regala" al espectador alguna que otra escena de esas que te dejan el semblante como si acabaras de masticar un limón. Para ser cine "comercial" me pareció bastante cruda en este aspecto, muy en la línea de las últimas entregas de Saw.

Donde, a mi parecer, flaquea bastante es en el terreno argumental y la lógica. Hay un buen número de escenas en las que ante determinada decisión tuve que preguntarme el porqué el protagonista siempre tomaba la más complicada (evidentemente la que le mantiene siempre dentro de la casa para llenar los 88 minutos de metraje). Se que es algo inherente a este tipo de cine, pero la verdad es que me desesperó bastante el que se tomaran mil caminos alternativos para salir de la casa y que finalmente muestren como válido el que el protagonista desecha en un principio y todos los espectadores ya tenían como evidente desde el primer minuto de encierro.

En cuanto a la banda sonora nada que destacar. Más bien todo lo contrario. The Collector tiene, que yo recuerde, los títulos de crédito iniciales más horripilantes que he visto en mi vida. Las imágenes podrían tumbar a un epiléptico desde el primer fogonazo, pero es que el tema elegido para acompañarlos no se queda atrás. No sabría cómo definirlo, pero a mi me sonó como si hubieran dejado a un mono campar a sus anchas con una mesa de mezclas y hubieran subido el volumen hasta la distorsión máxima. Me pareció lamentable. Durante la película, la banda sonora no llama la atención, salvo en los momentos, como suele pasar en el género, en los que aparecen los sobresaltos y el mono sube el volumen para intentar o bien darnos un buen susto o reventarnos el tímpano. Él siempre gana. Se agradecen algunos temas vocales insertados en el metraje entre los que destacaría una versión remezclada del I feel You de los Depeche Mode.

En definitiva, The Collector es una especie de cruce malsano entre Saw y Solo en Casa, con la salvedad de que aquí, lo que se dice reírse, uno se ríe bastante poco (exceptuando una rocambolesca escena con un gato que enfurecerá a los amantes de los felinos). La tensión está muy bien llevada, a pesar de que las situaciones son en ocasiones bastante absurdas. Dentro de su género, es una de esas que no hay que dejar pasar. Es, sin duda, el nacimiento de un nuevo psyco-killer, del que seguramente pronto volvamos a tener noticias. Esperemos que no pase como con Saw y la tensión vaya desapareciendo película a película en pos de esa insana curiosidad de saber en cuantos trozos quedará cada personaje al final de la historia.

Lo mejor: La tensión previa al estallido de violencia.
Lo peor: Que cae en mil tópicos y situaciones incoherentes.
Contenido: Terror: 3; Violencia: 4,5; Suspense:3

Escuchando: Joy Division - Transmission

Asesinos de Elite

2011-11-21T22:00:00.002+01:00

TÍTULO ORIGINAL The Killer Elite

AÑO 2011
DURACIÓN 105 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Gary McKendry
GUIÓN Gary McKendry, Matt Sherring (Novela: Ranulph Fiennes)
MÚSICA Reinhold Heil, Johnny Klimek
FOTOGRAFÍA Simon Duggan
REPARTO Jason Statham, Clive Owen, Robert De Niro, Dominic Purcell, Aden Young, Yvonne Strahovski, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Grant Bowler, Michael Dorman, Ben Mendelsohn, Kristy Barnes-Cullen
PRODUCTORA Coproducción EEUU-Australia; Omnilab Media / Ambience Entertainment Melbourne / Ambience Entertainment
GÉNERO Thriller / Acción
SINOPSIS Tres antiguos miembros de las fuerzas especiales son contratados por un jeque árabe para matar a tres miembros del SAS (Servicio Especial Aéreo británico), culpables de la muerte de tres de sus hijos durante unos disturbios en Omán diez años antes. Dos de ellos aceptan por dinero, mientras que el tercero (Jason Statham) lo hace para salvar la vida de un amigo. Pero llevar a cabo tan peligrosa misión no será nada fácil, pues, aunque son profesionales, están bajo el control de una organización formada por antiguos miembros del SAS, denominada The Feather Men. (FILMAFFINITY)

Cuando alguien se planta ante un título como este, debe, cuanto menos, tomarselo todo con bastante precaución. Encontrar a Robert de Niro junto a Jason Statham ya de por si es bastante atípico por los géneros que ambos representan, por muy camaleónico que sea el protagonista de Taxi Driver. Es por ello que cuando me decidí a verla no sabía si vería una de Statham imitando a de Niro o viceversa. Una vez vista creo poder decir que hay más de lo segundo que de lo primero, es decir, de Niro aparece en una película de acción y no Statham aparece en una película con bastante trasfondo y con personajes muy trabajados. A pesar de todo, no estamos ante un Transporter 4 ni nada parecido. Hay escenas de acción marca de la casa, hay situaciones increíbles por lo desmesurado (una o dos, pero las hay), pero la historia es bastante más seria de lo habitual y los personajes están un poquillo más trabajados. Quizás sea debido al hecho de que está basada en una novela (The Feather Men, de sir Ranulph Fiennes), pero lo cierto es que no es una película de acción de las habituales de Statham (que, dicho sea de paso, en su contexto, son una pasada de adrenalina y al no tomarse tan en serio como esta, tienen bastante más exito y acierto).

La historia, en principio y en líneas generales, está bastante bien trenzada, con un arranque bastante rápido y sin ningún nudo extraño. Hasta el final. No se muy bien ni el cómo ni el porqué, hacia el tramo final, hay un par de giros de guión que me hicieron una mala jugada y me despistaron por completo, razón de que tenga que volver a verla para despejar alguna que otra duda que me asalta en estos momentos. No es nada grave, pero aún no puedo determinar si hay alguna incoherencia de guión o ciertamente es así como me imagino (algo que me parece que está muy cogido con pinzas).

Los personajes están bastante identificados en su papel. El de Statham no difiere mucho del resto de sus registros: Tipo duro que se mete en un lío por algo tan corriente como la lealtad a un amigo. No lo hace mal, pero es lo que lleva haciendo desde que le conozco: Un tipo duro con corazoncito. Por otra parte, de Niro da vida al mercenario que, en su día, fué compañero de batallas de Statham. Al contrario que este, él no ha dejado el "negocio", a pesar de la insistencia de su camarada. La verdad es que el papel de de Niro no es un papel para lucirse y no pasará a la historia por el, pues el personaje no evoluciona un pimiento en toda la historia, aunque tiene sus buenos momentos. Por otra parte, Clive Owen, sin comerlo ni beberlo se convierte en la némesis de ambos. Creo que se podría haber sacado algo más tanto de Owen como de Statham, pues sobre ambos recae el peso de la película, pero me gusta el sombrío papel de Owen a pesar de que se dan cuatro pinceladas de él y poco sabemos de su personaje. Bien es cierto que hay alguna que otra situación entre ambos, que se resuelve prácticamente por arte de magia y el honor y la venganza se olvidan como los fines de semana un lunes por la mañana. Ciertamente esto "chirría" un poco. Si me tengo que quedar con la interpretación de uno de los tres, me quedo con la de Owen, pues creo que para lo limitado del personaje, la interpretación es bastante buena. En el lado negativo de actuaciones metería al bueno de Dominic Purcell, al que yo nunca hubiera sacado de la carcel de Prison Break. Da vida a un mercenario que colabora con Statham y que, a pesar de ser todo un profesional, parece más un macarra de barrio robando un Seat Panda. Hacia el final tiene una escena de lo más absurda (tratándose de un asesino de élite...). No me gustó un pimiento, como tampoco me gustó Yvonne Strahovski quien interpreta a la "novia" de Statham. Realmente no se si no me gustó su interpretación (bastante fría) o el personaje en si, pues la historia romántica entre ambos, parece un añadido y está bastante forzada (no quiero ni recordar, a este respecto, el lamentable plano final...).

La historia se desarrolla esencialmente entre Londres y Omán en los años 80. Me llamó la atención que, a pesar de la buena ambientación londinense, sólo se nos mostrara una pequeña parte de Londres, prácticamente sin ninguna localización que la identificara claramente. Las escenas en Londres son siempre en tonos grisáceos, mostrando una ciudad apagada, mientras que las de Omán son brillantes y soleadas.

En el terreno de la acción, hay buenas escenas, aunque nada que ver con la sensación adrenalítica que transmite el trailer. En la primera parte hay alguna persecución y alguna que otra escena esporádica, pero hasta el tramo final los seguidores de Statham no verán nada destacable, aunque, cuando aparece, lo hace muy por debajo de las famosas escenas coregrafiadas de la saga Transporter. Aún así es digna de ver la escena frente a Owen, con una silla de por medio, o la persecución por las azoteas de Londres.

En definitiva, Asesinos de Elite es una película de acción, con toques de cine ochentero de espías, con un trasfondo bastante más serio del que habitúan a ofrecer las (en su género acertadas) gamberradas de Statham. A pesar de que me ha gustado, cuando ha terminado me ha quedado un sabor agridulce, pues, como suele pasar con los cruces de género, como película de acción se queda un poco a medias y como thriller (que quiso recordarme por momentos al fantástico Munich de Spielberg, pero no se le acerca ni a la suela de los zapatos) tampoco es ninguna maravilla. Es por ello que de darla una nota rondaría un 6, pues consigue entretener por momentos y la trama no está del todo mal, aunque deja la sensación de que todo es bastante artificial y vacío. La revisaré y veré si mejora la experiencia. De momento, para pasar un buen rato, sirve.

Lo mejor: El cara a cara de Statham y Owen con la silla de por medio.
Lo peor: Que es facilmente olvidable debido a lo vacío de su pretendido fondo.
Contenido: Acción: 3; Drama: 2; Violencia: 3; Thriller:3

Escuchando: The Lovin' Spoonful - Summer in the City

Red State. Kevin Smith se Pone Serio.

2011-10-18T22:00:00.002+02:00

TÍTULO ORIGINAL Red State

AÑO 2011
DURACIÓN 82 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Kevin Smith
GUIÓN Kevin Smith
FOTOGRAFÍA Dave Klein
REPARTO Michael Parks, Michael Angarano, Kerry Bishe, Nicholas Braun, Kyle Gallner, John Goodman, Melissa Leo, Kevin Pollak, Stephen Root, Matt Jones, Cooper Thornton, Kevin Alejandro, Marc Blucas, Ralph Garman, James Parks, Betty Aberlin, Jennifer Schwalbach, Patrick Fischler, Damian Young, Anna Gunn

Tres adolescentes con las hormonas al rojo vivo contestan a un anuncio de una mujer madura que busca sexo. Siendo chicos los chicos, se lanzan a la carretera para satisfacer sus urgencias libidinosas. Pero lo que empieza como una fantasía da un oscuro giro cuando se enfrentan a una terrorífica fuerza "sagrada" con una agenda pendiente fatal. Historia inspirada en la figura real de Fred Phelps, el líder de un grupo religioso extremista que se hacía llamar la Iglesia Bautista Westboro. (visto en FILMAFFINITY)

Lo que más me atrajo en un principio de esta película fué comprobar el cambio de registro de su director: Kevin Smith. Abanderado de los frikis de pro, Smith apareció de repente en el mundo del cine con Clerks, una historia que desde sus inicios se erigió como uno de los iconos del género indie casposo. Sus personajes y situaciones se convirtieron en la firma personal del director y posteriormente en Mallrats, Dogma y Silent Bob y Jay Contraatacan, la fórmula, aunque fué perdiendo fuelle, siguió funcionando y atrapando adeptos. Bien es cierto que hasta la fecha, mi película favorita del director es la edulcorada, pero para mi acertada, Persiguiendo a Amy, con un Ben Affleck (si, has leído bien) como protagonista indiscutible. Kevin Smith también ha escrito guiones de cómics (grandioso alguno de Batman y los de Flecha Verde) y ha aparecido en varias películas a modo cameo (a parte de en las suyas dando vida a Bob, ahora mismo recuerdo el hacker friki de La Jungla 4.0).

Lo primero que oí de Red State fué que el cambio del director, era radical. Ciertamente es así. Smith cambia las risas y el cachondeo por las situaciones incómodas, la violencia y el desasosiego con bastante acierto. Prueba de ello es el premio a la Mejor Película recibido en el reciente festival de Sitges.

Red State no es una película para todos los públicos. Su mal rollo desde el minuto uno augura al espectador una hora y media de situaciones asfixiantes e incómodas. Podríamos dividirla en tres actos: Inicio, nudo (y qué nudo) y desenlace.

La película arranca de manera bastante inocente y podría ser una teenager más durante los primeros 15 minutos. Se presenta al trío protagonista de manera un poco rápida y se nos muestra un contexto homófobo y ultrareligioso que pasea por la pequeña población en la que se desarrolla la acción.

Pasados los 15 minutos, de repente todo se tuerce y lo que parecía ser una película de adolescentes con tintes de denuncia social, se vuelve un torture-porn en toda regla. No llega visualmente a las cotas de Hostel o a las de las últimas Saw, pero el trasfondo despide una violencia que despeina al más pintado y deja a las nombradas a la altura del betún. No es que no haya violencia física, que la hay (la escena de una ejecución, me resultó cruda, real y escalofriante a más no poder), pero la violencia verbal e ideológica, son bastante más dañinas y efectivas. En este tramo, he de reconocer que hay un "sermón" del pastor loco de turno, que se me antoja un poco largo. Supongo que esto está forzado a propósito para generar la inquietud y el malestar que se quieren conseguir (y se consiguen), pero a un servidor se le hizo eterno. Todo este acto me puso los pelos de punta, tanto por las palabras del pastor y sus chifladas ovejas, como por los acontecimientos que se muestran sin un solo temblor de cámara.

Tras este segundo acto, comienza el tercero con la inclusión de nuevos personajes y la película cambia de nuevo de rumbo, aunque siempre sin abandonar esas situaciones de angustia que plagan la película. Aquí el protagonismo lo asume el bueno de John Goodman, que para un servidor siempre será el chiflado Walter Sobchak. Goodman da vida a un agente federal que se encuentra ante una encrucijada moral frente al rancho/iglesia. El desarrollo de su personaje, durante los 40-45 minutos que goza de la pantalla, es plausible. Sientes sus miedos y sus dudas desde el primer momento y nunca sabes que harías en su complicada situación. Simplemente me encantó. Es una pena que este tercer y último fragmento se quede a medio camino como película de acción y no llegue a tener el pulso necesario.

En el plano actoral, están todos bastante bien, aunque destaco al mentado Goodman y a su némesis en la película, Michael Parks, que da vida al "iluminado" pastor. Ambos consiguen que te creas su personaje al 100%, transmitiendo sus miedos y dudas por un lado y su odio y fanatismo por el otro. Es una pena que el momento "duelo interpretativo" se vea reducido a unos escasos minutos, pero aún así es reconfortante. La escena final me recordó incomprensiblemente a la de Quemar Después de Leer, con la salvedad de que en esta ocasión no tuve maldita gana de reirme. La moraleja, o el poso final, como quieras llamarlo amigo lector, es igual de desasosegante que el resto de la película y cae como una tonelada de clavos sobre el indefenso espectador.

Como curiosidad comentaré que el personaje al que da vida magníficamente Michael Parks, está basado, bastante libremente, en Fred Phelps, fundador de la Iglesia Bautista de Westboro. Este tío es un pájaro de cuidado como puedes leer en la wikipedia. El personaje de la película es, con idénticas ideas, una caricatura extrema de este.

En definitiva, nos encontramos ante una película angustiosa y asfixiante que juega muy bien con los recursos que tiene para hacer pasar un mal rato al espectador. Yo la recomiendo a pesar de que me haya quedado un regustillo a que se queda a mitad del viaje y que se podría haber hecho algo más. Aún así, Red State deja patente una vez más que a veces no hace falta llevar un delantal y una motosierra para provocar verdaderos escalofríos. Kevin Smith ha conseguido que, por un momento, olvide a los cachondos de Bob y Jay y me estremezca con la inmundicia de gente corriente y moliente que, en estos momentos, puede estar respirando el mismo aire que tu y que yo.

Lo mejor: Aunque parezca irónico, lo bien que transmite el mal rollo.
Lo peor: Que parece quedarse a medio camino de thiller teen, horror-porn y peli de acción.
Contenido: Terror: 3; Drama: 3; Violencia: 4

Escuchando: Iron Maiden - The Number of The Beast

Insidious, Lo Que Pudo Ser y No Fue

2011-10-04T08:00:00.001+02:00

TÍTULO ORIGINAL Insidious

AÑO 2010
DURACIÓN 102 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR James Wan
GUIÓN James Wan, Leigh Whannell
MÚSICA Joseph Bishara
FOTOGRAFÍA David M. Brewer, John R. Leonetti
REPARTO Rose Byrne, Patrick Wilson, Ty Simpkins, Barbara Hershey, Andrew Astor, Lin Shaye, Leigh Whannell, Angus Sampson
PRODUCTORA Alliance Films / Blumhouse Productions
WEB OFICIAL http://www.insidious-movie.com/
GÉNERO Terror | Thriller psicológico
SINOPSIS Josh (Patrick Wilson), su esposa Renai (Rose Byrne) y sus tres hijos acaban de mudarse a una vieja casa. Pero, tras un desgraciado accidente, uno de los niños entra en coma y, al mismo tiempo, empiezan a producirse en la casa extraños fenómenos que aterrorizan a la familia. (FILMAFFINI TY)

A pesar de que tiene una obra anterior (Stygian), conocí a James Wan como casi todo el mundo, gracias a la impactante Saw (si tienes curiosidad por la saga, puedes darle un vistazo al cortometraje de mismo nombre, rodado por Wan en el 2003 y que originó la misma). Recuerdo la estupefacción y el asombro con los que abandoné la sala tras la proyección. Hubiera apostado todo mi oro del Wow a que este muchacho sería uno de los grandes y a pesar de que la fórmula Saw le ha seguido reportando suculentos dividendos extraídos de los derechos, un servidor no ha vuelto a ver una sola película de él que me haya despertado el más mínimo interés. Silencio desde el Mal (Dead Silence) contó con un trailer molón, lleno de mal rollo gótico y muñecas de esas que a ninguno nos gusta tener en la habitación. El resultado final fué un poco decepcionante. Tras esta, la venganza asilvestrada de Kevin Bacon en Sentencia de Muerte tampoco aportó mucho al cine aparte de un buen montón de cadáveres machacados. Tras tres años de ausencia, ahora reaparece con Insidious, una especie de vuelta de tuerca a las pelis ochenteras de posesiones y actividades paranormales. El trailer, con reacciones del público viendo la peli (algo que ya utilizaran Plaza y Balagueró en Sitges para promocionar la cañera REC), parecía impactante, pero no era ninguna maravilla. La película, aunque cumple, tampoco lo es.

Tanto la historia como gran parte de los planos, iconografía y demás, beben claramente de los clásicos del género. Esto se aprecia claramente en la primera hora aproximadamente. Los ruidos en el desván, las espeluznantes voces del talkie del bebé, pesadillas, planos frontales de la casa al anochecer,.. Todo ello va conformando una historia la mar de interesante, que de haber seguido por ahí, hubiera conseguido colarse entre una de mis imprescindibles del género. El problema es que en el tramo final, Wan decide dar una vuelta de tuerca y se saca de la manga un mundo inmaterial que recuerda mucho, por referencias, a un cruce entre aquel en el que estuvo atrapada la pequeña Carol Anne y el del videojuego Alan Wake. El "mundo" en si no está mal, pero la situación que se vive allí me resulta un tanto esperpéntica, desembocando en un final bastante precipitado y poco acorde a lo que vimos en la primera hora. Se podría haber aprovechado mucho más el original giro argumental que se produce al conocerse el pasado del padre. Unido a esto, aparece un personaje realmente ridículo que más que miedo da verguenza. Una especie de Darth Maul del averno, que tiene incluso una escena robada de la primera pesadilla en Elm Street con muñecas incluídas (¿tendrá Wan algún tipo de fobia para utilizar este recurso contínuamente?). El personaje en cuestión tiene toda la pinta de haber sido creado para iniciar una franquicia y vender merchandising, algo que refuerzan los momentos finales. En mi opinión no la merece.

Podríamos subdividir los sustos de la película en dos grupos: los del tramo final, basados en la banda sonora y en la subida brutal de volumen acompañada de primeros planos de niños blanquecinos, viejas marchitas y demás y por otra parte, los aparentemente inocentes. Estos, en mi opinión, alcanzan el grado de terroríficos y están diseminados por la primera hora de metraje. Los finales me parecieron más de lo mismo, sin ningún tipo de acierto y predecibles como las camistas del sargento Highway. Los buenos, los que van surgiendo poco a poco desde el inicio de la película, me resultaron en su mayoría espeluznantes (ese "niño" desconocido corriendo por la casa, las vocel del walkie talkie del bebé a lo Paranormal Activity,...). Nuevamente pienso que yo hubiera seguido la línea inquietante hasta el final y me hubiera dejado de sustos palomiteros a lo Ringu.

La pareja protagonista está bastante bien en su papel: Madre protectora y defensora a ultranza de su hijo y padre escéptico que poco a poco va viendo que algo no va bien. Sin ningún exceso ambos cumplen y dan credibilidad a la historia.

No es la peor película de terror que he visto, pero tampoco es la maravilla que vendían su trailer y las críticas. Si tuviera que darla una nota me quedaría con un 6, pues el primer tramo es muy bueno, notable diría yo, pero el final es un rollo macabeo acelerado y cogido con pinzas. Creo que se queda a medio camino de lo que podía haber sido si el loable pero fallido intento final de sorprender, hubiera sido mejor aprovechado por Wan a la hora de redactar el guión. Para achuchar a la moza en la oscuridad de la sala está bastante bien y algún sustillo te llevarás, aunque, para mi, el tramo final es un masticapalomitas de cuidado.

Lo mejor: La tensión y mal rollo de la primera hora.
Lo peor: Que la media hora final sea tan acelerada y el Darth Maul del averno.
Contenido: Terror: 3; Drama: 2; Violencia: 1

Escuchando: The Unseen - Scream Out

Linterna Verde y la Ausencia de Pilas

2011-09-27T21:30:00.003+02:00

TÍTULO ORIGINAL The Green Lantern

AÑO 2011
DURACIÓN 105 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Martin Campbell
GUIÓN Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Dion Beebe
REPARTO Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett, Temuera Morrison, Jay O. Sanders
PRODUCTORA Coproducción EEUU-Austrlia; DC Comics / Warner Bros. Pictures
WEB OFICIAL http://www.greenlantern.com
GÉNERO Ciencia ficción. Superhéroes.
SINOPSIS Hal Jordan (Ryan Reynolds), un piloto que prueba prototipos, adquiere superpoderes que le son concedidos por un extraterrestre moribundo. Gracias a ello es reclutado para una misión de paz intergaláctica... Adaptación a imagen real del popular personaje de DC Comics, Linterna Verde. (FILMAFFINITY)

Como asíduo lector de cómics, cada vez que las viñetas alcanzan la gran pantalla, me veo abocado a comprobar el resultado final. Como ya me pasara con Iron Man, no soy un gran conocedor del mundo que rodea a Linterna Verde, por lo que no puedo establecer ningún tipo de paralelismo entre la historia plasmada en el cómic y la que he visto en la película. De lo que si estoy seguro es de que, al contrario de lo que pasara con Tony Stark, si mi interés por el guardián del anillo verde se viera supeditado a lo que he visto en pantalla, rondaría números negativos.

Es triste que el único argumento para defender una película de estas características sea que los efectos especiales, tanto los visuales como los sonoros, son notables y resultones. A estas alturas del cuento, eso es lo mínimo exigible a una historia de superhéroes. Sin eso, no deberían ni plantearse hacer algo mínimamente decente.

Martin Campell, director de éxitos como GoldenEye, Límite Vertical, Casino Royale o las dos películas de la saga del Zorro, orquesta este despropósito esmeralda. De todas las nombradas es la que más acción necesita, pero, sin duda, es la que menos tiene. Para escribir este flojísimo guión han sido necesarios, ni más ni menos, que 4 guionistas: Tres de ellos muy versados en las series de TV y un cuarto, Michael Goldenberg, responsable de los guiones de Harry Potter y la Orden del Fénix, la fantástica Contact o la infantil pero correcta Peter Pan: La Gran Aventura. Demasiados gallos para un solo corral.

La historia en si no está mal, pero es más lenta que el desarrollo de un caracol. Comienza rápido y con bastantes posibilidades, pero pronto la acción pasa a un segundo plano y los diálogos y los infructuosos intentos de dar un poco de profundidad a los personajes, salen a la luz. Prácticamente hasta el final no hay una sola escena de acción decente. En conjunto me pareció superior, pero en cuanto a lo aburrido e insustancial de algunas escenas, me recordó a la tediosa versión de Hulk de Ang Lee.

El amigo Ryan Reynolds no da el perfil de héroe y lo peor de todo es que ni se esfuerza en darlo. La escena inicial nos deja claro que tiene razones para ser un chico atormentado y marcado por la trágica muerte de su padre. Pues bien, eso es lo único que hay de ello, porque en cuanto le pintan de verde, el hilo argumental de la pérdida del padre se disuelve completamente. Como dije al principio, no he leído mucho de Linterna Verde fuera de La Liga de la Justicia, pero Reynolds consigue crear un superhéroe más plano que Kathe Moss. Las pocas oportunidades que se vislumbran de dar un poco de cuerpo al personaje, son totalmente desaprovechadas, tanto por el guionista como por el amigo Reynolds. En cuanto a Blake Lively... está muy mona ella. Su papel es dar la réplica a unos diálogos para besugos, en ocasiones tan edulcorados que parecen escritos para Jennifer Aniston. Peter Sarsgaard tambien está muy desaprovechado. Su personaje debería estar lleno de resentimiento y odio, pero, a pesar de mostrar algo de ello, las dosis son tan bajas que en ocasiones uno piensa si su presencia es meramente testimonial.

Tras los créditos finales aparece una secuencia que deja claro que hay quien piensa en una secuela, lo cual me sorprendió enormemente. No soy muy exigente con el cine de superhéroes, pero al menos pido que me divierta, algo que Linterna Verde no consiguió ni de cerca. Para un servidor, la secuela es algo impensable.

Es cierto que películas malas de superhéroes hay cientos. Recuerdo incluso unas cuantas peores que esta: Daredevil, Elektra, Hulk, El Motorista Fantasma, Superman Returns,... Lo peor que puedo decir de una historia de superhéroes es que me haya aburrido y esta lo ha hecho bastante bien. A mi modo de ver, la falta casi todo lo necesario para contar una historia, salvo los efectos especiales espectaculares, que aparecen en muy contadas ocasiones. No tiene emoción, no tiene adrenalina y lo peor de todo: no tiene interés. El verde, por el momento, no es mi color.

Lo mejor: Los FX.
Lo peor: Que aburre a una seta.
Contenido: Acción: 2; Ciencia Ficción: 3; Comedia: 3

Escuchando: Gary Jules - Mad World

The Raid, La Peli Bruta del Año

2011-09-15T09:00:00.002+02:00

Gareth Evans, director al que hasta la fecha no conocía, nos traerá en breve The Raid, protagonizada por Iko Uwais, la nueva promesa oriental de las artes marciales. La historia no es nada del otro mundo: Un grupo de policías de élite entran en un edificio de 20 plantas en cuya azotea reside un señor de la mafia. Tras enterarse de su inminente arresto, el delincuente ofrece a los residentes del edificio una gran recompensa por cada policía muerto. Sólo tienes que ojear un poco el trailer para ver que se lía una peor que en el Sálvame de Telecinco.

No se si esta película llegará a ser una bomba, si por estos lares tendrá el éxito abrumador que ha cosechado en el Festival de Toronto o si valdrá la pena ver algo más que el trailer. De lo que si tengo certeza absoluta, es de que es burra a más no poder. Hacía tiempo que no veía nada tan violento, brutal y enfermizamente adrenalítico en pantalla grande. Además de eso, tiene pinta de tener más bien poco diálogo y muchas toñinas (en absolutamente todos los puntos del cuerpo).

Aún no se sabe si se estrenará en salas comerciales de España o saldrá direta a DVD, pero aviso que podrá verse en el inminente Festival de Sitges (6-16 Octubre).

Aquí abajo os dejo el trailer en cuestión. Por cierto, la música que suena en el vídeo es de Mike Shinoda, uno de los componentes del grupo Linkin Park, que ha compuesto parte de la banda sonora.

Seguiremos informando... Aparta que salpica.

Escuchando: Children of Bodom - Hellbounds of My Tail

Conan, El Bárbaro sin Alma

2011-09-14T00:00:00.000+02:00

TÍTULO ORIGINAL Conan the Barbarian

AÑO 2011
DURACIÓN 112 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Marcus Nispel
GUIÓN Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer (Personaje: Robert E. Howard)
MÚSICA Tyler Bates
FOTOGRAFÍA Thomas Kloss
REPARTO Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose Mcgowan, Ron Perlman, Bob Sapp, Leo Howard, Saïd Taghmaoui, Steve O’Donnell, Raad Rawi, Nonso Anozie, Milton Welsh
PRODUCTORA Lionsgate Films / Nu Image Films / Paradox Entertainment
WEB OFICIAL http://www.conanlapelicula.com/
GÉNERO Fantástico. Acción. Aventuras. Espada y brujería.
SINOPSIS Nueva adaptación de la historia de Conan el bárbaro y sus aventuras a través del continente de Hiboria. Un niño que habita en una aldea bárbara graba en su memoria los rostros de los guerreros que matan a su familia y le entregan como esclavo a unos mercaderes. Años después, el joven se convierte en un forzudo y valiente guerrero. (FILMAFFINITY)

Mick LaSalle, crítico del San Francisco Chronicle, dijo sobre esta adaptación.: "Coge una película mala en dos dimensiones, ruédala en tres y ¿qué es lo que hay?: Tres completas dimensiones de basura". No pienso que Conan sea una basura, pero si que pienso que, una vez más, la estética y las lucecitas se imponen al fondo, creando un conjunto soso, lleno de acción y vacío de sentimientos y épica.

Para ver las últimas aventuras de Conan hay que intentar entrar en la sala sin demasiadas pretensiones e intentando no establecer comparaciones ni con la conocida película de John Milius (con Arnold como cabeza visible) ni con las novelas de Robert E. Howard. Para mi, estas dos últimas condiciones son imposibles de afrontar. El nuevo Conan no tiene nada que ver con lo que todos conocíamos del personaje, salvo su afán aventurero. Su historia se basa en un guión bastante acelerado (en ocasiones inconexo) que parece haber sido escrito a tramos y enlazado luego en la sala de postproducción. Aún así, divierte y puede verse como una corriente película de aventuras en la que el protagonista bien podía haberse llamado de cualquier manera menos Conan y hubiera funcionado igualmente.

Habrá quien diga, con acierto, que el Conan con el que encandiló el amigo Arnold al respetable, tampoco era fiel al personaje de Howard, pero al menos, el enorme austriaco le dotó de un carisma imborrable, algo que perdura hasta nuestros días.

Momoa da vida a un Conan "raro". El Conan de los libros es un bárbaro avispado y bastante más espabilado que el que mostró Arnold, pero tampoco hablamos de un premio Nobel. En ese aspecto, Momoa aprueba. Pero eso es en lo único, junto al buen físico, en lo que le puedo aprobar. La persona que me acompañó a ver la película hizo diana cuando dijo:"El Conan niño tiene mucho más carisma que el Conan adulto". El mensaje está claro:"Momoa se pasea con una espada por una pretendida Hyboria, buscando venganza y poniendo caras de odio". No hay una escena en la que, siendo adulto, estalle la rabia y la furia que debiera mostrar el personaje. Sin embargo, esto si que se ve en los ojos del joven Leo Howard, quien adopta el papel de Conan "niño" con la fiereza y odio necesarios para darle al personaje la fuerza que necesita. Momoa busca venganza como quien busca unas zapatillas en el mercado, sin la imperiosa necesidad de encontrarlas (o al menos no lo transmite).

Por otro lado, debo hacer un apunte sobre un detalle pésimo del doblaje español. Si durante la proyección cierras los ojos, te darás cuenta de que esa ridícula ronquera del Conan adulto, bien se parece a la (igualmente ridícula) que sufre Bruce Wayne cuando se pone el traje de luces para defender Gotham. No entiendo muy bien este punto, pues a mi parecer, en lugar de embrutecer al personaje, lo caricaturiza (de lo que hace con Batman mejor no hablamos).

El resto de personajes están ahí porque sinó esto sería un monólogo (y de lo dicho, presumo que bastante malo). Ron Pelman cumple su función de jefe de tribu a la vez que de padre brutote y bárbaro. No es un papel para mucho lucimiento, pero cumple. Rache Nicols queda perfecta como chica florero a la que todos buscan y Conan proteje una y otra vez. Su papel consiste en estar ahí. Las pocas emociones que despide son bastante ténues y debido a ello su credibilidad se ve bastante mermada. Los malos de turno, padre e hija, son los típicos malotes con look Matrix, que de malos que son dan risa (en especial Rose McGowan). Sobre esta última diré que nunca podré explicarme cómo una poderosa hechicera, conocedora de mil embrujos y hechizos, en la batalla final se lanza a dar bofetadas a mano abierta sin usar ni un momento la magia. Ambos adolecen del mismo mal que Momoa: falta de carisma.

La historia en si, no está mal, recordando por su temática a la segunda (e infame) aventura cinematográfica de Conan (Una chica, a la que quieren hacer de todo para que el malote llegue a ser Master del Universo, se cruza con Conan que tiene una cuenta pendiente con dicho elemento). Lo que la desgracia es lo rápido que sucede todo. A un servidor le dió la impresión de que las escenas se habían rodado por separado y luego se habían montado a toda prisa para el estreno. Las transiciones entre escenas son casi inexistentes, recordándome por momentos a la decepcionante sensación que tuve al ver el deplorable remake de Furia de Titanes (buenas escenas de lucha y acción unidas con un fino esparadrapo, acaban configurando una historia que chirria por los cuatro costados).

La única parte buena del nuevo Conan es sin duda la palomitera. Los efectos están muy bien conseguidos (¡qué menos!), las coreografías de lucha también y hay desmembramientos, cabezas aplastadas y salpicaduras de sangre a gogó. La acción está presente y no para de principio a fin, por lo que si todo lo comentado anteriormente te da igual, Conan te gustará, aunque la olvidarás pasada una semana.

Su banda sonora tampoco está nada mal, aunque tampoco es para tirar cohetes. Fotografía, sencillamente inexistente.

En definitiva: Si buscas ver una película que refleje al personaje de Conan en pantalla, sigue esperando mientras lees tu colección de La Espada Salvaje de Conan. Si lo que quieres es ver una película de aventuras, sin muchas pretensiones, del estilo de todas aquellas que salieron a la estela del Conan de Milius (Ator el poderoso, El Señor de las Bestias,...), pero con bastante presupuesto y efectos especiales, esta es tu película. Es divertida si, pero no veo la necesidad (aparte de la económica) de que hayan involucrado a Conan en todo esto. Yo no la doy el aprobado pero entiendo que haya quien disfrute de ella.

Lo mejor: Alguna escena de mamporros.
Lo peor: Que tenga menos vida que los ojos de Espinete.
Contenido: Acción: 3; Aventuras: 3; Violencia: 3

Escuchando: John Lennon - Instant Karma

Attack The Block, El Reverso Tenebroso de Super 8

2011-09-06T15:00:00.006+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Attack The Block
AÑO 2011
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Reino Unido
DIRECTOR Joe Cornish
GUIÓN Joe Cornish
MÚSICA Steven Price
FOTOGRAFÍA Thomas Townend
REPARTO John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost
PRODUCTORA Studio Canal / Film4 / UK Film Council
WEB OFICIAL http://attacktheblock.com/

GÉNERO Ciencia ficción / Terror / Acción Comedia de terror

SINOPSIS Un grupo de delincuentes juveniles de un suburbio de Londres, tendrá que vérselas con toda una invasión de violentos alienígenas.

Hay veces en la vida en las que el dinero no lo es todo. Esta, sin duda, es una de ellas. Con cuatro euros, el amigo Joe Cornish se ha sacado de la manga una de esas historias de las que va a hablar en breve todo el mundo.

Joe Cornish, para todo aquel que no lo conozca, ha sido productor (y actor) de las imprescindibles Zombies Party y Arma Fatal. De ellas ha heredado toda esa mala leche y cachondeo que las caracteriza. Hay quien se aventura a decir que Cornish, ahora que Edgar Wright se ha ido a Estados Unidos (con bastante poco éxito con su mediocre Paul), es el relevo que necesita Europa. Lo siguiente que veremos de Cornish será el nuevo pelotazo de Spielberg: Las Aventuras de Tintin, de la que ha sido guionista.

Attack the Block despide serie B ochentera y acción por todos los costados. Viéndola uno puede recordar títulos como Critters o la más reciente Evil Aliens, aunque su estética y ritmo están bastante más cuidados que en aquellas. Como dijo mi gran amigo Mr.Felt al recomendármela: "podría ser el reverso tenebroso de Super 8". Y es cierto, pues aquí los amables jovenzuelos de la última maravilla de Spielberg & Abrams, son delincuentes juveniles en toda regla, con sus navajas, bates, scooters y mala baba. Por otra parte, los alienígenas atacan y devoran con violencia todo lo que encuentran a su paso, brindando al espectador alguna que otra sangrienta escena truculenta que hubiera empañado las correctas gafas del Sr. Spielberg.

El ritmo no decae de principio a fin y la acción es contínua sin ningún parón. Todo acontece en unas horas de noche y en ese aspecto bien podría considerarse un ejercicio del dogma con el que jugara durante algún tiempo el amigo Lars von Trier. Las persecuciones y peleas son bastante reales y trepidantes a pesar de que la falta de presupuesto es evidente en alguna de las secuencias infográficas (sin llegar a chirriar demasiado). Los efectos especiales son bastante resultones para ser una película que no ha necesitado un gran presupuesto. Acostumbrados a ver bichos azules, estraterrestres de 8 patas y demás maravillas, generadas con millones de dólares, lo que ha hecho este equipo con cuatro euros mal contados es encomiable.

La acción también deja un pequeño hueco a la crítica social y a la moralina, que no molesta en absoluto, del estilo de "siempre pagan el pato los mismos".

La comedia, como no podía ser menos, también está presente, aunque de una manera más desdibujada que en la gamberra Zombies Party. En este aspecto, el personaje de Nick Frost, tiene un par de escenas bastante buenas (en especial la que cierra el trailer adjunto). Los comentarios de los chavales sobre "Gollums caídos del cielo" o referencias a Gears of War y temas similares, demuestran la clara orientación freak de la historia, aunque no es necesario estar empapado de dicha cultura para disfrutar de la historia. Me resultó de lo más acertado el que los chavales, como si estuvieran en un juego, estén más preocupados por qué ganarán destruyendo aliens que por sobrevivir.

En el aspecto negativo hay algún que otro perdonable aspecto de guión. Con todo lo que se monta en un bloque de 20 pisos de altura, no hay vecinos que se extrañen de los ruidos y aparezcan por la zona, además que la policía parece vivir en un universo paralelo. Pero como digo, son aspectos que, a no ser que seas un maldito polilla con estas cosas, pasarás por alto.

En definitiva, Attack The Block es, salvando las distancias, una especie de revisión de aquellas pelis de videoclub tipo Critters, llevada a nuestro 2011 con bastante acierto. No hay grandes efectos especiales, ni naves destrozando un Londres apocalíptico, pero es sincera al 100% y da mucho más de lo que podría esperarse de una serie B casposilla y gamberra. Apostaría mi colección de Xbox a que algún día será una obra de culto, pues para el que suscribe, ya lo es.

Attack the Block fué estrenada en Reino Unido el 11 de Mayo de este año y en USA el 29 de Julio. Aún no tiene fecha confirmada de estreno en España y no se sabe si se estrenará en cines o directamente en DVD. Los que no podáis esperar... ya sabeis que hacer. Dad un paseo por la página oficial o dadle un vistazo al trailer que dejo por aquí ("desgraciadamente" en versión original sin subtitular) para terminar de convenceros de que no la podeis dejar pasar.

Lo mejor: Que no para un segundo.
Lo peor: Que se note la falta de presupuesto en ocasiones.
Contenido: Acción: 4; Comedia: 2; Ciencia Ficción: 4; Violencia: 3

Escuchando: The Clash - London Calling

El Invierno de Frankie Machine

2011-08-29T21:15:00.002+02:00

Editorial: MARTINEZ ROCA

15.0x23.0 cm
Nº páginas: 416 pags
Lengua: CASTELLANO
Encuadernación: Tapa blanda
ISBN: 9788427036437
Año de edición en España:2010
Plaza edición: MADRID

Frank es un hombre tranquilo. Tiene 62 años, vive retirado en la costa de San Diego —donde regenta una tienda— y es todo un caballero. Le gusta dejar reposar el café durante cuatro minutos exactamente, los cuales emplea en vestirse; el bocadillo que prepara con una fina lámina de mantequilla todas las mañanas tiene que envolverse en una servilleta de hilo para que no se enfríe; tiene un par de abonos para la ópera, a la que acude con su novia, Donna; posteriormente la invita a cenar no en cualquier restaurante; su hija, Jill, es una prometedora estudiante de Medicina en UCLA. Frank siempre está dispuesto a ayudar a todos y a dar un buen consejo... hasta que, claro, le tocan la familia. Entonces no querrás haberle conocido ni haberte cruzado jamás con él, ni saber por qué en el mundo de la mafia se le conocía como Frankie, la Máquina, una auténtica leyenda...

Esta fué la primera novela de Don Winslow que cayó en mis manos (gracias a mi amigo Mr. Felt). Reconozco, a pesar de su renombre mundial, que no había oído hablar nunca de él. Un tipo peculiar el neoyorkino: Ha trabajdo de actor y director de cine, guía de safari, investigador privado y como consultor para bufetes de abogados y compañías de seguros durante más de quince años. Es lo que llamaríamos en mi pueblo un "culo inquieto" y lleva una buena cantidad de premios literarios a sus espaldas. Sus novelas siempre están inmersas en el mundo de las mafias, las drogas y los ajustes de cuentas (generalmente en la zona de la frontera entre San Diego y México). Hasta el momento llevo leídas esta (la que más me ha gustado), El Poder del Perro (que dicen es su mejor novela y a un servidor no le gustó demasiado por el precipitado y brusco final), Salvajes (muy flojilla) y Vida y Muerte de Bobby Z, que está bien, aunque sin demasiadas pretensiones. Esta última fué llevada al cine (al parecer con poco éxito) en 2007 y fué protagonizada por Paul Walker y Laurence Fishburne (intentaré hincarla el diente).

En un primer momento, quizás lo que más me animó a acercarme a la trepidante historia de Frank Macchiano fué que Robert de Niro se había hecho con los derechos de la obra para su adaptación cinematográfica. La red de rumorología internetil añadía que la dirección estaría a cargo de mi adorado Michael Man, lo cual añadió los pocos puntos que necesitaba ya para animarme a conseguir la novela. No me he arrepentido, pues seguramente, este sea uno de los mejores libros que he leído en mucho tiempo.

La historia comienza despacio, como toda buena ópera y va creciendo en intensidad hasta alcanzar una velocidad endiablada. La detallada y pausada presentación de personajes, en especial la parte de Frank, se puede hacer un poco lenta en los primeros compases. Los flashbacks son constantes y vitales para llegar a comprender la personalidad de Frank y de los que le rodean. En parte, es este reposado arranque de la historia el que hace que se te contagie la tranquila rutina de Frank y que acabes estableciendo una gran empatía con él. Por otra parte, su código ético y la visión de la vida que le otorgan sus más de 60 años, hacen el resto. Un personaje entrañable. Todo el mundo quiere a Frank, el vendedor de cebo.

Una vez que comienza la acción, todo se acelera y no puedes, literalmente, soltar el libro. Las escenas se suceden como si estuviéramos disfrutando de una trepidante película de cine negro, pues la novela tiene un marcado aire cinematográfico. Las situaciones se tuercen y se entrecruzan de tal modo que piensas que no puede haber jamás una solución real a la trama. Y de ahí parte el único problema que veo a la historia (que hago extensible a toda la literatura de Winslow). Winslow comienza todas sus historias muy poco a poco. Posteriormente acelera hasta que crees que no vas a poder frenar y así te mantienes hasta las 10 últimas páginas del libro, donde "por arte de magia" todo se resuelve. Las resoluciones de Winslow son aún más rápidas que sus novelas y suele dar la sensación de que la historia se le está escapando y hay que cerrarla "como sea". Esto, aunque en menor medida que en el resto de sus obras, también ocurre en El Invierno de Frankie Machine. En otras novelas, como en El Poder del Perro, es más molesto y defraudante, pero digamos que aquí "solo chirría un poco".

Pese a todo, os recomiendo encarecidamente la lectura de esta novela: Mafia, acción y personajes de esos que dejan huella (en especial mi recomendación viene por esto último). Si el señor de Niro consigue llevarla al cine con Michael Mann al frente, será un peliculón de esos que pasarán a la historia.

Escuchando: Antonio Vivaldi - El Invierno

Super 8. Spielberg Reina de Nuevo.

2011-08-23T01:00:00.001+02:00

Título: Super 8
Título original: Super 8
Dirección: J. J. Abrams
País: Estados Unidos
Año: 2011
Fecha de estreno: 19/08/2011
Duración: 1 hr. 52 min.
Género: Ciencia ficción
Reparto: Elle Fanning, Kyle Chandler, Amanda Michalka, Ron Eldard, Noah Emmerich, Gabriel Basso, Katie Lowes, Joel Courtney, Zach Mills, Marco Sanchez
Web: www.super8-movie.co m

En el verano de 1979, un grupo de jovenes de un pequeño pueblo de Ohio son testigos de un choque de trenes catastrófico mientras rodaban una película en super 8. Cuando comienzan una serie de desapariciones irregulares y eventos inexplicables, los chicos sospechan que no fue un accidente y el jefe de policía intentará descubrir la verdad.

Cualquiera que haya dado un paseo por la red en busca de respuestas sobre la esencia de Super 8 habrá encontrado una y otra vez referencias a la maravillosa obra ochentera de Richard Donner: Los Gonnies. Bien es cierto que más de dos décadas separan ambas producciones, pero quizás sea eso lo que menos importa, pues comparten un eje central indudablemente: un grupo de chicos enfrentándose a un problema al que la mayoría de los adultos no saben hacer frente. Esa es, para mi, la esencia de ambas. Evidetemente la estereotipada pandilla de pequeños freaks, sufre mil y un aventuras para llegar al meollo del asunto. Aventuras, amiguetes de la infancia, bicicletas y mucha ciencia ficción se dan cita en esta historia que bien podría ser una actualización de las aventuras de la pandilla de la bahía de Goon.

Los chavales están francamente bien y si bien el peso de la historia recae en el protagonista (Joel Courtney) y su idolatrada compañera de aventuras (Elle Fanning), el resto no se queda atrás. Quizás los momentos más cómicos se los puede apuntar el joven Ryan Lee, por su papel de Cary, un pequeño arrubiado con un amor desmedido por los petardos y las explosiones. Sus momentos zombie son igualmente desternillantes. Riley Griffiths da vida a Charles Kaznyk, el inseparable amigo de nuestro joven protagonista. J.J. Abrams ha declarado que intentó reflejar en él retazos de su propia infancia, en la que su amor desmedido por el cine fué una constante. Volviendo a los protagonistas, diré que, a nivel interpretativo, la jovencísima Elle Fanning, hermana de la ya famosa Dakota, demuestra en cada escena que no se ha equivocado de oficio. La escena en la que actúa por primera vez en la película super 8 que ruedan los chavales y las que comparte con Joel Courtney, en especial aquella en la que ella le habla del accidente de la fábrica que intuímos al comenzar la película, tienen una fuerza que pocos actores adultos pueden transmitir tan bien. Me ha encantado verla en pantalla y creo que la veremos más a menudo a partir de ahora. Su "compañero" también hace un excelente trabajo, en especial con todo aquello que necesita de la expresividad para transmitir con fuerza. En cierto modo, no se si será cosa de que Spielberg anda al timón junto a Abrams, me ha recordado al Elliot de E.T. en bastantes escenas del tramo final de la película, aunque el personaje de Courtney tiene un componente dramático mucho mayor y mejor resuelto que el de su "homólogo" ochentero. Felicidades también para él.

Los adultos están correctos y creo que toman un intencionado segundo plano para que sean los niños los protagonistas. Se podría decir que vivimos los problemas de los adultos por medio de cómo afectan a los niños, como en un espejo. No se trata en profundidad a ninguno de los padres, a pesar de que hay una trama troncal en la historia que podría haberse tocado más con los personajes adultos y en mi opinión con acierto, se deja a los niños desarrollarla.

Cuando Spielberg anda por medio, los efectos especiales no fallan. El accidente del tren, los tramos finales de la historia y algún que otro detalle, son manejados espectacularmente por el Midas de Hollywood. Siento no poder entretenerme en los pormenores, pero estamos en ante una película en la que cuanto menos sepas lo que vas a ver, más te gustará el resultado final. Sólo diré de la parte que no quiero hablar por evitar los spoilers, que me recordó a un blockbuster de J.J. Abrams, aunque a menor escala. Si viste Super 8 ya sabrás de lo que te hablo.

Otra cosa que me llamó mucho la atención son los reflejos azulados de las luces nocturnas. Es algo extraño de explicar, pero en la escena en la que mejor se aprecian es cuando los chicos se disponen a rodar una escena nocturna de su película en la estación de tren. Las ténues luces que rodean la estación, emiten una especie de reflejos azulados que se asemejan a las que produce la luz al reflejarse en la lente de la cámara. No soy un entendido en fotografía y no se explicar a que es debido esto, pero el efecto es realmente bonito y en mi caso iba acompañado de una sensación de paz y tranquilidad increíble.

Las referencias a películas de culto de la ciencia ficción son constantes (posters del Halloween de Carpenter, uno de los personajes de la película de zombies que ruedan los chicos se llama Romero, en clara alusión a George A. Romero, alguien podría ver algo de E.T., Encuentros en la Tercera Fase, Alias,...)

Para finalizar, una gran banda sonora a cargo de Michael Giagghino, compositor de grandes bandas sonoras como la de Up, Cars 2 o La Red Social. El tema central es bastante tenebroso y enigmático, pero conforme va desarrollándose la acción, va acelerándose y volviéndose más y más orquestal para desembocar en un fantástico colofón final que ofrece una calidad tal que podría haber sido firmada por el mismísimo John Williams. Junto al score de Giaggino, aparecen acertados temas pop de la época, para transportarnos a aquellos preludios de lo que serían los años ochenta: Don´t Bring me Down (Electric Light Orchestra), My Sharona (The Knack), Heart of Glass (Blondie),...

Super 8 me ha hecho añorar aquellos tiempos en los que empezaba a salir con los amigos, aquellos veranos en los que entrabas en fincas ajenas a robar peras de agua (a riesgo de que te azuzaran los perros), las bicis a toda velocidad colina abajo, el barro, las rodillas llenas de arañazos, las tertulias a la luz de la luna, la playa, los primeros guiños a las chicas,... Además, tiene un componente de aventuras y ciencia ficción envidiable, que hará que tanto niños como adultos, pasen un rato formidable (unos soñando con sus futuras aventuras y otros rememorando las pasadas). Creo no equivocarme al decirte que no la puedes dejar pasar y que seguramente, se convertirá en un clásico generacional.

Por cierto: Si eres de los que se levantan nada más aparecer la primera letra de los títulos de crédito, te aconsejo que no lo hagas en esta ocasión, pues al minuto de comenzar, te llevarás una grata (y desternillante) sorpresa.

Lo mejor: Que te atrapa desde el primer momento y sales del cine con la sonrisa puesta.
Lo peor: Que el "drama adulto" se resuelva por arte de magia en 2 minutos.
La escena: El espectacular accidente de tren.

Contenido: Aventuras: 4; Comedia: 3; Ciencia Ficción: 4; Romance: 2; Violencia: 2

Desencanto Cinéfilo

2011-05-30T23:00:00.001+02:00

Desde que tengo uso de razón, he sido un ferviente seguidor del mal llamado séptimo arte (pues para mi ocupa un lugar mucho más alto en dicha escala). Recuerdo como mi ya difunta abuela repasaba conmigo todos los sábados la cartelera de Santander para establecer la película que podía ver y la que no. Eran tiempos aquellos, mi joven padawan, en los que un crío de 12 años podía entrar en las salas en las que proyectaran películas Aptas para todos los públicos o haciendo un esfuerzo, a las No Autorizadas a Menores de 13 años. El señor de la gorra, que rasgaba con cierto aire de misticismo las entradas, no solía atender a razones si un renacuajo pretendía entrar a una proyección no autorizada para menores. Eran tiempos en los que Rambo, Cobra o Commando eran películas que reventaban las cajas de los videoclubs. Cualquier muchacho de mi edad las había visto, al igual que yo, en una de esas quedadas un fin de semana en casa del amigo de turno al que los padres dejaban a cargo de unos hermanos mayores que tenían otras inquietudes que ahora no vienen a cuento, pero que luego todos fuimos conociendo. Eran tiempos bonitos. Recuerdo haber visto películas de todo tipo, de todo género y de todas las calidades posibles, pero siempre recordaré la satisfacción de haber visto “algo prohibido”. En este aspecto recuerdo incluso haber visto a los 14 la casposilla Holocausto Caníbal, que a ciertas edades, máxime con su leyenda de veracidad, puede impactar bastante. Aún recuerdo a toda la panda que estábamos ante el televisor con aquellas de caras de “a mi esto no me impresiona”, seguramente en un intento de ensalzar la hombría que traía implícita la pubertad, a pesar de que, por dentro, como años después reconocimos, todos deseábamos apartar la mirada de aquel esperpento sin sentido de sangre y vísceras.

Recuerdo también con mucho cariño a mi difunto abuelo dando propina a los acomodadores. Porque si amigo mío, existieron y soy de los que piensan que nunca debieron irse. Daban ese golpe de elegancia y magia a las salas, el mismo que posteriormente se ahogó en las palomitas, las cocacolas de litro y los pies sobre la butaca. Eran gente amable con los que, a base de ir casi de continuo al cine, entablé una bonita relación con los años. Cuando a los 18-20 años iba al cine, lo hacía en muchas ocasiones solo. Siempre entraba un rato antes para conversar con alguno de ellos sobre qué tal era lo que iba a ver, que estrenaban en breve o simplemente sentirme un poco más cerca de toda aquella magia que siempre representó para mí el trabajar en un cine. Ir al cine era, más que el pasatiempo actual, un acto social donde encontrabas juntos al abnegado padre con sus hijos (gracias papá), al señor sexagenario con su elegante señora envuelta en pieles y al gafapasta de los ochenta, pero todos ellos con un enorme respeto convivían en la oscuridad de la sala y hacían que la magia siguiera haciendo girar las bobinas en el proyector. Desde luego, había veces que veías una gran película y había otras que no te dormías por pudor, pero la emoción y la magia del cine siempre estaban ahí.

¿Y a qué viene esto Azid? se preguntará alguno. La respuesta es simple: No sé muy bien porqué ni como, pero a mis casi treinta y siete, la magia se ha ido. Así sin más. Las salas de cine me parecen, cada día más, los peores sitios donde disfrutar de una buena película. Su afán consumista (palomitas, butacas VIP, Dolby Pro Logic Hipersound, el maldito 3D, ¡esos precios!!…) y la falta de educación que tenemos con quienes quieren disfrutar de la película y no vienen a pasar el rato (pies sobre la butaca delantera, comentarios pretendidamente graciosos a viva voz, el masticar de palomitas con el “modo hormigonera ON”, esos malditos móviles y sus chistosas melodías,…) han terminado, para mí, con el cine como tal. La única manera de disfrutar de una buena historia es poder verla en casa, pero el encanto y la magia de la sala de cine se desvanecen.

No sé que fue antes, si el huevo o la gallina, pero creo que la falta de originalidad y la cantidad de basura cinematográfica va estrechamente ligada a esto que he comentado. Está claro que los blockbusters siempre han existido, que películas con 100.000 tiros y ninguna frase coherente nos han hecho saltar de emoción en la butaca y que no ves la vida igual con 15 que con 37, pero esto del “todo vale” tiene que terminar. Se hacen películas como churros y unas recuerdan a otras y las historias que has conocido ubicadas en Galicia, en un año las ves casi calcadas en la India (véase el futuro remake de Mar Adentro). Por otra parte parece que los magnates del cine persiguen, con su cine, potenciar el hecho de que las salas sean enormes y frías cajas en las que asistamos a películas sin argumento llenas de explosiones y persecuciones al límite, que sacan provecho al 100% del megasonido y la pantalla panorámica (cuanto más grande mejor). Si no es por la pasta, no acabo de entender el porqué se distribuyen cada vez más copias de películas efectistas y vacías y se “esconden” las historias que hacen que uno vuelva a encontrar una brizna de magia en la sala de un cine. Tengo la firme creencia de que el cine tiene parte de magia y parte de negocio, pero de un tiempo a esta parte, el negocio aplastó a la magia a golpes de FX, Dolby Pro-Logic y 3D.

No me vale la doctrina que defiende que el cine da lo que pide el público. Hace años, las salas urbanas proyectaban “lo que llegaba” y los cines se llenaban. Desde la aparición de las multisalas en los centros comerciales del extrarradio, los cines de verdad desaparecieron al carecer de la multioferta y una vez que ellas cogieron el monopolio, te puedes encontrar que en 3 de las 7 salas proyectan la misma película llena de monstruos azulados o piratas amanerados. ¿Qué opciones tiene un cinéfilo de ver películas como Las Vidas Posibles de Mr. Nobody (a mis efectos una de las maravillas del pasado 2010) en una sala de cine? Escasas. Si por el contrario te unes a la masa y acudes a ver un blockbuster, puedes escoger la sala en la que menos a disgusto disfrutar de tu kilo de palomitas con Coca Cola. Es cuestión de mercado, de acuerdo, pero el mercado, como te digo amigo mío, se ha impuesto a la magia y la ha hecho desaparecer prácticamente.

No me gustaría que esto se entendiera como un ataque a los blockbusters, porque no lo es. Considero que hay, en su género, peliculones como Iron Man o las originales de Piratas del Caribe y Transformers, entre otras, que son dignas de ver en la oscuridad de la sala, aunque sus secuelas den más pena que otra cosa.

He perdido las ganas de hablar de cine, de esperar tal o cual estreno, de entusiasmarme escribiendo la crítica de lo que vi la pasada semana. Ya no hay ganas, no hay fuerzas, no hay magia. Seguiré por aquí intentando hablar de lo que se tercie, aunque el cine seguirá siendo algo recurrente por uno u otro motivo, aunque quizás otros temas me hagan recuperar las ganas de colgar algo por aquí todas las semanas.

Aún así, es bonito, en este panorama desolador, encontrar pequeñas joyas que te hacen seguir abrazando la esperanza de que algún día todo vuelva a la normalidad, que no todos los cineastas han decidido abandonarse y que sigue habiendo gente muy válida que cree en lo que hace sin dejarse condicionar por lo que esto va a reportar a su cuenta bancaria.

Este es el caso de Kaydara, un mediometraje francés inspirado en la saga Matrix, realizado con maestría por Raphaël Hernández y Savitri Joly-Gonfard, del que un servidor no tenía noticia. Ha llegado a mis pupilas gracias a otro (y van…) generoso correo de mi gran amigo Mr. Felt. En él me escribía: “Casi una hora de lo que falta en el cine actual: Talento”. El vídeo dura 55 minutos pero es una delicia de principio a fin y me he decidido a compartirlo con vosotros como colofón a este post, un tanto errático, un tanto pesimista, con el fin de intentar ver el vaso medio lleno en lugar de medio vacío, pues creo que esa es la postura que debemos adoptar los que alguna vez sentimos la magia.

KAYDARA official film

PD1: Si queréis verla con los subtítuos en castellano, en la parte superior del video aparece la opción Subt., lugar donde podréis escoges ES (español).

PD2: La página web de esta maravilla os la dejo por aquí.

Escuchando: Wolfgram Amadeus Mozart - Lacrimosa

Las Filtraciones de Pedro

2011-05-08T22:21:00.000+02:00

Pedro Almodóvar no gana para sustos. A escasos días de que de comienzo el Festival de Cannes, en el cual concurrirá con su nuevo trabajo, La piel que habito, en la sección oficial, y por lo tanto en ese mismo enclave dará a conocer a todos su obra, se ha filtrado un teaser.

A diferencia de sus anteriores trabajos, que solían estrenarse en primavera, La piel que habito verá la luz en septiembre. Durante todo este tiempo ha sido más que un secretismo todo lo relacionado con esta libre adaptación de la novela Tarántula de Thierry Jonquet. Aunque esta es la tónica habitual del manchego.

Desde que se supo que era una de las cintas seleccionadas para Cannes alguna que otra imagen ya se han podido ver, pero es ahora gracias a algún intrépido que podemos disfrutar de estos escasos segundos para ir abriendo boca. Acudid raúdos y veloces pues no le aguro mucho tiempo por la red, ya sabéis quien avisa no es traidor. Seguiremos informando

Escuchando: Como un susurro - Ramoncín

Carne de Neon. Versión Larga

2011-05-05T14:30:00.001+02:00

TÍTULO ORIGINAL Carne de neón
AÑO 2010
DURACIÓN 113 min.
DIRECTOR Paco Cabezas
GUIÓN Paco Cabezas
MÚSICA Oscar Araujo, Julio de la Rosa
FOTOGRAFÍA Daniel Aranyó
REPARTO Mario Casas, Vicente Romero, Macarena Gómez, Ángela Molina, Darío Grandinetti, Blanca Suárez, Dámaso Conde, Luciano Cáceres, Antonio de la Torre, Vanessa Oliveira, Juan Carlos Vellido PRODUCTORA Coproducción España-Argentina-Francia-Suecia
GÉNERO Thriller. Drama. Comedia negra | Crimen

Hace tiempo que por estos lares publiqué Carne de Neón, uno de los cortometrajes españoles más visualmente impactantes. Su director, Paco Cabezas, siempre dijo que algún día rodaría la historia en largo, como a el le hubiera gustado en un principio y ese día ha llegado. El resultado ha sido bastante irregular y aún me pregunto porqué no se habrá dejado la historia tal cual estaba, pero hay que reconocer que la nueva y alargada visión de la historia, tiene su mérito y valentía.

Carne de Neon narra la historia de Ricky (Mario Casas), un muchacho que ha sobrevivido en la calle a base de trapicheos desde que fue abandonado a los 12 años. Su vida se ha desarrollado junto a prostitutas, chulos y yonkis, con los que mantiene estrechas relaciones. Ahora, con 23 años y ante la inminente salida de la cárcel de su madre, Pura (Ángela Molina), Ricky decide poner en marcha un club de alterne, el Hiroshima Club. Un puticlub como regalo, donde ella pueda trabajar, ser la regente y dejar su pasado como prostituta. Ricky se enfrenta al pasado de una madre que le dejó tirado años atrás, y los profundos sentimientos de un hijo que lucha por recuperar el cariño y amor de ella. Pero la feliz idea resulta no ser tan sencilla de poner en práctica y, para ello, Ricky contará con la ayuda de unos amigos de los más extravagantes.

El primer y mayor problema que encuentro en la revisión de Cabezas, es el propio Mario Casas. El Ricky original fué interpretado genialmente por un agitanado Oscar Jaenada y su madre por una morbosa y alocada Victoria Abril. Sin querer entrar en comparaciones, diré que Casas está ausente toda la película. No tiene ni la credibilidad ni la fuerza que necesita su personaje. Es curioso notar claramente como en todas y cada una de las escenas en las que aparece, es "tapado" por alguno de los, por otra parte acertados, secundarios. Es lógico pensar entonces que la historia quedará herida de muerte si su protagonista está desaparecido desde el principio.

Todo lo contrario pasa con los secundarios. Ángela Molina saca a pasear el talento y demuestra que puede con todo, por muy sórdido que sea el papel. Su interpretación de madre de Ricky es a veces cómica, a veces tierna, pero siempre dramática y muy bien desarrollada. Macarena Gómez dota de un enorme realismo a La Canija, una prostituta yonki, disfrutando de algunas de las mejores escenas de la película. Su "pareja" en la ficción es Angelito, en mi opinión, el mejor personaje de la película. Está interpretado por Vicente Romero, quien dota al chulo de la mala leche y la violencia que merece, a la vez que deja entrever una ternura bajo toda esa coraza, que hace que el espectador le coja un cariño especial (a pesar de que es un sinverguenza redomado). Luciano Cáceres da vida al Niño, un chiquillo atrapado en el cuerpo del fiel matón de Angelito. Sin duda es el papel más tierno y dramático de la historia y Cáceres lo hace brillar (estupenda escena tras el parto y su entrada al rodaje porno). Contra todos ellos aparece Darío Grandinetti en el papel del Chino, el malvado capo mafioso de turno, que aparece poco, pero muy bien retratado. Antonio de la Torre cumple su papel y aunque su personaje, una vez vista la película, es de vital importancia en la trama, aparece unos 20 minutos. Menos de lo deseado aparece la sexy Blanca Suarez, interpretando a la hija de De la Torre. Su aparición es mero trámite, pero lo solventa con corrección.

Cualquier admirador de Guy Ritchie encontrará en Carne de Neón muchas similitudes con las obras del británico: Tramas entrecruzadas a golpes de suerte (o falta de ella) en el mundo del hampa, personajes variopintos, repentinos acelerones de guión y mala leche. Muy mala leche. Ritchie no escondió su admiración por el cine de Tarantino y Cabezas deja ver claramente la suya por el director de Snatch, aunque dota a la historia de una sordidez ibérica difícil de olvidar. Escenas como la subasta de mujeres, las instrucciones a las chicas del Hiroshima o las decisiones que se toman sobre la joven inmigrante, son situaciones que podrían incomodar a más de uno, pues su dureza, moralmente hablando, raya lo dañino.

En resumidas cuentas, lo que falla en Carne de Neón (y no falló en el cortometraje previo), es que el personaje principal no funciona. Todo a su alrededor es sórdido, sin escrúpulos y violento, mientras que él parece no pertenecer a ese mundo que pretende controlar. No puedo creerme que un muchacho con la parsimonia y ausencia de mala leche de Casas, pretenda montar un club de alterne y enfrentarse a la mafia local. Si eso falla, la película se desmorona. Me hubiera gustado ver que hubiera pasado con un Jaenada como el que encarnó al Ricky original. Las buenas actuaciones de los secundarios, algunos giros de la trama y la conjunción de violencia, drama y comedia a buen ritmo, mantienen el nivel de la película en un aprobado raspado.

Lo mejor: El tono cachondo y alocado heredado de Guy Ritchie.

Lo peor: La falta de fuerza de su protagonista.

Contenido: Violencia: 4, Sexo: 2, Comedia: 3

Escuchando: Pat Benatar - Heartbreaker

Scream 4. La Espera ¿Merece la Pena?

2011-04-27T00:08:00.008+02:00

Recuerdo que corrían los noventa cuando Ghostface rasgó atropelladamente y por primera vez, las pantallas de todo el mundo con su inconfundible puñal. Quedé realmente perplejo por la simple, pero aterradora estética (esa máscara me tiene loco) y porque Scream fué una película de freaks destinada a los freaks. Preguntas sobre cine del género que la gran mayoría contestábamos en voz baja en la oscuridad del cine, las mil veces comentadas reglas de las pelis de miedo ochenteras y algún que otro homenaje a los clásicos, son detalles que aún me cuesta encontrar en todas aquellas historias que surgieron a la sombra de la obra de Kevin Williamson y Wes Craven.

Vaya por delante que me encanta la iconografía de Scream, sus giros de guión y las carreras de obstáculos que acaba disputando Ghostface tras su víctima. Aún así, me coloco un punto por debajo de lo que se considera un fan de la saga, pues, a pesar de que adoro el original, a medida que avanzan las secuelas, mi interés se va desinflando poco a poco. Creo que esto es debido a que la repetición de la fórmula no siempre es efectiva y esta cuarta parte, a pesar de que intenta disfrazar lo de siempre, es un calco de las anteriores (máxime en las múltiples "escena homenaje" y sátiras hacia la saga). Pese a todo, me he divertido.

Scream 4 comienza diez años después de la tercera entrega. Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface

El arranque es realmente bueno y lo considero todo un homenaje a la legión de fans de la saga. Es divertido y "original", aunque puede acabar resultando tan repetitivo como la saga en si. Me gustó el momento absurdo de las dos chicas (Anna Paquin y Kristen Bell) viendo la película en el sofá de casa y la referencia a Robert Rodríguez en Stab. Recomendable no llegar tarde a la sala, pues para mi, el inicio es lo mejor de la película.

Tras un arranque prometedor, trancurren unos 45 minutos que logran mantener el pulso narrativo. Las pistas falsas al espectador, las apariciones de Ghostface y los politonos se suceden con bastante acierto hasta el momento en que la película comienza a desinflarse. A partir de ahí, por mucho que se intente vender la idea de "nuevas reglas" y todo cambia, la película es un calco de las anteriores pero con menos gracia. Los "homenajes" a la saga, autoparodias y un final con alguna escena absurda y exagerada hasta la extenuación (chica-cuadro-chica-mesa... une los puntos si la has visto) me defraudaron bastante. Pero si hay algo que no acabó de encajarme, es la motivación de Ghostface para cometer los crímenes. Me pareció una excusa demasiado facilona y moralista (aunque desgraciadamente bastante real). Por principios no hablaré de ello ni en spoiler, pero creo que queda claro que esta vez lo que importa no es el porqué de trayecto, sinó el cómo se desarrolla el viaje hasta allá y quien oculta su rostro tras la máscara.

A los personajes clásicos, Sidney (Neve Campbell), Dewey (David Arquette) y Gale (Coutney Cox), se une la chavaleria necesaria para relanzar la saga. Nuevos tiempos, nuevos cretinos: Tres pijas pidiendo guerra, la prima de Cindy (sobrina, en la vida real, de Julia Roberts), el ex-novio de esta y un par de freaks del cine de terror (especialmente odioso el que lleva siempre consigo una cámara web para publicar lo que ve, directamente en su blog). Seguro que olvido a alguien, pero creedme: desearás que lo maten. No hay uno de ellos que merezca ser nombrado en la Teoría de la evolución de Darwin. De las tres lolitas, salvo de la quema a Hayden Patteniere, la animadora de la serie Héroes, porque, a pesar de su horrendo peinado, sigue alegrando la vista al personal masculino. No pidáis peras al olmo. Uno de los odiosos freaks es Rory Culkin, hermanísimo del antaño adorable protagonista de Solo en Casa. La verdad es que el nivel de actuación de ambos es igual de plano. Espero que, al menos, en la vida real este sea más listo que el hermano. En cuanto a los clásicos os dejo una pregunta: ¿Porqué Dewey ha perdido su característica cojera y torpeza?. Fallo imperdonable.

Me llamó la atención el que, como ya pasara en otras sagas de terror, las muertes se han ido volviendo más visuales y explícitas a lo largo de los años. De esta manera,en esta última entrega podemos ver alguna que otra escena que pasa de puntillas sobre el género gore. ¿Nos estamos embruteciendo tanto que tenemos que mostrar todo de forma cada vez más cruda?.¡Qué daño han hecho los telediarios!. Ahí lo dejo.

En definitiva, Scream 4 es más de lo mismo pero con un descarado intento de atrapar nuevos jóvenes adeptos. La primera parte de la película convence e incluso es notable en alguna de sus escenas, pero poco a poco pierde fuerza y comienzas a desear que te muestren al asesino para poder irte a casa cuanto antes (a pesar de que a mi la identidad de este me pilló por sorpresa, al tener mi teoría erróneamente construída). Supongo que no defraude a los fanáticos de la saga y que los espectadores la encuentren entretenida, pero en mi opinión, el resultado/regustillo final no pasa de un seis sobre diez.

Lo mejor: El acertado arranque de la historia y la primera media hora.

Lo peor: Que no aporta nada nuevo.

La frase: La primera regla de los remakes es no joder al original.

La escena: La presentación de la historia.

Contenido: Violencia: 4, Terror: 3, Comedia: 1

Escuchando: David Lee Roth - That´s Life

El Adiós de la Mirada Violeta

2011-03-24T18:41:00.000+01:00

Ayer nos dejaba un icono del cine, una leyenda con mayúsculas del firmamento de Hollywood. La estrella por antonomasia. Liz Taylor nos dijo adios tras una larga enfermedad que la llevó a estar recluida hacía dos meses en un hospital de Los Angeles, aunque en este tiempo, y como reza el dicho, genio y figura....pues ya había anunciado el que sería su noveno matrimonio.

La gata de mirada violeta cerró sus ojos para siempre aunque siempre los volverá a abrir en nuestras pantallas, quien siempre dijo que no era actriz por vocación si no más bien por obligación, pues fueron sus padres quienes la introdujeron de muy joven en el mundo de la interpretación, y ya en sus tiernos comienzos se vislumbraba la mujer de carácter que sería después con papeles como el de Mujercitas o El coraje de Lassie. Aunque yo siempre la recordaré como esa gata que decía sentirse sobre un tejado de cinc caliente.

Una larga filmografía que la catapultó, ya en vida, a ser una leyenda del cine, pues no solo por su gran belleza inundaba la pantalla, si no también por sus magistrales interpretaciones.

Una mujer marcada que recorría una larga senda de elefantes en un miércoles de ceniza, un ser gigante que no temía a Virginia Wolf....una gata sobre un tejado.

De poco ya nos sirve hacer un recorrido por su tumultuosa vida, una vida de diva que al final rindió a las causas humanitarias y que hoy nos ha dejado un legado artístico para el recuerdo. Y que siempre recordaré por ser la actriz de aquella foto que mi abuela me enseñaba para mostrarme aquellos ojos. Desde este rincón mi más sincero homenaje al Icono con mayúsculas.

Escuchando: Ojos de gata - Los secretos

La Censura de Nuevo...

2011-03-22T15:00:00.000+01:00

Desde tiempos de Maricastaña, uno de los mayores enemigos del séptimo arte ha sido, es y desgraciadamente será, la censura. El Último Tango en París (Bernardo Bertolucci), Saló o los 120 Días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini), Calígula (Tinto Brass), Gilda (Charles Vidor), El Crimen de Cuenca (Pilar Miró) son sólo una pequeña muestra de la interminable lista de películas que sufrieron en su día la ira de la mano censora. Del rollo de marketing que sufrió/se aprovechó Saw VI, mejor hablamos otro día porque esa es harina de otro costal.

Creo que la línea que separa la libertad de expresión de unos y el daño moral que pueden recibir otros, es muy delgada y frágil. Es por ello que estoy a favor de que existan leyes que regulen lo que un menor puede ver en una sala de cine, prohibiendole, incluso, el acceso a la sala. Más que posicionarme a favor, considero que es muy necesario. Ahora bien, de ahí a que al señor Ángel Sala, director del Festival de Cine de Sitges, lo acusen de un delito de exhibición de pornografía infantil por haber proyectado en dicho Certamen la polémica A Serbian Film...hay un trecho.

Vaya por delante que no pretendo ser un defensor del "todo vale", pero en el cine de terror hay mil géneros, a cada cual más sórdido. Hay gore alemán que haría vomitar a una vaca, historias realmente truculentas y escenas que a ningún padre le gustaría que vieran sus hijos (de hecho hay padres que tampoco deberían verlas, visto como está el panorma). Con ello digo que ese cine está AHI y es una realidad le pese a quien le pese. Está claro que no es del gusto de todo el mundo, pero es un tipo de cine tan válido como las películas de Jennifer Aniston (en muchas ocasiones incluso mucho más). La ley debería censurar la entrada a menores, obligar a los exhibidores a informar de la crudeza de las imágenes o la historia y dejar al espectador adulto a elegir libremente, pero nunca prohibir la exhibición. De ninguna manera.

No he investigado mucho, pero estoy por apostar que, lo único que ha conseguido todo esto, es que A Serbian Film, haya sido una de las películas más buscadas/descargadas en los últimos meses.

Sea como fuere, os dejo aquí el comunicado que ha remitido la Organización del Festival de Sitges. Que cada cual saque sus conclusiones, tan respetables, presumo, como las del que suscribe.

SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA COMUNICADO en relación a la denuncia contra el Director del Festival, Ángel Sala, por la proyección de A Serbian Film en 2010

SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya quiere mostrar su total apoyo a su director Ángel Sala y a las decisiones que ha tomado en el ejercicio de su cargo.

En este sentido, y en referencia a la programación de la película A Serbian Film, el Festival quiere hacer patente que no se trata de una película pornográfica si no de una ficción de terror, y que no integra un ataque contra la indemnidad sexual de menores.

SITGES quiere agradecer los apoyos recibidos por parte de su público, de festivales de cine (1) y de personalidades destacadas del ámbito de la cultura.

A Serbian Film fue exhibida tras tomar todas las medidas informativas y de control necesarias para impedir el acceso a la proyección de cualquier persona menor de edad. Estas medidas consistieron tanto en información preventiva en los soportes de comunicación del Festival para garantizar el conocimiento del contenido de la cinta por parte de los espectadores antes de su visionado, como en la solicitud del Documento Nacional de Identidad a la entrada de la sala de proyección.

La trayectoria de esta película ha sido la habitual dentro del circuito comercial convencional, proyectándose, entre otros, en los siguientes festivales internacionales y mercados: Bruselas, Montreal (Fantasia), San Francisco, Toronto, Austin, Oporto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna, y Estocolmo, entre otros.

También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios recibidos en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película Más Innovadora); el Premio Especial del Jurado en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival FIPRESCI en Serbia.

A Serbian Film se ha proyectado en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: el Mercado y Festival de Cine de Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California, y será distribuida comercialmente en el Reino Unido, Canadá y EEUU.

SITGES quiere agradecer nuevamente todos los apoyos recibidos, así como mostrar su respeto por aquellas críticas que han generado un debate necesario sobre la importancia de la libertad de expresión y creación en la programación de los festivales cinematográficos.

SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya considera que ha actuado con el rigor necesario y ofreciendo a los espectadores la información previa que se requería. No obstante, la existencia de voces críticas llevará al Festival a plantear una reflexión sobre los mecanismos de información de cara al futuro, insistiendo en la protección de la infancia y la defensa de la libertad de expresión y creación, como hasta ahora ha venido haciendo.

(1) CARTA DE APOYO DE FESTIVALES DE CINE ESPAÑOLES

Los abajo firmantes, directores de festivales cinematográficos españoles, queremos dejar constancia, ante la filtración a la prensa publicada el pasado fin de semana, de nuestra extrañeza por la actuación judicial contra Ángel Sala, director de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, por haber incluido en la programación 2010 del citado evento, en pases sólo aptos para adultos, la película A Serbian Film, en la que se pretende ver contenidos violentos, pornográficos y contrarios a los derechos de la infancia.

Más allá de la extrañeza ante el hecho de hacer recaer la responsabilidad en un programador cultural, y no en los teóricos responsables de tales contenidos (en todo caso, el director y los productores), queremos recordar, además de nuestro apoyo a Ángel Sala, que el film se ha visto, desde el pasado año, en certámenes de ciudades como Bruselas, Montreal, Londres, Oporto, Austin, San Francisco, Toronto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna y Estocolmo, entre otros. A Serbian Film, se ha proyectado además en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California. Todo ello sin que nadie haya elevado, hasta la fecha, denuncia judicial alguna contra el film, sus responsables o sus programadores.

También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película más Innovadora); el Premio del Público en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival FIPRESCI en Serbia.

Igualmente, queremos denunciar que comportamientos como el de la Fiscalía de Barcelona parecen retrotraernos a épocas de cortapisas censoras contra la libertad de expresión y programación culturales que sinceramente creíamos que pertenecían a la Historia.

Firmantes:

Javier Angulo (Festival de Valladolid)
Josetxo Cerdán Los Arcos (Punto de Vista / Pamplona)
José Luis Cienfuegos (Festival de Gijón)
José Luis Rebordinos (Festival de San Sebastián)
Carmelo Romero (Festival de Málaga)
José Sánchez Montes (Festival de Granada / Cines del Sur)
Claudio Utrera (Festival de Las Palmas)
Javier Martín Domínguez (Festival de Sevilla)
Eduardo Trías (Festival de Huelva)
Josemi Beltrán (Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián)

Departamento de Prensa / premsa@sitgesfilmfestival.com
SITGES 2011 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
44 edición | 6-16 octubre 2011 | www.sitgesfilmfestival.com
EDIFICIO L’ESCORXADOR. C/ Joan Maragall, 36 (08870 Sitges, Barcelona)

Escuchando: Boikot - Stop Censura

Trailer de Apollo XVIII

2011-03-03T06:30:00.000+01:00

Hace unos días Mr.Felt me envió un trailer un tanto raruno y que parece haberse extendido por la red de redes como la pólvora. Añadía en su mensaje que el éxito de la película va a estar especialmente condicionado por las interpretaciones de sus actores principales. Yo no puedo estar más de acuerdo, pero vamos al lío.

Como todo lector de wikipedias puede saber, el Apollo XVII (17, por si prefieres a los árabes), fué la última misión tripulada por el hombre a la la Luna. Esta tuvo lugar el 17 de diciembre de 1972. Desde entonces el ser humano no ha vuelto a posarse sobre Selene. Muchas son las teorías de la conspiración en torno a este hecho, pues bien es cierto que es extraño tanto ir y venir a la Luna y que de repente todo pare como por arte de magia hace casi 40 años. Recomiendo al respecto el documental ¿Qué sucedió en la Luna? de David Percy, pues creo tiene algunas (discutibles) opiniones bastante bien contrastadas.

En fin, basándose en esta situación real (llevamos 40 años sin paseos espaciales sin aparente motivo), el madrileño Gonzalo López-Gallego, director de la correcta El Rey de la Montaña, dirigire ahora esta historia en formato de falso documental. En Apollo XVIII descubriremos como, un año después de la misión Apollo XVII, dos astronautas estadounidenses fueron enviados en una misión secreta a la Luna financiada por el Departamento de Defensa de EE.UU.. Lo que usted está a punto de ver es el material de archivo real que los astronautas capturaron en esa misión. Mientras que la NASA niega su autenticidad, otros dicen que es la verdadera razón que nunca hemos vuelto a la Luna...

La historia a priori engancha, pero a mi lo de los falsos documentales me huele requetemal (a truñacos como Paranormal Activity y secuelas me remito). También es cierto que a La Bruja de Blair le salió bien y que Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon es una de mis pelis de cabecera, por lo que en ese aspecto la voy a dar una oportunidad.

Como dijo Mr. Felt, al ser una historia con tan solo dos personajes en un espacio reducido, estos deben dar el do de pecho y eso es un hándicap bastante alto. A este respecto recomiendo encarecidamente el buen trabajo realizado por Sam Rockwell en la hipnótica Moon de Duncan Jones. En este caso, veremos en que queda la cosa, pues me da en la nariz, que la cosa va también de locuras y trastornos mentales y no tanto de alenígenas.

Apollo XVIII está producida por The Wenstein Company y Timur Bekmambetov, director de la saga de Guardianes de la Noche. Actualmente está en post-producción y se iba a estrenar en USA el 3 de Abril, aunque su arranque parece haberse postpuesto hasta el 22 del mismo mes. En España no hay nada confirmado. Para ir entrando en ambiente podéis visitar la página oficial o darle un vistazo al trailer que os dejo colgado por aquí abajo.

Escuchando: Frank Sinatra - Fly me to the Moon

La Piel que habito se Deja Ver

2011-02-22T22:20:00.000+01:00

Tras varias idas y venidas, reescrituras de guión y alguna película por medio, por fin Pedro Almodovar se decidió por la versión final del guión que sobre la novela de Thierry Jonquet, Tarántula, tanto quebradero de cabeza le ha dado. Según sus propias declaraciones esta novela le ha estado rondando bastante tiempo. A estas alturas, en las que el rodaje ya ha finalizado, aunque poco se sabe sobre ella, ya tenemos una cierta idea de lo que nos podremos encontrar el próximo 2 de septiembre, fecha programada para el estreno.

La historia versa en torno a un cirujano plástico enfermo de venganza. Como ya es habitual en su carrera, el director manchego poco o nada a desvelado de la trama final, solamente ha dejado entrever que será una cinta en la que los géneros se entremezclen, muy noir tornándose en ocasiones hacia la ciencia ficción y el terror, pero no un terror al uso de sustos. Y es que el cine del director es dificil enmarcarle en un género en concreto, siempre ha navegado entre varios para así crear su propio universo y sello.

La piel que habito ha supuesto el reencuentro entre el director y Antonio Banderas, con el cual no trabajaba desde hace más de veinte años, y este reencuentro ha sido por la puerta grande ya que encarna el papel protagonista y dará vida al doctor Ledgard. A él se unen Marisa Paredes y Elena Anaya, esta última después de descartar a Penélope Cruz. Además también encontraremos a Eduard Fernández, Blanca Suarez o Fernando Cayo entre el cast.

Como ya sabéis soy una enamorada de la obra del director, así que no puedo por

menos morir de ansiedad ante el estreno y ver por fin que es lo que ha hecho con la novela de Jonquet, aunque por primera vez ante una película de Almodovar siento cierto miedo pues con los poster que han ido vertiendo, del que uno de ellos me recuerda sospechosamente a la saga Saw, no se si mi débil sensibilidad soportará ciertas imagenes de la cinta. Por el momento me queda esperar a que nos llegue el trailer y así poder desvelar algo más. Y hablando de los poster, os dejo una selección de los que han salido esta misma semana, el que adorna el encabezado, surtió hace unas semanas. Esperaremos pacientes a cualquier pequeña noticia que vaya surgiendo.

Escuchando: Yo quiero ser una chica almodovar - Joaquin Sabina

Tosar da el Cante

2011-02-22T10:50:00.000+01:00

Este chico vale para todo, tanto para un roto como para un descosido. Si en la pantalla grande nos ha regalado actuaciones magistrales, ahora también nos deleitará los oídos. Aunque su faceta como cantante no es fruto de un día, pues desde hace veinte años ya lleva dando guerra con los acordes.

Provenientes de diferentes grupos estos cinco chicos liderados por Luis Tosar, formaron en un primer momento el grupo The Ellas que versionaban canciones de reconocida trayectoria de voces femeninas, de la evolución onomatopéyica del nombre finalmente se quedó en Di Elas. Tras mucho trabajo a sus espaldas el próximo día 29 de marzo saldrá a la venta su primer disco, compuesto por once canciones de factura propia, y que llevará como título el nombre del grupo.Por el momento tenemos un aperitivo en forma de video con el primer single, Volver.

Si la estrella que le persigue no le abandona por el camino, puede que obtenga casi el mismo exito que con sus interpretaciones, pero juzgar por vosotros mismos, Tosar canta entre juguetes

Escuchando: My name is Luca - Suzzane Vega

Estrenos de la Semana. 18 de Febrero

2011-02-18T10:54:00.000+01:00

Una semana más los estrenos nos emplazan a este pequeño rincón, poco movimiento a excepción de un par de títulos salvables de la quema. Y después dicen que el número de espcestadores baja, habrá que revisar los estrenos, pues hay semanas que no alentan a acercarnos a las salas, bien porque no hay títulos muy apetecibles a lo que podemos unir que la friolera de 8,5 por entrada tampoco ayuda, sí, 8,5, eso fue lo que pagué docilmente apenas hace quince días cuando acudí a las salas. Pero aunque poderoso caballero es Don Dinero, aparquemos esas bagatelas y centrémonos en los estrenos, que puede que entre tantas cintas alguna nos conmueva lo suficiente como para rascarnos un poco los bolsillos. Abrocharos los cinturones porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

Cisne negro. A una semana de la entrega de los Oscar y como siempre a cuentagotas, esta semana nos llega otro título que opta a la dorada estatuilla, más concretamente a cinco, entre los que destacan las nominaciones a mejor película, director y actriz. Darren Aronofsky cuya carrera se destaca por su particular visión y por saber imprimir a cada obra su propio sello, ya deslumbró con su Luchador y ese resurgir como ave Fénix al que condujo a Rourke. Sobre Cisne negro no he podido oir y leer mejores críticas, a expuesto a Natalie Portman a todos los límites inimaginables en la interpretación para así sacar de ella su parte más dolorosa y encarnar y trasmitirnos el ascenso y descenso hacia los infiernos de una bailarina. Amén de el duo que la acompaña, Mila Kunis y Vincent Cassel. De este último me sobran las palabras para calificarle, pues solo con su mirada inunda la pantalla y la imprime de su carácter. Posiblemnte una d elas mejores opciones de esta semana y no solo por estar nmominada a los Oscar, si no por ser el último trabajo de Aronofsky, un director al que desde sus inicios no hay que perderle la pista. VER FICHA Y TRAILER

Secretariat. Protagonizada por Diane Lane y John Malkovich, Randall Wallace, director de cintas como El hombre de la máscara de hierro, nos trae un biopic de esos que tanto gustan por los lares estadounidenses. Una historia de superación personal y salto de obstabulos con buen fin. La historia de Penny Chenery y su caballo Secretariat, al cual con la ayuda de un domador lo convirtió en el mejor caballo ganador que se alzó con la triple corono en el año 1973. A día de hoy se le sigue considerando uno de los mejores caballos de carreras. Con dicha premisa no me apetece mucho meterme en una sala, puede que esté bien interpretada y al final sea inevitable coger cariño al equino, pero lo mismo me dará verla en el sofá de mi casa. VER FICHA Y TRAILER

Sin retorno. Mi segunda apuesta de la semana recae en la opera prima de Miguel Cohan, quien ya fuese asistente a las órdenes de Manuel Pyñeiro en cintas como Plata quemada, da el salto a la dirección con esta historia plagada de venganzas, odios y reacciones humanas. Con un elenco encabezado por Leonardo Sbaraglia, Federico Luppi y Bárbara Goenaga y la premisa de un atropello el director nos mostrará todos los planteamientos posibles sin entrar en juicios de valores ni sensiblerias baratas. Puede que por esta premisa del atropello nos aluda a Carancho, cinta también argentina que trata este tema desde un punto de vista diferente. Pero no nos engañemos el desarrollo de la historia no tiene nada que ver. Según ha comentado el director, el atropello solo es una excusa para mostrarnos cómo nos comportamos los seres humanos ante el dolor, la mentira y el querer salvar el pellejo. No puedo disimular que el cine que nos llega de Argentina me gusta bastante, así que daré una oportunidad a esta historia que por lo menos en el trailer pinta la mar de bien y que lo mismo debió de pensar el jurado de la pasada Seminci al otorgarla, ex aequo, la Palma de oro junto a Copia certificada.. VER FICHA Y TRAILER

Saw VII. 3D. Quien ya se encargara de la dirección de la anterior entrega, así como del montaje de las cinco anteriores, Kevin Greutert, dirige la séptima y la que parece o dicen, cierra la saga de Jigsaw. Aunque en esta ocasión no han podido evitar subirse al carro de las nuevas tecnologías y nos la taen en 3D, por si no impactan por si solo las escenas, añadimos un efecto más y así las vísceras y los cortes perfectos nos salpicarán en nuestras butacas. A estas alturas de la película no creo que esta entrega nos vaya a descubrir nada nuevo, lo que si espero es que de una vez por todas lleguen a buen puerto, y nos desentrañe algo de la trama dotándola de un final coherente. Pues lo que empezó teniendo cierta gracia se ha ido tornando en un rizar el rizo y querer estirar el chicle más de lo debido. Solo sea por ver si realmente cierran la saga, habrá que verla, eso si, mejor ir en ayunas. VER FICHA Y TRAILER

El oso Yogui. Muchas tardes de nuestra infancia se han visto amenizadas por las aventuras de este oso adicto a los emparedados, y siempre acompañado por su fiel amigo Bubu. Ahora le ha llegado la hora de saltar a la gran pantalla, en una nueva aventura que mezcla animación e imagen real. En esta ocasión Yogui, Bubu y el guardabosques Smith deberán unir sus fuerzas si no quieren que el fanmoso parque de Yellowstone cierre sus puertas. Una amable historia dirigida primordialmente al público más joven de la casa. VER FICHA Y TRAILER.

La próxima semana nos llega los Secuestrados de Miguel Angel Vivas, la incursión en el mundo de la animación de Fernado Trueba de la mano de Mariscal en la historia de Chico y Rita y la comedia de Todos los chicos están bien con las bellas Anette Benning y Juliane Moore. Pero para todo eso quedan ocho días por delante, así que aprovechemos lo que tenemos, y si las lluvias nos dan una tregüa disfrutemos del fin de semana que tenemos por delante. Y ya sabéis, ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: Lágrimas de hiel - Callejón sin salida

Valor de Ley

2011-02-16T00:10:00.000+01:00

Fecha de estreno: 11 febrero 2011

Dirigida por Ethan Coen, Joel Coen
Con Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper
Título original: True Grit
Película no recomendada a menores de 7 años
Largometraje EE.UU. . Género: Western
Duración: 01h48min Año de producción: 2010
Distribuidora: Paramount Pictures Spain

Sinopsis: El padre de la niña de catorce años Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es asesinado de un disparo a sangre fría por el cobarde Tom Chaney (Josh Brolin), y ahora ella está dispuesta a hacer justicia.

Buscando la ayuda del jefe de policía Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un borracho de gatillo fácil, se marcha con él - a pesar de su oposición- para atrapar a Chaney. La sangre vertida de su padre le hace perseguir al criminal hasta el territorio Indio y encontrarle antes de que el Ranger de Texas llamado LaBoeuf (Matt Damon) le atrape y lo lleve de vuelta a Texas por haber asesinado a otro hombre. (vía: Sensacine)

Y los Coen lo volvieron a conseguir, diría el titular. Renegé de ellos cuando salí de No es País Para Viejos, volví encandilado a sus brazos con Quemar Después de Leer cual hijo pródigo, me enfrié un poco con Un Tipo Serio y de nuevo me pongo en pié para aplaudir este remake del clásico de Henry Hathaway. Era difícil superar un clásico del Oeste en el que un pedazo de icono como John Wayne llevaba las riendas, pero creo no errar el tiro cuando digo que el Duque estaría orgulloso del excelente trabajo de Jeff Bridges y de toda la trouppe que cabalga buscando venganza. Curiosamente este trabajo significó el único Oscar que Wayne recibiera en su carrera. Bridges lo tiene difícil este año con Colin Firth, pero nunca se sabe...

Creo que el gran acierto de la película son las interpretaciones a cargo del trío protagonista. Bridges da vida a ese alguacil destartalado, borracho y con aires de perdedor que es contratado por la niña dolida por un puñado de dólares. Su pinta de "tirado" puede recordar en determinados momentos a El Nota de El Gran Lebowski, pero con ese halo de perro viejo que le otorga un aire de tío peligroso. La niña Hailee Steinfeld, lejos de resultar pedante, infantil o de ser el contrapunto gracioso, es el eje de toda la historia y se desenvuelve como pez en el agua, ofreciendo una interpretación que deja patente que es una pequeña estrella a la que debemos no perder la pista. La relación entre ambos, entre lo comercial y lo tierno, me parece realmente fantásticay un alo porcentaje del éxito de la película. La evolución de ambos es inversamente proporcional: mientras que ella comienza como figura autoritaria, Bridges adopta el papel de tío duro, pero sumiso a ella (aunque sea por 100 dólares). A medida que avanza la historia, ella es cada vez más niña y él cada vez más padre. Todo ello muy bien evolucionado, con una cadencia que sólo manejan los grandes. A la pareja se une Matt Damon, un estricto Texas Ranger, que viene a certificar eso de que no hay dos sin tres. Aporta ese toque a veces cómico, a veces tierno, que hace que te encariñes del personaje y que, a partir de la mitad de la película, no entiendas la pareja sin él. Gran trabajo el de Damon, quien dicho sea de paso, creo que se está labrando una carrera digna de envidiar. En cuanto al malo de la historia, Josh Brolin, no acaba de convencerme. Cierto es que no se si es él o es su personaje, pero sinceramente creo que Barry Pepper, que sale prácticamente el mismo tiempo en pantalla y es tan malo (o más) que él, le da mil vueltas en cuanto a carisma e interpretación. Espero que algún día alguien me explique el porqué este chico no está teniendo la suerte que merece. Para mi es un diamante en bruto desde que diera vida al francotirador más carismático de los últimos tiempos en la correcta Salvar al Soldado Ryan.

Otro punto a favor de la película es su cuidada ambientación y fotografía, pues si bien hablamos de un western, no estamos ante el Far West clásico de Leone o Eastwood. Me he quedado prendado de la belleza de ciertas escenas en las que la nieve hace acto de presencia, dotando de un magnífico lirismo a cada uno de los planos. Me ha encantado la luz de la Luna bañando los páramos y esa caminata final de los títulos de crédito al son del Leaning on The Everlasting Arms de Iris DeMent (que ya entonara Robert Mitchum en La Noche del Cazador).

La banda sonora está bastante cuidada y para ser sinceros no me he fijado en más de dos o tres temas que me han encajado perfectamente.

Hay quien compara Valor de Ley con Sin Perdón (otra maravilla indispensable en toda videoteca), pero a mi en lo único que se me parecen es en que son western crepusculares en los que sus personajes principales están ya de vuelta. Las dos son buenas en su estilo, pero yo no podría compararlas, aunque reconozco haber pensado en la obra de Clint en determinados momentos de la de los Coen.

En definitiva, Joel y Ethan Coen han realizado un estupedo remake (aunque ellos dicen haberse basado exclusivamente en la novela original de Charles Portis), que a mi parecer, ha superado al original al enriquecer a los personajes y al integrar esas pequeñas gotas de humor negro y belleza plástica que tan bien manejan y tan bien han sabido encajar aquí. Muy recomendable.

Valoración: Notable

Lo mejor: Las interpretaciones de sus protagonistas.

Lo peor: Que Brolin (o su personaje) no estén a la altura.

La escena: El duelo final a caballo y cualquiera en la que aparezca la nieve.

La frase: Uno debe pagar en este mundo; nada es gratis... salvo la gracia de Dios

Contenido: Drama: 3, Violencia: 2

Escuchando: Robert Mitchum - Leaning On The Everlasting Arms

Discurso de Alex de la Iglesia

2011-02-14T00:25:00.008+01:00

Hacía tiempo que no veía a nadie quedarse tan a gusto y además tan acertadamente. Bravo Alex. Como en los chistes de los periódicos: Sin Palabras. Ahí va un hombre...

Sinde: No Me Toques los Goyas

2011-02-13T21:00:00.002+01:00

Un tiempo he permanecido callado, pero creo que es hora de dejar caer la máscara de la indiferencia y unirme a todos esos que un día decidieron entonar un ¡BASTA YA!. Estoy completamente en contra de la la Ley Sinde y por momentos me alejo más y más de la Academia de Cine Española por mantener, tras los partidos políticos de esta mal llamada democracia, esa postura brabucona del energúmeno que se escuda tras el macarra de la clase.

He pagado un canon (y no barato precisamente) por mi televisión, por mi nuevo ordenador, por mi ebook, por mi mp3, por mi cámara de fotos, por los cd's que utilizo mensualmente para realizar la copia de seguridad de mi servidor web,... Todo ello para reconocer, aún en contra de mi voluntad, ante la ley (si, con minúsculas) y ante los mal llamados artistas (más bien usureros del arte) que soy un ladrón y que no merezco el derecho a la duda. Según la ley, soy culpable hasta que se demuestre lo contrario (y tú, amigo lector, también). Me llaman ladrón, me multan repetidamente con su canon y pretenden que pague una entrada de cine para que sigan "malviviendo" de su pretendido arte.

Este sector del gremio actoril se queja de que el cine español pasa malos momentos y en eso estamos de acuerdo. El cine español de la actualidad, en líneas generales, aburre a un caballo señores. Rojos y fachas con sus odios ancestrales, travestis, paro, tetas, droga y lágrimas. Muchas lágrimas. Sólo se salva una pequeña y honrrosa parte que brilla con luz propia. No conozco muchos espectadores de mi edad que se sientan atraídos por el cine patrio y son ellos los espectadores del mañana. En lugar de intentar comprender que es lo que busca un espectador al entrar en una sala de cine, lo tachan de pirata y aseguran que sus descargas ilegales están acabando con las salas. Me encantaría saber que porcentaje de películas descargadas ilegalmente corresponde a cine español. Seguro que más de uno tendría que replantearse la teoría (de música mejor no hablo que a lo mejor se oyen los lloros y lamentos habituales desde Miami....).

Ahora, por si no fuera ya uno suficientemente vapuleado piratee o no, aparece la señorita Sinde en forma de mina antipersonal. Lo que no ha conseguido con su mediocre carrera (más bien paseo) en el cine, lo va a conseguir como ministra: Es, de largo, una de las mujeres más nombradas del panorama español junto a Belén Esteban. Su "ley Corcuera" antipiratería, salta por encima de los jueces, otorgando el poder de cierre de las webs "sospechosas" a un consejo de sabios con una moralidad a prueba de bombas (o eso dicen). Vamos, tú y yo somos piratas y ahora, además, hay unos señores que, pasándose a los jueces por el forro del gusto, van a cerrar las webs "sospechosas" a golpe de patadas en la ventana. Que viva el Estado de Derecho, la Democracia y la presunción de inocencia. Si hablamos de pisotear derechos, los míos ya no los encuentro debajo de tanto zapato.

Todo esto no sería tan grave si los partidos dirigentes de este país, a pesar de las manifestaciones en contra y las reacciones de parte del sector, no hubiesen pactado aprobar la ley. Resulta curioso, por otra parte, ver como un gobierno de pretendida izquierda actúa como un censor de extrema derecha. Una vez más, el Gobierno español escucha al pueblo llano para hacerle el caso habitual. Pero no es de extrañar: Sois todos unos piratas que intentáis acabar con la poca cultura que queda en nuestro maltrecho país. Nuestros gobernantes, una vez más, velan por preservar nuestra paupérrima cultura. Es que no los entendéis...

En honor a todos los pobres actores y actrices que, por piratas como tu y como yo, esta noche tendrán que asistir en cueros a la gala de los Goya (esa patética imitación de los Oscar a la española), he decidido colgar aquí un texto del periodista y escritor (ergo artista/creador) Juan Gómez-Jurado respecto al tema. Lo considero de obligada lectura, pues creo que sin ofender a nadie, expone una realidad de manera certera, educada y clara.

"Soy creador. Escribo novelas, y este –junto al periodismo- es mi único modo de vida. Mis dedos presionan medio millón de veces las teclas de este Mac, y como resultado se produce un archivo de texto que, una vez editado y corregido, se convierte en un libro que se traduce a decenas de idiomas. Mi familia y la hipoteca de mi casa dependen de mis derechos de autor. Según muchos medios de comunicación, y según muchos talibanes del todo gratis, eso me alinearía instantáneamente en las filas de los que defienden ese horror legislativo, falaz e inútil conocido como Ley Sinde, que se va a aprobar contra la voluntad de cientos de miles de ciudadanos.

Eso es mentira, y gorda. Es una más de las que llevan apareciendo en los medios durante años, especialmente durante los últimos meses. Dicen que los españoles son piratas, que va en nuestra idiosincrasia, esa famosa picaresca tan tópica y desacertada como pintarnos a todos con el traje de luces y la paellera debajo del brazo.

Para empezar, es falso que España sea el país más pirata del mundo. De hecho en software, por ejemplo, ocupamos el puesto 79, según una encuesta de la BSA, y en cuanto al resto, los estudios de la International Intellectual Property Alliance achacan un nivel de “piratería” del 20%. ¿Cómo se conjuga eso con que haya que pagar el canon en el 100% de los casos?

Tampoco es real que la piratería esté matando el cine, cuya recaudación ha crecido a buen ritmo en los últimos diez años, al igual que el resto de contenidos. También es falso que yo tenga derecho a vivir de mi obra. Lo que tengo derecho es a intentarlo.

Sí, es cierto que las nuevas tecnologías hacen desaparecer el modelo de negocio basado en soportes físicos cerrados, lo cual es normal -también desaparecieron los fabricantes de carretas cuando Karl Benz inventó el automóvil-. No, no es cierto que las páginas de descargas tengan la culpa. ¿Acaso no es patente la incoherencia que existe por parte de la industria entre acusar a las páginas de descargas de “forrarse” y no intentar hacer lo mismo?

No defiendo las páginas de descargas, pues aunque sean legales no es justo que haya quien se aproveche del trabajo ajeno. Pero no son ellas la causa de todos los males, ni mucho menos quienes las usan ladrones y proxenetas, tal y como les llaman algunos -exiliados en Miami por causas fiscales-. Por cierto, para ellos el recordatorio de que para exigir al gobierno habría que empezar por pagar impuestos aquí como hacemos los demás.

El mayor problema que existe en el mercado en español es la ausencia de flexibilidad, de ganas de crecer y de adaptarse. En una palabra, y tal como Amador Fdez-Savater percibió en su cena con la ministra, sobreabundancia de miedo. Miedo a perder el status quo, la cadena alimenticia ante un cambio de paradigma. Y sin embargo tenemos ejemplos a nuestro alrededor de que si damos un paso adelante ocurrirá justo lo contrario.

Miremos a Estados Unidos, donde se han creado tres modelos de negocio impecables y de éxito abrumador. Kindle, iTunes y Netflix. El primero es una librería virtual que vende 775.000 títulos con precios en torno a los 7 euros para las novedades, mucho más baratos e incluso gratis para los libros de fondo de catálogo. Los libros se descargan en 30” con un solo clic en el propio dispositivo, que incluye 3G gratis. El segundo –único que opera en España- es, desde hace diez años, la referencia indiscutible en la música, habiendo vendido más de 10 mil millones de canciones. Y el tercero es un videoclub virtual con tarifa plana por 6 euros al mes. Para muestra de su éxito, baste decir que los mandos a distancia de los televisores que se venden en EEUU llevan desde 2011 un botón para acceder a Netflix de serie.

¿Qué tienen en común estos servicios? Lo más importante de todo es su sencillez. Una vez registrado en el servicio, no hay que hacer nada más. Los cobros se realizan por tarjeta de crédito, con total comodidad. Las descargas son instantáneas, y la calidad está garantizada. Las películas se ven en streaming, y están siempre disponibles. Los libros están editados por casas de primer nivel. La música no lleva protección anti copia, o DRM.

A esto hay asociado un factor precio, muy importante. Conscientes de que en la era digital la competencia es mucho más dura, los norteamericanos han buscado a la perfección el “sweet spot”, ese lugar donde interseccionan las ganas del consumidor de poseer algo rápido cuanto antes sin molestarse en buscarlo por Internet y obtenerlo con mala calidad, y la resistencia a soltar la pasta. En otras palabras, un precio justo. O sea, lo opuesto a lo que plataformas como Libranda –cuyo único objetivo, como señala Juan José Millás, parece ser no vender libros- están haciendo.

De nuevo, el miedo. DRM y precios altos. Que mis distribuidores no se enfaden. Que mi cuenta de resultados no se resienta. Que la gente haga lo que yo digo porque cierro los ojos muy fuerte y lo deseo mucho. Y si los consumidores tienen otras ideas… Que el gobierno proteja mis derechos inalienables, contra viento y marea.

En lugar de crear modelos de negocio funcionales, nos dedicamos a blindar el status quo con leyes absurdas, e insultar a nuestros mejores clientes. Llamarles piratas, sinvergüenzas y ladrones. ¿Quién creen ustedes que invierte 200 euros en un lector de ebooks, alguien que no lee? Al contrario, alguien que gasta tanto al año en libros que sabe que le acabará compensando la inversión. Y si no es capaz de encontrar contenidos interesantes de pago, los conseguirá por otras vías, con lo que de no conquistar a esta persona habremos perdido de un plumazo a un consumidor clave. Lo mismo sucede con los aficionados al cine y a la música, que llevan años haciéndolo así.

El mayor reto que tiene que superar la industria cultural en nuestro país es vencer el miedo y comprender que los piratas no existen. Tan sólo personas que quieren consumir cultura y que por desgracia hoy en día no encuentran alternativas razonables. Y a lo gratis sólo puede ganarle lo sencillo. Desde luego no leyes mordaza, retrógradas, que sirven tan sólo a los intereses de unos pocos.

Por último, una reflexión como creador. Nadie llega a crear nada que merezca la pena sin haberse empapado de los que soñaron antes que él. Alejandro Sanz, en ese barrio obrero de Moratalaz que nos vio nacer a Penélope Cruz, a él y a mí, tuvo que copiarse muchas casetes en su adolescencia, igual que yo me sentaba en un rincón en la FNAC de Callao los sábados por la mañana y leía por la cara decenas de novelas que me han ayudado a ser el escritor que soy. Vivimos el advenimiento de un cambio de modelo que está dando como resultado la era más luminosa de la humanidad, y ahora mismo hay centenares de adolescentes en nuestras calles que llevan dentro de si el potencial para ser los cantantes, los escritores y directores del mañana. Ellos también están descargando. No paréis nunca de hacerlo, ni de soñar. Y a quienes soñamos primero, os digo: dejad de tener miedo y abrazad el futuro de una vez por todas.

5 propuestas para el crecimiento digital

1.-Creadores, abrid los ojos. Aprendamos nuestros derechos y las opciones disponibles para monetizar nuestro esfuerzo, que no son siempre las tradicionales. Internet es, ante todo, nuestro mayor portal de exposición, y el mayor mercado del mundo. Y aquellos que navegan por él no son ladrones, sino personas como nosotros, tan dignas como nosotros aunque su trabajo brille menos que el nuestro.

2.-Ejecutivos de la industria, estudiad los modelos que funcionan. No infravaloréis a vuestro público. No deis cosas por supuestas. La España de pandereta ya no existe. Vuestra nueva audiencia es el ciudadano digital, y este no tiene el toro encima de la tele, entre otras cosas por que es extraplana, ya no cabe. Buscad economías de escala, mejor vender cien mil copias a un euro que mil copias a diez. Y por encima de todo, no compliquéis las cosas intentando que no copien. Lo harán igual, pero si es difícil lo que no harán será comprar.

3.-Consumidores, tened presente que copiar no es robar, pero también que hay alguien detrás de los productos que nos hacen felices. Hay un escritor detrás de los libros, y todo un elenco detrás de una película. Si es posible y hay una alternativa sencilla a un precio razonable, cómprala. Mientras lo permita tu economía, opta por lo original. Y por favor, no digas que una película o un libro son caros para luego bajar al bar y tomarte tres mojitos a 5 euros cada uno.

4.-Políticos, cread programas para ayudar a los autores a monetizar sus contenidos. Incentivad la creación de modelos de negocio novedosos. Luchad contra el IVA del 18% en las descargas, contra leyes como el precio único. Reformad la ley de la Propiedad Intelectual desde cero. Abolid el canon digital.

5.-Para todos, no insultemos. Intentemos ponernos en el lugar del otro, pues en la actual tesitura todos tienen parte de razón. Y sobre todo, escuchemos, debatamos y reflexionemos. Que no nos cuelen más mentiras y gordas.

Juan Gómez-Jurado (Madrid, 1977) es periodista y escritor. Pasó por las redacciones de Canal +, ABC, Cadena SER y la Cadena Cope. El éxito internacional de sus novelas (Espía de Dios, Contrato con Dios y El Emblema del Traidor), traducidas a más de cuarenta idiomas, le han llevado a centrarse en su carrera como narrador. Hollywood prepara ya la adaptación de su segunda novela." (Fuente: Alt1040)

Escuchando: Golpes Bajos - No Mires a los Ojos de la Gente

La Trampa del Mal

2011-02-09T23:58:00.003+01:00

La Trampa del Mal (Devil)

Fecha de estreno: 4 febrero 2011
Dirigida por: John Erick Dowdle
Con Chris Messina, Logan Marshall-Green, Jenny O'Hara, más
Título original: Devil
Película no recomendada a menores de 16 años.
Largometraje EE.UU. . Género: Terror , Fantasía , Suspense
Duración: 01h20min Año de producción: 2010
Distribuidora: Universal Pictures International Spain

Basada en una historia de M. Night Shyamalan. Un día cualquiera, cinco personas, que no se conocen, se quedan atrapadas en un ascensor de un gran edificio de oficinas. Muy pronto comienzan a suceder cosas extrañas y, poco a poco, se dan cuenta de que uno de ellos no es quien dice ser: es el mismísimo Satanás. (Fuente: Sensacine)

Es triste decirlo, pero quizás lo que más me gustó de toda la película fueron los títulos de crédito iniciales, en las que estos aparecían sobre unas vistas aéreas del skyline de Pittsburgh invertido horizotalmente. Realmente originales. Desgraciadamente, para mi, es lo más destacable. No es que sea una película de suspenso, pero aprueba por los pelos siendo generoso.

Cinco personas en un ascensor y una de ellas es el diablo, quien irá eliminando uno a uno a todos los ocupantes del ascensor averiado. Los 15 primeros minutos son una presentación de los personajes que van a compartir habitáculo y una ver terminados, todo aquel aficionado al terror y/o suspense, ya tiene correctamente identificado al personaje que hará las veces de Lucifer. Ese es para un servidor el mayor de los fallos de la película.

Desde el exterior, los ocupantes del ascensor son vigilados en todo momento por el equipo de seguridad del edificio y un policía bastante poco espabilado que irán viendo como el ascensor se va quedando si inquilinos a la velocidad del rayo. Algo que tampoco no me gustó, aunque entiendo que debe ser así para "preservar la identidad del asesino" y mantener la poca intriga con la que se juega, es que los asesinatos se producen a oscuras. Me quiso recordar vagamente a la brillante obra de Agatha Christie, Diez Negritos, pero sin un ápice del suspense de aquella. Se apaga la luz, se oyen gritos, ruidos y demás y al encenderse de nuevo alguien ha recibido un recado del diablo. Sólo falta Gila diciendo lo de "alguien ha matado a alguien....".

Ninguno de los personajes llegó a despertarme la más mínima emoción. No sentí ningún tipo de empatía por uno solo de ellos y reconozco que hubo momentos en que desee que el maldito ascensor cayera a plomo y terminase la historia de una vez por todas.

Mención aparte merece el final. Aunque no lo destriparé, debo decir que hacía tanto tiempo que no veía una conclusión tan "ala chicos, vamos a ir terminando que hay que ir a cenar". Torpe, rápida y "porque si", algo que en mi opinión, sirve como colofón a un guión lleno de incongruencias.

Todo esto es una opinión personal, pues habrá fans de Shyamalan que pensarán que es una gran historia e incluso encontrarán moralejas inteligentes dentro del guión. Yo no las he visto, aunque he de reconocer que la película entretiene lo justo para pasar el rato si no tienes ningún tipo de expectativa.

En definitiva: Si no tienes nada más que hacer, no es una mala opción para pasar el rato, pero no busques un peliculón. Eso si, es infinitamente mejor que cualquiera de las últimas incursiones en el cine del "genio" hindú.

Mi nota: Aprobado raspado.

Lo mejor: El planteamiento inicial.

Lo peor: Que los personajes te importen lo mismo que a mi (nada).

La escena: Los créditos iniciales.

Contenido: Terror: 1; Violencia: 2; Suspense: 2

Escuchando: Johnny Cash - The Man Comes Around

Estrenos de la Semana. 28 de Enero

2011-01-28T11:41:00.000+01:00

En esta seman, en la que el crudo frio del invierno y las lluvias son las protagonistas, la cartelera nos trata de calentar un poco el ánimo con sus estrenos, que aunque no son para tirar cohetes, podremos rascar algo. Aunque siempre cabe la posibilidad de que salgamos escaldados y aún con más frio que si nos hubiésemos quedado echando una siesta al raso. Veámos que podemos hacer con las películas de la semana así que abrocharos los cinturones porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

Red. Hace un tiempo, que precozmente tito Azid nos mostró el trailer de esta cinta. Por fin llega a las carteleras la adaptación para la gran pantalla que el director de Plan de vuelo desaparecida, Robert Schwentke, hace del comic del mismo nombre. Una buena ración de acción y comedia es lo que promete esta cinta en la que los nombres de peso es lo que abunda. A juzgar por el trailer creo que es ese elenco de actores y sus buenas interpretaciones la que salvan a la cinta. Pues no ha duda que la pandilla formada por Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman y Helen Mirren son unos pesos de lo más pesados. Así que si lo que buscáis es un poco de adrenalina para calentar motores esta es sin duda la mejor opción de la semana. VER TRAILER Y FICHA

La herencia Valdemar II: La sombra prohibida. Jose Luis Alemán, que ya debutara en el largo el pasado año con la primera entrega de esta saga, estrena esta semana la segunda. Y no es que durante este año haya estado rodándola, pues el rodaje integro se llevó a cabo de un tirón, más bien es que por su estructura y duración se concibió para ser estrenada en dos partes. Si bien es cierto la primera parte obtuvo no muy buenos resultados tanto de crítica como de taquilla, y los ánimos se vieron encontrados. Teniendo en cuenta lo ambicioso del proyecto, una producción de más de 25 millones de euros autofinanciados por la productora creada por el propio director. Personalmente, la primera parte no me disgustó, me pareció bastante correcta la ambientación tanto de la época actual como la victoriana, así como las interpretaciones de los actores principales. Y el aroma de Edgar Allan Poe y Lovecraft estaba presente en la narración. Con todo ello y el final abierto no me quedaron más que ganas por conocer el desenlace, así que aunque solo sea por eso, ya tengo ganas de echarla un viztazo. VER TRAILER Y FICHA.

Mil cretinos. Tras adaptar a Quim Monzó en El porque de las cosas, Ventura Pons retoma al escritor en esta adaptación homónima del libro de relatos del mencionado literato. Quince historias se entrelazan para hablarnos del dolor, la vejez, la muerte, el amor y sobretodo de la gran estupidez humana. El reparto cuenta con Santi Millán, Eduard Soto, Julieta Serrano o Joel Joan entre otros. Particularmente soy una incondicional del director, al que le encuentro una mirada muy particular y personal y ese sello propio que imprime en sus trabajos son de mi interés. Hasta la fecha ha realizado trabajos dignos de no olvidar, como la ya citada El porque de las cosas, Caricias o Forasteros, y siempre es una suerte encontrarnos ante una cinta suya. Para todos los incondicionales del autor. VER TRAILER Y FICHA.

¿Cómo sabes si....?. James L. Brooks, director de cintas como Spanglish o Mejor...Imposible, reúne en esta cinta a Reese Witherspoon, Owen Wilson, Paul Rudd y Jack Nicholson para contarnos en clave de comedia cómo la vida sentimental de una atleta se convierte en una aventura. Las pocas críticas que he podido leer sobre ella no la dejan en muy buen lugar y aluden a la falta de química entre los actores y al poco ahondamiento en los personajes para su naufragio. Ya sabéis que no soy muy amiga de las comedias fáciles, como mucho las doy una oportunidad una tarde lluviosa y tonta de domingo, como seguramente haré con esta cuando llegue al DVD, pues como decían en un spot publicitario....No hay prisa. Pero si lo que queréis es pasar un rato distendido podéis probar, después no digáis que no os avisé. VER TRAILER Y FICHA

Thérèse. No es muy habitual que una película rodada hace 25 años llegue a las carteleras como estreno, pero eso es lo que ha ocurrido con esta cinta que ya se estrenó en 1986. Considerada como una de las obras maestras del dierctor galo Alain Cavalier, narra a modo de biopic la vida de Thérèse Martin, una joven de familia burguesa que ingresa en un convento de clausura, consagrándose a la vida espiritual, al sufrimiento por su tuberculosis y al amor a Dios. Hecho que hicieron que se la beatificara conociéndola posteriormente como Santa Teresa del niño Jesús. La cinta está basada en el diario titulado Historia de un alma, que la joven escribió durante su vida. Aunque uno no sea muy hagiográfico solamente por comprobar si es cierto lo que dicen sobre la cinta merece que se la de una oportunidad. VER TRAILER Y FICHA.

Miel. Desde Turquía y de la mano del director Semih Kaplanoglu nos llega el cierre de la trilogía concebida por el autor. Aunque esta última es la unica que ha visto el estreno en nuestro país, cincunstancia no poco habitual con cintas de esta índole. Supongo que el hecho de haber sido seleccionada por su país para la carrera a los Oscar y haber ganado en el pasado festival de Berlin el oso de oro haya ayudado para que podamos verla en algunas salas de nuestros cines. La trilogía de Yusuf, como así la ha bautizado el director se compone de las cintas Huevo, Leche y esta que nos ocupa, Miel. En ellas hace una especie de autobiografía sobre un poeta, en la que recorre sus edades, en la primera nos presenta a un hombre de unos 35 años, en la segunda a un joven de 19 y en ésta última a un niño de 6 años que acompaña a su padre a recoger miel al bosque premisa que le sirve para relatarnos el recorrido por la propia búsqueda personal del personaje. Una película poco comercial y poética de las que tanto me gustan, si queréis descubrir sabores nuevos esta es vuestra elección. VER TRAILER Y FICHA.

Jose y Pilar. Este documental nos narra la faceta más íntima y menos conocida del recientemente desaparecido escritor y Premio Nobel de Literatura José Saramago, a partir de del proceso creativo de su obra El viaje del elefante. A través de las imágenes y las intervenciones de rostros conocidos como el actor Gael García Bernal o Fernando Meirelles, iremos conociendo la historia de amor entre el escritor portugués y la periodista española Pilar del Río, sus pensamientos y cómo intentaron mejorar este mundo en el que vivimos. Una oportunidad para conocer mejor y acercarnos a la persona de este escritor. VER TRAILER Y FICHA.

788 La chanson de Roland. Por todos es conocida La canción de Rolando, uno de los cantares de gesta más famosos de la época medieval y más analizado por los historiadores. En el se narra la batalla de Roncesvalles, aunque aún hoy no se sabe a ciencia cierta si todo lo que en el se cuenta es realmente verdad o una sobredimensión de los hechos ocurridos. Este documental se articula en torno a los cuatro pilares fundamentales, la recreación histórica de los hechos sucedidos al ejército de Carlomagno, los estudios arqueológicos, los descubrimientos del propio director Olivier van der Zee y los testimonios de expertos en la materia. Toda una lección de historia medieval que llega a nuestras carteleras. VER TRAILER Y FICHA.

La próxima semana la cartelera promete movimiento, por un lado Daniel Sánchez Arévalo nos traerá sus Primos, y por otro también nos llegará The fighter una de las favoritas en la carrera de los Oscar, con Mark Wahlberg y Christian Bale. Mientras tanto aprovechemos lo que nos brinda la semana, y ya sabési abrigaros aún que hace frio, ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: Atomic - Sleeper

Estrenos de la Semana 21 Enero

2011-01-21T20:45:00.002+01:00

Monsters. Hace unos meses que pude verla en versión original y la verdad es que no me disgustó en absoluto, aunque tuve la sensación de estar viendo District 9, pero con mucho más contenido y menos fuegos artificiales (lo cual es de agradecer). Ya os hablé un poco de ella por aqui.

Gareth Edwards, director de esta curiosa historia, era un especialista en efectos especiales que un buen día se cansó y decidió coger el toro por los cuernos y sentarse en la silla de la dirección. Según sus propias palabras, la práctica totalidad de los efectos especiales de la película los realizó él mismo con la única ayuda de su ordenador portátil. Vista la calidad de los mismos dudo de la credibilidad de sus palabras (a no ser que tenga un portatil hecho con kriptonita y millones de terabytes). La historia es buena, los efectos bastante aparentes, aunque escasos y los actores cumplen bien su cometido, pero como siempre hay un pero. El trailer más que ayudar la hunde, pues puede generar falsas/erróneas expectativas entre el sector palomitero. Estamos ante una relación entre dos personas, bañada de crítica social y con tintes de ciencia ficción. Que nadie busque acción sin límites, mostruos (que los hay) a todas horas y palomitas sin control. A mi me gustó bastante, pero reconozco que hay pasajes de los que ya casi ni me acuerdo 4 meses después. (Ver Ficha y Trailer).

Carne de Neón. Uno de los primeros cortometrajes que aparecieron por aquí, nuestro pequeño trocito de ciberespacio, fué Carne de Neón de Paco Cabezas. En él gente de la talla de Oscar Jaenada, Victoria Abril,... evolucionaban al más puro estilo de Snacth (montaje frenético incluído). Ahora, unos años después, Paco Cabezas ha decidido revisar la historia y convertirla en un largometraje. Los actores han cambiado, pero la estética del trailer me sigue recondando a la obra de Guy Ritchie. La gente que la vió en Sitges habla maravillas de ella. Dicen que es una gamberrada monumental y como tal habrá que tomársela. Mi atención ha sido captada... (Ver Ficha y Trailer).

Blog. Me parece curiosa esta historia basada en las vivencias de un grupo de adolescentes mostrada por medio de sus conversaciones ante una webcam. No me suena haber visto nada así antes, por lo que la tildaré de original. Las actrices no son profesionales y se ha publicitado que las "webcam espía" se pusieron a modo de experimento sociológico y que las chicas fueran grabadas tal cual, sin condicionantes. Esto último no acabo de creermelo del todo, pero como "gancho" está bastante bien trabajado. Me parece curiosa... Sin más. (Ver Ficha y Trailer).

El Demonio Bajo la Piel. Dicen que lo mejor de esta película es el reparto, pues el resto, por lo que dicen, no pasa de mediocre. Winterbottom parece haber desaprovechado la gran historia que le brindaba la novela en la que se basa esta película (The Killer Inside Me de Jim Thompson). La tensión y el suspense de la novela no se mantienen a lo largo del metraje, provocando situaciones bastante absurdas a tenor de las críticas leídas. Adoro a Casey Affleck (al contrario que a su hermano) y revisar a la sexy Kate Hudson sería otro punto para ver la película (tengo el dvd de Casi Famosos a punto de pedir clemencia), pero esperaré a verla tranquilamente en casa. (Ver Ficha y Trailer).

Más Allá de la Vida. Dicen que hasta lso genios tienen un mal día y en este caso es lo que afirman de la última película de mi adorado Clint "notemuerasnunca" Eastwood. Al parecer, el terreno del thriller sobrenatural no se le da tan bien como el resto de géneros tocados hasta la fecha. A Más Allá de la Vida la acusan de fría, sin espíritu y facilona. Las interpretaciones, dicen, son simplemente correctas y las tres historias que se entrecruzan en la película no acaban de tocar la fibra sensible de la manera que Eastwood nos tiene acostumbrados. No voy con muchas pretensiones, pero amigos, Eastwood siempre será Eastwood y esta no me la pierdo. (Ver Ficha y Trailer).

De todo y para todos los gustos, aunque no hay nada que me emocione especialmente esta semana. No acabo de encontrar nada que me motive en la gran pantalla de un tiempo a esta parte. Dejaremos correr el minutero a ver si cae algo mejor la semana que viene.

Escuchando: Duck Sauce - Barbra Streisand

Nuevo Teaser de Game of Thrones

2011-01-18T08:30:00.004+01:00

No se si la serie estará a la altura del libro, aunque empiezo a mostrarme bastante positivo al respecto. Lo que si se es que la HBO está invirtiendo dólares a paletadas y eso se nota en el cuidado diseño de producción que muestran los vídeos vistos hasta ahora. Este nuevo vídeo no muestra imágenes de la serie, pero presenta a los personajes principales sentados en el (para los fans) famoso trono de espadas que todos queríamos ver. Seguiremos esperando hasta Abril para comprobar qué frío es el invierno en la HBO.

Os dejo con un trailer muy shakesperiano, remitiendome a las siempre acertadas palabras de Mr.Felt, quien me hizo llegar el enlace.

Escuchando: Clint Mansell - Lux Aeterna

Estrenos de la Semana. 14 de Enero

2011-01-14T09:00:00.000+01:00

Se acabaron las fiestas navideñas, aunque aún queden por ahi algunos rescoldos resacosos, y ya hemos comenzado un nuevo mes y un nuevo año. 365 nuevos días para llenarlos de mucho y cine y de todo lo que demás queramos. En cuanto a la cartelera el año ha comenzado poco caldeado, alguna cinta esperada como la estrenada la pasada semana, También la lluvia, pero muchas otras por llegar. Esta semana que nos ocupa, desde mi punto de vista poco movimiento y ninguna película por la que decantarme fervientemente, pero vamos a ver que hacemos con todos los estrenos que tenemos, abrocharos los cinturones porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

Amor y otras drogas. Edward Zwick director de la acalamada Diamante de sangre vuelve a reunir a Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway que ya formaron pareja anteriormente en Brokeback mountain, en esta cinta romántica con pastillas azules de por medio. El director adapta la novela autobiográfica de Jamie Reidy, Hard sell: the evolution of viagra salesman. Y aunque la historia está cargada de dramatismo por verse involucrado el tema de las enfermedades degenerativas, la crítica no ha tardado en tildarla deser una comedia romática sumamente artificial y empalagosa y no saber encontrar el justo equilibrio entre romáticismo y drama. La polémica y el morbo por volver a ver juntos a los dos actores está servida, ahora somos los espectadores los encargados de juzgarla. Por mi parte creo que puede ser una cinta nada más que correcta para pasar una tarde distendida, pero ni mucho menos con la calidad de anteriores trabajos del director, como la anteriormente mencionada Diamante de sangre o la emotiva Leyendas de pasión. VER FICHA Y TRAILER.

Animal kingdom. Premiada por el jurado en el pasado Festival de Sundance, David Michod debuta con esta historia sobre el crimen, de cómo un joven que es la oveja blanca de una familia de criminales se inicia en ese mundo de delincuencia y crimenes. Parece ser que la cinta sorprende más por su agresividad implícita que por sus imagenes de considerada brutalidad. Es una narración bastante seca en la que no varía el tono argumental. Pero sin duda estamos ante una buena cinta debutante que nos puede hacer una idea de lo que este director puede ser capaz de hacer, una película con reminiscencias de Scorsesse que nos puede recorcar a aquella joya del pasado año, El profeta. Si vuestro estómago está hecho a prueba de bombas esta es vuestra película, una de las cintas indies más esperadas de la temporada. VER FICHA Y TRAILER.

De dioses y hombres. La crítica la avala, y su paso por los diferentes festivales la han sido propicios, de Cannes regresó con el gran premio del Jurado y es la candidata por Francia para representarla en los Oscar, una clara competencia para la cinta española También la lluvia en su carrera por la estatuilla dorada. Tiene todas las papeletas para ser una de las cintas más comentadas en estos días, pues ya es sabido que estas historias reales enganchan. De dioses y hombres narra la lucha de un grupo de monjes cistercienses en el Maghreb, que conviven en plena armonía con la población musulmana del lugar hasta que un día un grupo terrorista les obliga a marcharse del lugar. La historia real de ese grupo de ocho monjes del Tibhirine que fuwe secuestrado en 1993 por el grupo terrorista islámico GIA. Aunque la cinta está basada en estos hechos ha querido mostrar más el espiritu de los hechos que la recreación exacta, la lucha y la resistencia narrados ocn un ritmo pausado tan del gusto europeo. Si estáis interesados en los sucesos de la sinrazón y no hacéis ascos a los cantos gregorianos esta en vuestra película. VER FICHA Y TRAILER.

La daga de Rasputin. Hace ya nueve años que Jesús Bonilla se estrenó en esto de dirigir con El oro de Moscú, ahora vuelve a reunir a casi todo el elenco de aquella para traernos una nueva entrega de estos cazatesoros castizos y cañís empeñados en salir de pobres. En esta ocasión el obejtivo es hacerse con la famosa daga de Rasputín forjada en el antiguo Egipto y que da poder casi absoluto a quien la posea. Si vistéis El oro de Moscú y conociendo un poco el trabajo de Jesús Bonilla y Antonio Resines os podéis hacer una idea de la clase de la cinta ante la que nos encontramos. Una comedia sin ningún ánimo de pretensión, simplemente el hacer pasar un rato de risas y entretenimiento. VER FICHA Y TRAILER.

La danza. El documentalista Frederick Wiseman se adentra en el mundo de la danza de la mano del ballet de la Opera de París. Uno de los más importantes del mundo con más de 400 años de historia. Nos lleva de la mano a través de sus integrantes por el camino de la belleza y la perfección con la que ejecutan sus movimientos y actuaciones y ahonda en las relaciones que se entablan entre los bailarines y sus profesores. Un documental para todos aquellos amantes de la danza clásica. VER FICHA Y TRAILER.

The green hornet. Tras idas y venidas de mano en mano de la adaptación de la serie radiofónica de El avispón verde, finalmente han sido Seth Rogen al guión y Michel Gondry a la dirección quienes se han encargado de dar vida en la pantalla a este superhéroe tan peculiar. Los que hemos seguido la estela de la obra de Gondry nos soprende que cambie de registro para dirigir por encargo esta historia de superhéroes protagonizada por Seth Rogen, el polifacético cómico. Aunque supongo que habrá dado su toque personal a esta cinta de acción, a la que ya hechó el ojo hace unos quince años. Si lo vuestro son los superhéroes esta es vuestra película. VER FICHA Y TRAILER.

Twelve. Joel Schumacher que ha firmado cintas como Última llamada o El número 23 pero también títulos como St. Elmos, punto de encuentro y Jóvenes ocultos, parece retornar a ese cine con apariencia más juvenil de adolescentes e institutos con esta nueva cinta. Basada en el diario que en el año 2002 escribió Nick Mcdonell con tan solo17 años acerca del menudeo de drogas en su instituto. En Twelve, el dierctor nos sitúa en Spring Break y en cómo un joven modélico se convierte en traficante. A priori parece que estamos ante una cinta con todos los clichés de las películas cobre adolescentes, esperemos que el director haya buceado algo más y no se quede en aguas de borrajas. VER FICHA Y TRAILER.

La próxima semana nos llegará lo nuevo de Tito Eastwood, Más allá de la vida y la tan esperada Carne de neón de Paco Cabezas. Pero por el momento nos tendremos que conformar con lo que tenemos en cartel, algún que otro estreno al que no perder la pista y con suerte algun reestreno que se nos escapó en su día. Así que ya sabéis ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: Me das pena - Poncho K

También La Lluvia. Retrato de un Alma Acuoso

2011-01-11T12:17:00.000+01:00

Con la buena carta de presentación, como ser candidata por España a representarnos en los Oscar, si es que por fin la Academia de Hollywood la elige, se ha estrenado el último trabajo de la actriz y directora Iciar Bollaín. Su carrera siempre ha estado marcada por una clara mirada hacia el compromiso y la denuncia social, y como no podía ser menos También la lluvia lleva una buena ración de estas cualidades.

También la lluvia se reúne de un nutrido grupo de estupendos actores para con la excusa de mostrarnos las peripecias de un rodaje sobre Cristóbal Colón en medio de Cochabamba, entrelazarnos el suceso real que dicha localidad boliviana sufrió en el año 2000, la problemática de la privatización del agua. Pero afortunadamente, no cae en la demagogia barata ni en sentimentalismos de medio pelo. Nos muestra unos personajes y personalidades muy definidas con sus consecuentes evoluciones y unas realidades sociales que están ahí. Puede que el hábil guión de Paul Laverty, recordemos que es habitual de Ken Loach y en estas lides está más que curtido, y la diligencia de la mano directora, manos que se unen fielmente tanto dentro como fuera de los platós, haya sido la fórmula secreta para firmar una película redonda en su más amplio sentido.

Y aunque el guión y la dirección sean dos de las bazas más importantes en la película, nada de esto resultaría creíble sin un equipo actoral a la altura, y en este apartado no han podido estar mejor rodeados. Luis Tosar, del que me sigo reafirmando, papel tras papel, en que estamos ante un grande de la escena, al que nada se le pone por delante y tanto borda, hablando en plata, al mayor cabrón, como al más pusilánime; encarna a Costa, un productor implacable al que lo único que le importa son los resultados y que las cuentas salgan claras. Gael García Bernal, que con su siempre aspecto de desvalido nos retrata a las mil maravillas a ese director entusiasta e idealista. Un Karra Elejalde en estado de gracia que una vez más nos demuestra de todo lo que es capaz, dando vida a ese actor de vuelta de todo y amigo de la botella pero con una gran lucidez. No menos notable es la participación del actor boliviano Carlos Aduviri quien da vida al líder indígena Hatuey y paralelamente encabeza la lucha de la guerra del agua. Es notable la perfilación de todos los personajes, que solamente con sus actos y palabras nos encuadran a la perfección en lo que cada uno de ellos representan dentro de la cinta así como su evolución a través del metraje, cómo se moldean las personalidades, los actos y las motivaciones derivadas de los acontecimientos que surgen a su alrededor.

La trama de la película abre diferentes bandos a tratar, por un lado la trama central que podría ser el rodaje que llevan a cabo en Cochabamba, una cinta sobre Cristóbal Colón y la conquista de América, en la que el director quiere dar una visión más sobre la personalidad del marino. Las motivaciones de todo el equipo de rodaje y de cómo se enfrentan a el, pero dentro de la propia película a rodar encontramos otras subtramas, como es la posición del colonialismo y todo lo que ello conlleva. Y rodeándolo todo la recreación del suceso real de la guerra del agua en la que tanto el equipo de rodaje indígena como el extranjero deberán tomar parte. Con estos temas tan peliagudos en los que es inevitable que se vea involucrado el dolor humano, no sería difícil caer en la demagogia barata, afortunadamente la cinta sale airosa de esta tarea. Pues aunque si que es cierto que algunos personajes evolucionan en sus convicciones, despojándose de su coraza materialista también se nos expone el posicionamiento humano de que el dolor propio duele más que el ajeno, y las propias metas están justificadas. Una postura un tanto maquiavélica que a la postre es la que rige al mundo. Aunque también se de la posibilidad de que el ser humano al que le corre sangre por la venas en vez de horchata al final se vea tocado por el dolor ajeno y se le revuelvan las tripas.

En definitiva unos planteamientos, actuaciones, buen guión y mejor dirección que enmarcados en unos decorados naturales inmejorables hacen de También la lluvia una película redonda y imprescindible dentro del panorama cinematográfico actual, una cinta de personajes basados en una historia inmejorable.

Mi nota: 9/10

Lo mejor: No caer en demagogias

Lo peor: Que alguien no la de una oprtunidad por pensar que es un panfleto más

La escena: El abrazo final entre Costa y Daniel

La frase: Está bien que alguien te necesite

Contenido: Drama: 3, Violencia: 2

Escuchando: Dios de la lluvia - El último de la fila

Nominaciones Goya 2011

2011-01-11T12:00:00.001+01:00

Esta misma mañana de boca de Marta Etura y Jorge Sanz se han sabido cuáles serán los nombres afortunados a formar parte de los candidatos a llevarse un goya este año. Como novedad la gala de este año se ha trasladado al madrileño Teatro Real en su XXV edición, y como segundo año consecutivo será presentada por Andreu Buenafuente el próximo 13 de febrero, una razón de peso para volver a ver la gala este año.

Entre todos los nominados dos películas acaparan gran parte de las categorias, Balada triste de trompeta y También la lluvia, desde luego poca sorpresa y justamente nominadas.Pero sin más dilaciones os dejo con el listado completo:

Mejor Película:

Balada triste de trompeta

También la lluvia

Buried

Pa negre

Mejor director:

Alex de la Iglesia - Balada triste de trompeta
Rodrigo Cortés - Buried
Agustí Villaronga- Pa negre
Iciar Bollaín - También la lluvia

Mejor Actor:

Antonio de la Torre - Balada triste de trompeta
Javier Bardem - Biutiful
Ryan Reynolds - Buried
Luis Tosar - También la lluvia

Mejor Actriz :
Belén Rueda - Los ojos de Julia

Elena Anaya - Habitación en Roma
Emma Suárez - La mosquitera
Nora Navas - Pa negre

Direccion novel:
David Pinillos - Bon appetit
Emilio Aragón - Pájaros de papel
Juana Macías - Planes para mañana
Jonás Trueba - Todas las canciones hablan de mí

Guión adaptado:

Pa negre

Habitación en Roma

3MSC

Elisa K

Guión original:

Balada triste de trompeta

Buried

Biutiful

También la lluvia

Actor revelación:

Juan Carlos Aduviri - También la lluvia
Francesc Colomer - También la lluvia
Manuel Camacho - Entrelobos
Oriol Vila -Todas las canciones hablan de mí

Actriz revelación:
Aura Garrido -Planes para mañana
Carolin Bang - Balada triste de trompeta
Maria Comas - Pa negre
Natasha Yarovenko - Habitación en Roma

Actor de reparto:

Eduard Fernández- Biutiful
Alex Angulo- El gran Vázquez
Sergi López - Pa Negre
Karra Elejalde- También la lluvia

Actriz de reparto:

Pilar López de Ayala - Lope
Terele Pávez - Balada triste de trompeta
Laia Marull - Pa negre
Ana Wagner- Biutiful

Documental:

Bicicleta cuchara manzana

Ciudadano Negrin

Mr. Foster

Maria y yo

Banda Sonora:

Balada triste de trompeta

También la lluvia

Biutiful

Buried

Canción original:

Buried

Habitación en Roma

Lope

Pájaros de papel

Película europea:

El discurso del Rey

El escritor

La cinta blanca

Un profeta

Película extranjera de habla hispana:
El hombre de al lado (Argentina)
La vida de los peces (Chile)
El infierno (México)
Contracorriente (Perú)

Película de animación:

Chico y Rita

El tesoro del rey Midas

La tropa de trapo en el país donde siempre brilla el sol

Las aventuras de Don Quijote

Dirección de producción:

Balada triste de trompeta

Lope

Pa negre

También la lluvia

Fotografía:

Balada triste de trompeta

Biutiful

Buried

Pa negre

Dirección artística:

Balada triste de trompeta

Biutiful

Lope

Pa negre

Diseño de vestuario:

Balada triste de trompeta

Lope

Pa negre

También la lluvia

Maquillaje y peluquería:

Balada triste de trompeta

Lope

Pa negre

También la lluvia

Montaje:

Balada triste de trompeta

Biutiful

Buried

También la lluvia

Sonido:

Balada triste de trompeta

Buried

Pa negre

También la lluvia

Efectos especiales:

Balada triste de trompeta

Buried

Lope

También la lluvia

Mejor cortometraje de ficción:

Adios papá, adios mamá

El orden de las cosas

Una caja de botones

Zumo de limón

Mejor cortometraje de animación:

Exlibris

La bruxa

La torre del tiempo

Vicenta

Mejor cortometraje documental:

El cine libertario: Cuando las películas hacen historia

El pabellón alemán

Memoria de un cine de provincias

Un dios que ya no ampara

Goya Honorífico: Mario Camus

La suerte está echada, ahora solo nos queda esperar algo más de un mes para conocer los resultados, mientras tanto podemos hacer nuestras propias quinielas, a ver cuántas acertamos.

Escuchando: We are the champion - Quenn

Sucker Punch: Alicia Viaja a Matrix

2011-01-04T15:45:00.004+01:00

Zack Snyder, director de culto donde los haya, volverá a sorprender a su, cada día más numerosa, legión de fans con su nueva propuesta: Sucker Punch (algo así como golpe traicionero en el idioma de Cervantes).

Ambientada en los años 50, Sucker Punch gira en torno a una chica (Emily Browning) que es internada por su padrastro en una institución psiquiátrica, donde tienen la intención de practicarle la lobotomía en cinco días. Mientras permanece allí, imagina una realidad alternativa que la aleja de su dramática situación real. En este mundo de fantasía, la joven comienza a preparar su fuga, para lo cual necesitará reunir cinco objetos que la ayudarán a escapar antes de que un hombre malvado la desvirgue.

Dicen que es una mezcla entre Matrix y Alicia en el País de las Maravillas, aunque yo añadiría que guarda bastantes puntos en común con el Laberinto del Fauno.

El primer trailer pone de manifiesto que Zack Snyder no ha renunciado a la estética que ya nos mostrara en 300 y especialmente en Watchmen, cuyo trailer y este guardan bastante similitud a nivel visual y sonoro. Los amantes de las palomitas, la acción, los grandes efectos y las chicas con armas, estamos de enhorabuena.

Al contrario de lo que pudiera parecer por su marcada estética de cómic, Sucker Punch es una historia original que hasta la fecha no ha conocido el mundo de las viñetas. Debido a ello y si no recuerdo mal, es la primera película del director que narra una historia original (mi adorado Amanecer de los Muertos es un remake, aunque de calidad superior al original, de la obra de Romero).

Un servidor ya anda más revolucionado que un niño la noche de reyes, pero no será hasta el aún lejano 25 de Marzo cuando llegue a nuestras pantallas. De momento, la web oficial y el trailer en castellano serán los mejores sustitutos de los ansiolíticos para freaks como yo.

Nada malo puede salir de un trailer con dragones, nazis, chicas guapas armadas hasta los dientes y ¡un samurai gigante con una ametralladora multitubo!

Escuchando: The Subways - Rock ´n Roll Queen

Estrenos de la Semana. 22 de Diciembre

2010-12-22T09:00:00.006+01:00

Debido a las fiestas que ya todos conocéis, los estrenos de esta semana se nos adelantan para estar más que listos para el fin de semana festivo que tenemos por delante. Algún que otro título llamado a los Oscar y cintas navideñas son las películas que nos encontraremos esta semana. Abrocharos los cinturones porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

El discurso del Rey. Tom Hopper, director de Dammed United, de la mano de Colin Firth y Helena Bonham Carter, nos trae un retazo de la vida del rey Jorge VI de Inglaterra. Justamente el momento en el que se tiene que hacer cargo del reinado y su particular afección de tartamudismo le juega una mala pasada a la hora de tener que hablar ante su pueblo. Una cinta que rebosa la elegancia del cine británico con ese regusto de lord inglés. En cuanto a la temática me ha recordado vagamente a Mein Führer aunque la perspectiva es totalmente opuesta, pues en una es una clara sátira hacía Hitler y en esta que nos ocupa es todo lo contrario. Las críticas no dejan de aclamarla y ya se la vislumbra como uno de los pesos pesados de cara a los próximos Oscar, por el momento ha obtenido el premio a la mejor película en el pasado Festival de Toronto, el premio al mejor actor para Colin Firth de mano del Círculo de criticos de Nueva York y siete nominaciones a los Globo de Oro. Así que si no os queréis perder la que puede ser la gran revelación del año ya estáis tardando en acudir a las salas. VER FICHA Y TRAILER.

Bruc. El desafío. Daniel Benmayor, quien debutara con la cinta Paintball, cambia totalmente de registro con su segundo trabajo, Bruc, el desafio, y se adentra en la historia del siglo XIX para narrarnos cómo un joven tamborilero ahuyentó a las tropas napoleónicas de entrar en Barcelona. Ese joven está interpretado por Juan Jose Ballesta que está imparable esta temporada, recordemos que aún tiene en cartel Entrelobos y se le puede ver en la serie de TV Hispania; junto a él un nutrido cast de nombres internacionales como Vincent Pérez y Astrid Berges-Frisbey. Una cinta histórica, cuanto menos, correcta para todos aquellos amantes del género. VER FICHA Y TRAILER.

Ahora los padres son ellos. Tercera entrega de la saga que comenzara con Los padres de ella, en la que vuelven a repetir todo el elenco de actores. En esta ocasión rizan el rizo y el testigo se lo pasan a Ben Stiller y Teri Polo, pues como reza el título, ya han tenido retoños. En mi opinión una absurda manera de estirar un chicle que no da más de si. Pero como de todo tiene que haber en la viña del señor, esta semana tenemos esta comedia para los que no tengan otra cosa mejor que hacer. VER FICHA Y TRAILER.

Los viajes de Gulliver. Llevan varias semanas anunciándola a bombo y platillo como la película de las navidades. Con el gancho del 3D y Jack Black metido en la piel de Gulliver. De todos es conocido el cuento de Los viajes de Gulliver que tantas veces nos habrán contado o habremos leído de niños, esta vez la acción se nos traslada a la época actual en la que un escritor de poca monta se embarca en un viaje del que volverá con otras expectativas. Puede que para un público infantil sea una película aceptable, pero por mi parte la dejo aparcada. VER FICHA Y TRAILER

A casa por Navidad. Desde Noruega nos llega el último trabajo de Bent Hamer, director de Factotum, una comedia agridulce ambientada en estas fechas navideñas. Una trama coral que gira en torno a los habitantes de una pequeña ciudad, personas muy diferentes entre si que nos mostrarás las diferentes caras de la Navidad, aunque siempre abiertos a la esperanza. El guión está basado en el relato Dejad regalos suaves debajo del árbol de Levi Henriksen, que también ha particpado en la escritura del mismo y que logró el premio al mejor guión en el pasado festival de San Sebastián. A pesar de todo ello las críticas no han sido muy halagüeñas con la película a la que han augurado muy poco futuro, más bien lo que duran las navidades. De todos modos, aunque se la vea a la legua de que pie cojea, si queréis una cinta ambientada en estas fechas no puede ser tan mala opción. VER FICHA Y TRAILER.

Tengo algo que deciros. De Italia nos llega esta cinta dirigida por Ferzan Ozpetek quien debutara ya hace unos cuantos años con la bella Haman, el baño turco. Protagonizada por Ricardo Scamarcio, al que descubrí en Romanzo criminale, en clave de comedia dramática vuelve a tratar el tema de la homosexualidad tan recurrente en toda su carrera. Como recurrentes son los premios que no le son ajenos, por el mometo con Tengo algo que deciros ya lleva cosechados el premio especial del jurado en Tribeca y los donatellos a mejor actor y actriz. La comedia italiana siempre ha sido bastante fresca y ligera por lo cual creo que Tengo algo que deciros acometerá este tema con bastante ligereza, y podemos estar ante una buena cinta. De hecho se dice que es la película más fresca del director. Si lo que buscáis es un rato distendido y los lios de la comedia italiana os gustan esta es vuestra película. VER FICHA Y TRAILER.

La semana que viene, a parte de ser la última del año nos traerá The tourist de la que tanto se ha hablado en este tiempo, pero mientras tanto sed prudentes en la carretera, pues en estos días se preveen muchos desplazamientos, pasarlo todo lo bien que podáis en estas fiestas y haced un hueco al buen cine y como siempre sed buenos (si queréis).

Escuchando: Stai lontana da me - Adriano Celentano

Se Acabó Lo Que Se Daba....¡ Felices Fiestas!!!!

2010-12-21T09:00:00.000+01:00

Llegadas estas fechas vemos como se nos escapa el mes, y con ello todos los días del año 2010; culminamos un mes y un año de este primer decenio del siglo XXI. Inconscientemente hacemos balance de todo lo que ha sido este año para nosotros, nos acordamos de los buenos momentos, pero como no también de los malos, que no son más que pequeñas piedras en el camino que nos hacen levantarnos con más fuerza. Repasamos, cinematográficamante todas las películas vistas, y nos hacemos nuestra pequeña lista de imprescindibles a engrosar a nuestra lista de cabecera.

El tiempo se nos escapa de las manos y todos esos buenos propósitos que quisimos cumplir durante este año ya se quedan relegados para los buenos del próximo, pero estamos aquí, con 365 nuevos días por delante. Días que intentaremos llenar de alegría y entusiasmo, de momentos para el recuerdo, de risas y llanto, en definitiva, de Vida con mayúsculas y de mucho cine.

Desde este Rincón, desde el que muy buen amigo e inconmensurable ser humano Azid me brinda la oportunidad de acercarme a todos vosotros, quiero felicitaros estas Fiestas, época de reuniones familiares, de desplazamientos geográficos y hasta anímicos. Unas fechas, que aunque particularmente nunca me han gustado, me recuerdan que estamos sobre la faz de la tierra, y eso sí que es motivo de regozijo. Así que disfrutemos al máximo de todas las citas planeadas, que con tanta ilusión marcamos en nuestra agenda, pues las tardes en buena compañía son impagables y nos hinchan el corazón.

Como viene siendo habitual, esta felicitación la intento engalanar con algún video relacionado a una película navideña, puede que mi lista de imprescindibles relacionada a esta época la haya construido con muy pocos títulos, o a lo mejor es que soy muy exigente y a pocas salvo de la quema, así que si me emplazo a las inevitables de mi lista siempre estarían las mismas: Qué bello es vivir, Los gremlins, La gran familia o El día de la bestia; pero hace unos años incluí una cinta más: Un conte de Noel, una cinta francesa con Catherine Deneuve como protagonista, nos es una película alegre ni de reuniones familiares distendidas, más bien es todo lo contrario, pero nos retrata una realidad sin artificios, así que este año quiero mostraros esta joya aunque en mi cabeza siempre estén las campanitas que nos anuncian que un ángel ha conseguido sus alas.

Espero que paséis unas felices fiestas y a los que vuelven, como yo, a casa por como el turrón, volveros a ver a la vuelta, pues ya dicen que lo importante es volver, así que cuidado por los caminos de asfalto. FELIZ NAVIDAD A TODOS.

Escuchando: Last Christmas - Wham

Balada Triste de Trompeta: Delicatessen a Ritmo de Metralleta

2010-12-20T09:00:00.000+01:00

En lo que llevamos de año, a uno de los estrenos que más ganas le tenía era a la última película de Alex de la Iglesia, uno de mis directores españoles de cabecera. Que tras joyas como El día de la Bestia o La comunidad me ha atrapado para el fin de los tiempos. Con cada obra suya nos sorprende y nos sobrecoge y como no podía ser de otra manera con Balada triste de trompeta ocurre lo mismo.

Tras varios proyectos rondándole por la cabeza como La marca amarilla o Fu Manchú, que por ahora tiene más aparcados que los coches de los tiovivos, por fin se lanzó a la ejecución de Balada triste de trompeta, una historia que le inspiró la canción del mismo nombre cantada por Raphael, aunque él la ha dado forma para hacer su particular homenaje a una época y todo lo que ella conlleva, que le tocó vivir. Unos años llenos de contrastes en los que se mezclaba la intranquilidad social de un país y la inocencia de un niño. Según el director siempre tuvo en su mente el querer contar la historia de un tipo con mente psicótica, y la idea de un payaso le venía ni que pintada, así que mientras trabajaba en la serie Plutón BRB nero, de la cual gran parte de su cast también está incluido en la cinta, fue fraguando la historia de estos dos payasos enamorados. Una cinta a modo de homenaje y de recuerdo de lo que fue su infancia, de aquellos que le hicieron reir en unos años en los que la sangre se mezclaba con los regalices, nos habla en definitiva de ese drama que es vivir y sobrevivir al sufrimiento.

La trama nos acerca a una primera parte en la que la guerra civil está presente, una etapa en la que se fraguarán muchos de los interrogantes y de las decisiones que después veremos plasmadas en la parte que narra ese microcosmos del año 1973. Pero la cinta no arranca solamente ahí, sino que ya lo hace desde los créditos del comienzo, unos títulos de crédito de los mejorcitos que he visto en mucho tiempo, puede que a alguno le recuerden por la forma a los ya vistos en Wachtmen, y sí pueden tener un cierto paralelismo, por aquello de mostrarnos retazos de la historia. Pero estos a los que nos enfrentamos por lo inquietantes de las imágenes y la música de fondo, ya nos sitúan perfectamente en lo que nos vamos a encontrar a continuación.

Fiel a su estilo nos encontramos ante una de las películas más personales del director, puede que al ser el primer guión que emprende totalmente en solitario, pues su gran colaborador Jorge Guerricaechebarria esta vez no está con el, de la Iglesia da rienda suelta a su universo, sin cortes ni publicidad. Nadie como él puede convertir, lo que a priori puede ser una romántica historia de amor, en una historia de violencia a bocajarro.

Puede que no sea una cinta para todos los públicos y a aquellos que no estén acostumbrados al cine de de la Iglesia les choque bastante, pero sin ánimo de equivocarme, creo que estamos ante una de sus mejores películas, no en vano regresó del Festival de Venecia con el premio al mejor guión y director, que por otro lado este año presidia el Festival Quentin Tarantino y al ser uno de los directores más amados por Alex de la Iglesia le llenó de entusiasmo.

Una inteligente mezcla entre drama y comedia que sobrecoge al espectador, te mantiene en tensión todo el metraje sin darte un ápice de descanso, con escenas muy duras cargadas de una violencia sin cortapisas, una tragedia grotesca que roza la comedia negra. Pues de tan aparente inverosimilitud no sabes si reír o llorar. Un viaje frenético que cuando termina estas deseando volver a ver, a disfrutar, a ahondar más en los detalles. Una sabia plasmación de su seña de identidad: la extravagancia y el esperpento. Una trama que pulula por infinidad de cuestiones morales como ese enfrentamiento antagónico entre los protagonistas que atisbaramos en obras del director como Muertos de risa, pero que en esta que nos ocupa roza y llega al límite más atroz. Un saber encuadrar la historia en una época tan política y no ahondar más que lo justo en los vericuetos políticos sin tener que decantarse firmemente por ningún bando. Pues la vida se vive y se sobrevive.

Sin querer desentrañar la trama de la película debo decir que hay escenas memorables, desde el cara a cara entre Santiago Segura y Fernando Guillén Cuervo o la lucha final en las alturas, medio al que recurre tanto el director, esos duelos de alturas que ya hemos visto en cintas como El día de la Bestia o La comunidad. Y si el guión y la dirección no tienen ni un atisbo de error tampoco lo tienen las interpretaciones con un elenco más que digno para esta cinta que en manos de otros actores no podría ser de otra manera, tanto Carlos Areces como Antonio de la Torre nos vuelven a demostrar su savoir faire, pero el largo listado de nombres como Santiago Segura, Sancho Gracia, Manuel Tafallé, Carolina Bang o Gracia Olayo, no están ahí por casualidad. Una magnífica factura tanto en guión, dirección, interpretación y recreación, pues no podemos dejar de lado la estupenda obra en el plano de efectos especiales que nos recrean escenas tan míticas como el atentado de Carrero Blanco.

En definitiva una película que emplazo a ver a todos los seguidores del director y todos aquellos que no tengan miedo a la violencia descarnada que es el sobrevivir. Por cierto, nunca me gustaron los payasos...ahora sé porque.

Mi nota: 9/10

Lo mejor: desde el principio al final

Lo peor: querer volver a verla YA

La frase: Un payaso con un machete...los vas a acojonar

La escena: Javier preparando su disfraz definitivo en una ermita

Contenido: Violencia: 5, Drama: 4, Comedia: 2

Escuchando: Titles - Roque Baños

Estrenos de la Semana. 17 de Diciembre.

2010-12-17T09:00:00.003+01:00

A una semana de las fiestas navideñas, la cartelera parece exprimir al máximo sus recursos para hacer acudir a las salas a los más rezagados. Aunque aún se guarden algún as en la maga para finalizar el mes y el año, esta semana tenemos dos esperados estrenos, por una parte TRON: legacy y la última película del presidente de la Academia, Balada triste de trompeta, esta última mi gran apuesta de la semana. Pero algún título más tenemos en el bául desastre, así que abrocharos los cinturones porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

Historias de la edad de oro. El director rumano Cristian Mungiu, que nos sorprendiera hace tres años con la desgarradora 4 meses, 3 semanas y 2 días; es el artífice principal de esta cinta coral que narra cinco historias basadas en las principales leyendas urbanas más populares de la época del régimen de Ceausescu. Época, que a pesar der unas de la peores de la historía de Rumania fue llamada La edad de oro, de ahi el nombre de la película. Este conjunto de historias prometen una buena ración de comedia, para retratarnos el surrealista día a día de la comunidad rumana durante el régimen comunista. una opción amable para acercarnos al cine de la europa del este. VER FICHA Y TRAILER

Don Mendo Rock ¿La venganza?. El director de Suspiros de España (y Portugal) y Tranvía a la Malvarrosa nos trae una comedia musical con la obra de Muñoz Seca, La venganza de Don Mendo, como telón de fondo, en lo que es su particular homenaje a los maestros de la comedia española como Berlanga o Bardem. Entre el reparto nombres tan ligados a la comedia como Antonio Resines o María Barranco, una embarazadísima Paz Vega que retorna a sus orígenes, la comedia, o Manuel Bandera, en esta comedia con un claro sabor cañí. Por mi parte no soy muy asidua de los musicales, por mucho que este tenga de base el rock, género musical que si es de mi gusto, y tampoco es que las comedias sean mi fuerte, pero para todos aquellos amantes del género están de suerte, pues puede ser la opción más desenfadada de la semana. VER FICHA Y TRAILER.

La montaña mágica. Desde la fría Noruega nos llega la apuesta infantil de la semana, pues que nadie se lleve a engaño por su título, pues no estamos ante una adapatación de la novela de Thomas Mann. La montaña mágica es una cinta de cine fantástico y aventuras, basada en una serie televisiva del mismo nombre, de la TV noruega. Una cinta plagada de hadas, duendes y gnomos, en la que un grupo de gnomos deverá velar por la custodia de la plata mágica, esencial para el control del paso del día a la noche. Una película, a todas luces, muy apropiada para la época en la que nos encontramos y para entretener al público infantil, en estos días de asueto. En su país de origen ya fue un taquillazo en la primera semana de estreno y su paso por Festivales de cine infantil la han redundado su calidad. VER FICHA Y TRAILER.

El último bailarin de Mao. El director de Paseando a Miss Daisy nos trae el biopic del bailarín chino Li Cunxin. En un ardúo trabajo por retratar al personaje durante tres épocas de su vida, infancia, adolescencia y madurez. Para lo cual han recurrido a bailarines profesionales con dotes interpretativas. A pesar de ser factura estadounidense, las críticas elogian su capacidad para retratar la China postmaoista con gran fidelidad. Aunque ya se sabe que el sello americano hará su aparición. De hecho el elenco de actores, a parte de los protagonistas que dan vida a Li Cunxin, y la actriz Joan Chen, vista en Deseo, Peligro, son nombre stan conocidos como el de Kyle McLachan. A pesar de sus deficiencias, creo que puede ser una buena oportunidad para acercarnos a la vida de este personaje y al mundo del ballet. VER FICHA Y TRAILER.

Film socialisme. Uno de los mayores exponentes de la llamada nouvelle vague, el siempre ácido Jean Luc Godard, que tras serle otorgado el oscar honorífico no fue a recogerlo, vuelve a las pantallas con una sonfonía en tres movimientos. Un recorrido por la actualidad europea a través de sus personajes, en una amalgama de situaciones e idiomas. Una mirada personal y particular sobre el continente y su gente. Una apuesta arriesgada como no podría ser de otra manera viniendo de la mano que viene. Para todos aquellos amantes del cine galo en su máxima expresión. VER FICHA Y TRAILER.

Burlesque. Steve Antin, actor y guionista, hace lo propio como director en el musical, dicen, del año; la cinta que ha recuperado para la pantalla grande a la artista Cher y que la une con la también cantante Cristina Aguilera, en lo que es su debut como actriz. Un musical muy cabaretero en la que la trama se podría resumir en aquello que rezaba Concha Velasco: Mamá quiero ser artista, claro está que extrapolado al boato de Hollywood. Por mi parte, como los musicales me son un poco cansino, y mucho más la momificada Cher, dejaré correr un tupido velo sobre la cinta, la cual creo veré igual de bien a su salida en DVD. Pero todos aquellos fans de las susodichas están de enhorabuena, pues tendrásn unas buenas raciones de contoneos y gorgoritos. VER FICHA Y TRAILER.

Tron: Legacy. Han pasado casi tres décadas desde que Tron se estrenara por primera vez. Una cinta adelantada a su tiempo que revolucionó el mundo de los efectos gráficos y que se convirtió en la panacea y título de cabecera de muchos seguidores amantes de la animación generada por ordenador. Personalmente no la resto valía a la cinta, pero argumentalmente, reconozco que me aburrió un poco. Pero tras estas décadas y protagonizada también por Jeff Brigdes, nos llega Tron Legacy, una continuación a esa primera cinta que vimos, en la cual Flyn sigue atrapado en su propio programa y es su hijo Sam quien deberá rescatarle. Si hace 30 años Tron ya fue una revolución, este legacy viene llamado a ser otra más, pues rodada en 3D, viene a ser la respuesta de Walt Disney a Avatar, un año después. Dirigida por el novel Joseph Kosinski, el cual viene del mundo publicitario, cuenta entre los productores con Steven Lisberger, director de Tron. Así que después de tanta espera, todos los fans estáis de suerte pues por fin llega a las salas en su máximo esplendor. VER FICHA Y TRAILER.

Balada triste de trompeta. Nueve películas a su espalda y unos cuántos kilos menos, el ahora presidente de la Academia Alex de la Iglesia nos vuelve a deleitar con una nueva obra. Una historia de payasos enamorados que le sirve para realizar una mirada a sus recuerdos y homenajear a quienes le hicieron feliz en su niñez. Una comedia dramática ambientada en los últimos años del franquismo que le ha valido el premio a mejor director y guión en la pasada Mostra de Venecia. Una cinta que cuenta con nombres como Antonio de la Torre y Carlos Areces en los papeles de los dos payasos protagonistas, Carolina Bang como la trapecista, y cameos como el de Santiago Segura o Fofito. Y que sin duda, a juzgar por las imagenes, nos devuelve a un Alex tan mordaz como el de La comunidad, aunque en esta ocasión el guión le firme en solitario sin la inestimable ayuda de Jorge Guerricaechevarría. Una historia, según el director, inspirada en esa Balada de trompeta que ya cantara Raphael, al cual le tiene en un pedestal por considerarle un genio capaz de sobrevivir a cualquier tiempo. Sin duda mi apuesta más firme de la semana, mi reencuentro con uno de mis directores españoles de cabecera. VER FICHA Y TRAILER.

La próxima semana los estrenos se delantarán al miércoles, debido a las señalas fechas navideñas, semana en la que Bruc y El discurso del rey pueden ser los platos fuertes. Mientras tenemos unos cuantos días para disfrutar de los estrenos que nos brinda este viernes, y ya sabéis ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: La balada de la trompeta - Raphael.

Estrenos de la Semana. 10 de Diciembre.

2010-12-10T09:00:00.003+01:00

Estaremos de acuerdo en que alguna semana nos tiene que dar un respiro, o bien para rescatar aquel estreno al que no pudimo acudir en su fecha o porque en esta vida, mal que nos pese, no todo es cine. Pero lo de esta semana clama el cielo, si bien siempre digo que alguna se puede salvar de la quema, y aún estoy divagando si alguna la salvaré, veámos un poco más adelante, pues por el momento estamos ante una cartelera más fría que los chuzos de punta. Abrocharos los cinturones, comenzamos nuestro viaje interestelar:

When you ´re strange. Tom DiCillo, director de Johnny Suede, nos trae este documental, narrado por Johnny Deep, sobre la banda The Doors. Acumulando material inédito, que va desde los años 1965 hasta 1971, DiCillo nos hace un repaso y acercamiento a la vida y obra de Jim Morrison y The Doors. Su periplo por festivales y ciudades ya es notable, pues fue estrenado el pasado año en Sundance, en una primera versión, que aunque gustó le sirvió para cambiar al narrador y optar por Johnny Deep para la versión final. Versión que ya fue estrenada en abril de este mismo año, pero como siempre a nosotros nos llega un pelín más tarde. Si hacemos caso de las declaraciones de Krieger y Manzarek, guitarrista y teclista, respectivamente, de la banda nos encontraremos con una versión mucho más fiel de quién era Jim Morrison, que la versión dramatizada que Oliver Stone llevó a la pantalla allá por el año 1991 con Val Kilmer en la piel del Rey lagarto. Personalmente me considero una acérrima a la banda californiana, así que todos los seguidores estamos de suerte y tenemos un material ante nosotros que nos aportarán más datos sobre una de las bandas que marcó a una generación. VER FICHA Y TRAILER.

Caracremada. Presentada en el pasado Festival de Venecia, el debutante Lluís Galter nos trae la historia de Ramón Vila alías caracremada, el último maquis de la resistencia. Aunque esté ambientada en la época de la posguerra y trate un tema como el de la resistencia antifascista, el director ha declarado que no es propiamente un biopic con tendencias políticas, ni toma partido por un bando en concreto, si no una cinta en la que se contraponen decisiones y acciones. De la mano de Lluís Soler, quien da vida a Caracremada, y con ausencia de diálogos pero si con los aullidos de la naturaleza, nos adentraremos en una cara desconocida para muchos, un eslabón más de todos esos lodos que dejó la Guerra Civil. Si sois unos amantes de la historia y no estáis cansados de la temática esta es vuestra película. VER FICHA Y TRAILER.

Todas las canciones hablan de mi. Como buen debutante, y teniendo en cuenta de la familia que procede, Jonás Trueba ya ha coqueteado con el mundo cinematográfico, haciendo sus pinitos como guionista y cortometrajista. Para su debut en el largo, en el cual también ha firmado el guión, se ha decantado por un drama romático. Protagonizado por Oriol Vila y Bárbara Lennie, en una historia en la que esta vez es el chico quien trata de olvidar a la chica, tarea que le resulta d elo más árdua pues parece que todas las canciones que escucha hablan de ella. Según declaraciones del director, quien no se siente nada presionado por el apellido, estamos ante una película muy personal en la que ha volcado parte de sus imperfecciones y virtudes; una historia abierta en la que sea el espectador el que cierre sus conclusiones. Una cinta en la que inevitablemente escucharemos una jugosa banda sonora, unas canciones que han sido la premisa para contar la historia, pues en vez de adaptar la banda sonora a la cinta ha sido ésta la que se ha adaptado a la historia. Aunque se haya dicho que no es una película romática al uso, si sois unos romáticos empedernidos esta es vuestra película. VER FICHA Y TRAILER.

Franklyn. Tras dos años, - raro,raro, raro - nos llega a las salas el debut del director británico Gerald McMorrow. Una cinta de ciencia ficción protagonizada por Ryan Phillippe y Eva Green y que discurre entre el Londres actual y una ciudad futura regida por el fervor religioso. Un thriller fantástico con enmascarado, ambiente gótico y juegos de realidades de por medio. A priori parece que será entretenida aunque con más clichés que el archivo nacional. De hecho las críticas que he leído no la dejan en buen lugar, así que no se cuestión de tirar por la borda unos cuantos eurillos que tan bien le vienen al bolsillo. Avisados estáis, pero como los experimentos son mejor con gaseosa la dejaré para una tarde en la que no me importen las consecuencias. VER FICHA Y TRAILER.

La leyenda del innombrable. El realizador catalán Salomón Shang nos trae una road movie en clave de thriller fantástico en la que pretende estudiar la personalidad humana en situaciones limite. Una cinta con el sello característico del realizador, una comedia ácida y surrealista en la que el propio director se guarda un papel, dando vida a uno de los personajes del trio protagonista encabezado por Clara Galí y Tony Corvillo, aunque al que más conoceréis sea a Juan Luis Galiardo que da vida al innombrable. Una curiosa planteación sobre los motivos de los buenos y los malos en la historia a narrar. Una comedia para todos aquellos a los que les guste el riesgo. VER FICHA Y TRAILER.

La semana que viene se esperan algo de más de movimiento por las salas, todo sea porque ya estarán más próximas las fiestas navideñas, así que tendremos una cita con La Balada triste de trompeta del Presi y el remake de Tron, que tanto se están haciendo esperar. Mientras tanto disfrutar tanto como podáis, ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: Riders on the storm - The Doors

Y van tres...

2010-12-07T09:00:00.000+01:00

Gracias a Mr.Felt de nuevo, me entero de que ya anda por la red el tercer trailer de la esperada serie de la HBO Juego de Tronos. Como ya os hable de ella por aquí, os dejo con el consiguiente vídeo, pues dije que iba a permanecer ausente y sigo empecinado en conseguirlo. Cuidense mis niños.

Escuchando: Carl Off - Carmina Burana

Entre Fogones, Fauna y Recuerdos

2010-12-06T10:00:00.000+01:00

Un día por otro, por falta de tiempo y vacaciones de las musas no os he ido informando sobre los últimos estrenos que han caído en mis redes. Ahora ya son varios así que para no aburriros con mi perorata ha decidido haceros unas críticas Express sobre las tres últimas películas vistas en la sala de cine.

Por orden de visionado os hablaré sobre Héroes, Bon appétit y Entrelobos. Espero que si ya las habéis visto comentéis vuestro punto de vista y si aún estáis indecisos os ayuden a despejar dudas.

Héroes. Pau Freixas ha trabajado como guionista para un nutrido número de series televisivas, títulos de éxito como Hermanos y detectives lleva su sello. En el mundo del largometraje ha sido menos prolífico, y a parte del título que nos ocupa, su anterior largo fue Cámara oscura. Esta vez para llevar a cabo Héroes a escrito, al alimón, con Alber Espinosa el guión. Este dato ya me daba una pista sobre lo que podría encontrarme, pues Espinosa, más guionista que director, nos ha brindado trabajos de la talla emotiva de Planta 4ª o Tu vida en 65´.

Y así ha sido, entre ambos, con Héroes nos han sacado a la luz el niño que llevamos dentro. Rodeados de un elenco actoral de la talla de Alex Brendemühl, Emma Suárez, Lluis Homar o Eva Santolaria nos trasladan a aquellos dorados años ochenta, una década en la que la que suscribe y muchos de los que nos leéis vivimos nuestra infancia. Es por ello que el recuerdo se hace latente en todos los fotogramas de la cinta, evocando canciones, vestimentas, rutinas o hasta helados. Héroes es una cinta para el recuerdo, realizada desde el recuerdo, pues además de ese guiño a nuestra infancia, es un claro homenaje a esas películas que también surgieron en aquellos años, con las que tanto disfrutamos como Los Goonies, Cuenta conmigo o la televisiva serie española Verano azul. Un canto a la amistad, a aquellos dorados veranos, a esa infancia e inocencia que se quedó por el camino de la responsabilidad y madurez pero que el fondo aún llevamos con nosotros.

Héroes no pasará a los anales de la historia como obra maestra, ni lo pretende, y además qué importa eso si lo que realmente es, es una película que apela a los sentimientos y a las emociones, y esa tarea la tiene más que lograda. Aunque la crítica y los premios no han pasado de largo por su lado, pues en el pasado Festival de Málaga se alzó con el premio del público. La que suscribe se confiesa una nostálgica empedernida y de lágrima fácil por ello no es extraño que el final se le antojara de obligada conmoción. Aunque puedo asegurar que a más de uno le ocurrirá. Una película apta para todos aquellos públicos que quieran viajar en los recuerdos y aprecien una cita con el paso del tiempo.

Mi nota: 8/10

Lo mejor: El guión y los guiños al recuerdo

Lo peor: El doblaje

La frase: ¿No recuerdas ningún verano como el más importante de tu vida?

Contenido: Drama: 3, Amistad: 4

Bon appétit. Con un claro aroma a cine europeo, David Pinillos da el salto al largo, tras su cortometraje Dolly, con una cinta de corte romántico, en la que el guión corre a cargo de él mismo junto a Paco Cabezas, otro gran cortometrajista, autor de Carne de Neón, que muy pronto veremos su versión extendida en el largo que se será su segundo trabajo tras Aparecidos, en la materia. Un debut que no ha podido ser mejor recompensado, pues en el Festival de Málaga el jurado se rindió a sus pies, concediendo a la cinta los premios de mejor actor para Unax Ugalde, mención especial a Nora Tschirner y el premio al mejor guión.

Reconozco que muchas veces al oír película romántica me da un subidón de insulina y me agarro a la butaca pensando que será una película más, empalagosa y pastelosa. Pero hay ocasiones, como ésta, en la que reconozco un buen trabajo. Pues Bon appétit, además de ser una cinta gastronómica de amigos que se besa, como reza el director, es una película romántica poco edulcorada. Con ese halo europeo que tanto me gusta. Sabor europeo que se degusta desde los actores, con un elenco internacional en el que encontramos nombres como el de la alemana Nora Tschirner, a la que se la ha visto en cintas como Un conejo sin orejas o Kebab connection, el italiano Giulio Berruti visto en Melisa P, el también germano Herbert Knaup, que algunos recordarán por La vida de los otros y el español Unax Ugalde, que poco ya puedo decir de él; Hasta en la ambientación, ya no solamente por los paisajes en los que está rodada, que nos deja bellas imágenes de la ciudad de Zurich o Bilbao, sino por la fotografía y su color, grisácea con matices azulados que nos trasportan al frío y agridulce de los sentimientos. Pues, a tenor de no querer desvelar nada de la trama, hay que subrayar que Bon appétit, no es una cinta romántica con un final de esos de comieron perdices, tiene el final que se merece y el que inequívocamente tiene que ser. Una cinta para disfrutar tanto solo como en compañía y acercarnos a nuestro rinconcito del corazón, aquel donde se guardan los sentimientos y los anhelos de los primeros y los últimos besos.

Mi nota: 7,5/10

Lo mejor: No caer en el romanticismo empalagoso

Lo peor: Que algunos piensen que es una película romántica más y no la den una oportunidad.

La frase: La vida no es como te la cuentan en las películas

Contenido: Amor: 4; Drama: 2

Entrelobos. Dirigida por Gerardo Olivares artífice de títulos como 14 kilómetros o La gran final y un nada desdeñable número de diversos documentales, y con guión de la misma mano, nos adentra en la recreación de las vivencias reales de Marcos Rodriguez Pantoja, un cordobés, hoy en día afincado en un pueblecito de Orense, que en los años 50 fue vendido por su padre a un cabrero y tuvo que sobrevivir en el bosque durante doce años. Unos años que le llevaron a una especial comunión con la naturaleza y la fauna del lugar.

En frecuentes ocasiones frente a una película basada en hechos reales nos dejamos llevar por las folletinescas cintas de sobremesa y esos dramas llevados al exceso de retos personales que nos alejan del fantástico mundo del celuloide, pero en esta ocasión con Entrelobos se cumple la premisa de un acercamiento a la historia real sin perder un ápice del buen manejo de la cámara y el guión. Pues ayudados por las interpretaciones de unos soberbios Carlos Bardem y Sancho Gracia, mención a parte tiene la del niño Manuel Camacho, que da vida a Marcos en su niñez, parte más extendida, de hecho, del metraje. En cuanto a Juanjo Ballesta está correcto en su papel, y protagoniza un par de escenas remarcables, pero su aparición en la cinta es más de nombre que de minutos. Aspecto que me desorientó tras su continuo marketing. Pero dejando este aspecto a un lado, hay que decir que la cinta tiene una excelente factura, tanto como ya he dicho en el plano interpretativo, como el de fotografía.

Tomando de fondo los bellos parajes de la sierra cordobesa, nos encontramos ante unas imágenes dignas de El hombre y la tierra, el trabajo llevado a cabo con toda la fauna protagonista, pues no debemos de olvidar que ella es también protagonista de la historia, es de meritoria consideración. Aunque en ocasiones algunos puedan pensar que estamos ante un documental de flora y fauna autóctona, más que ante una película. Pero yo destacaría en cambio esa perfecta comunión entre fauna, flora y ser humano que nos lleva a comprender el cómo el ser humano es capaz de adaptarse al medio, de formarse un modo de vida, y sea cual sea ese medio sentir un profundo desarraigo cuando es desposeído del mismo.

Mi nota: 8/10

Lo mejor: la sabia comunión Tierra y Hombre

Lo peor: no exprimir más la edad adulta del personaje.

La frase: Los aullidos

Contenido: Drama: 4, Naturaleza: 4

Escuchando: Forever young - Alphaville

Refrescante Inciso

2010-12-04T13:00:00.002+01:00

Hay momentos en los que todo ser viviente debería parar un segundo, hinchar los pulmones y coger un poco de aire para seguir esta gran maratón que es la vida. Durante esos instantes, a un servidor, le gusta mirar a su alrededor para comprobar si todo sigue en su sitio, si el mundo sigue girando a esos maravillosos 465 metros por segundo o si el tendero de la esquina se ha hecho millonario gracias a la quiniela que no rellenaste tú por andar siempre adelantando al conejo que Alicia encontró en Wonderland. Son momentos en los que te das cuenta de que un minutero es mucho más rápido que un Red Bull, que vivimos a velocidades de vértigo con la mirada fija en un lejano horizonte, que no vemos lo que dejamos atrás o que por mucho que descanses, tendrás que seguir corriendo el resto de tu vida amigo mío. Esto es así. O corres o paras para siempre.

Es por esto que la próxima semana me voy temporalmente al banquillo. Que jueguen otros que yo no tengo más sangre en las piernas. Necesito bajar la marcha para adelantar con soltura, pues el motor me está perdiendo revoluciones. Esta vez, además, la pausa viene acompañada de una gran noticia: Mañana se casa mi hermano. Eso vale para mi más que todo el descanso que uno pueda necesitar o merecer.

Mi hermano es un tío grande, aunque esté mal que yo lo diga. Es de ese tipo de personas a los que la vida les da mierda y piden dos raciones mas con una sonrisa en la boca. Optimista, generoso y amigo hasta de su peor enemigo. Desde crío apuntaba maneras y nos ha demostrado día a día que las expectativas que todos teníamos en él, se han quedado cortas. Aún no lo sabe, pero es, por derecho propio, todo un Niño Perdido. Por sus carreras en el patio del cole, por sus travesuras, por las velocidades que alcanzaba en la bici siendo un renacuajo, por las batallas de almohadas, por aquella cara de pillo que aún no se le ha borrado... Sin duda, es uno de los nuestros.

Como era de esperar, alguien tan grande no podía encontrar a su medio limón tan fácilmente. Pero todo llega. Su vida cambió hace un tiempo en las bellas tierras de Híspalis donde, por fin, pudo dar por concluida su búsqueda. Una bella astigitana, con un corazón tan grande como el suyo y unos ojos que harían palidecer de envidia a la mismísima Sofía Loren, decidió ser esa gran parte que a todo ser humano le falta de nacimiento. Sé que conformarán el limón más alegre y dicharachero de todo el limonar. No me cabe la menor duda.

Como veis, no todo en mi vida es cine, aunque en ocasiones me alegra sentir que esta supera con creces cualquier final feliz de la gran pantalla.

Hasta dentro de una semana, dejo a Lucy a cargo de las llaves. Siempre ha estado ahí y sé que cuidará, una vez más, nuestro refugio mejor que yo. Yo andaré deambulando por tierras Sevillanas y Cordobesas para ver de primera mano las maravillas que una vez quisieron arrebatarnos y que tanta sangre nos costó recuperar. Hasta mi vuelta seguid ahí, corriendo al son que marca la vida, pero recordad parar de vez en cuando para dar un vistazo a vuestro alrededor y ¿quién sabe? quizás me encontréis ahí, disfrutando del paisaje con una buena pinta de negra y espumosa irlandesa. Estaréis invitados a una ronda. Palabrita de Azid.

Escuchando: Paco de Lucía - Entre Dos Aguas

Estrenos de la Semana. 3 de Diciembre

2010-12-03T09:00:00.001+01:00

Comenzamos el mes de diciembre, a parte de con nieve por media España, un frio que pela y lluvias a gogó, con los últimos estrenos que se quieren hacer un hueco en las carteleras. Esta semana dos estrenos llamados a llenar las arcas, la española 3 metros sobre el cielo y lo último de Iñarritu, Biutiful. Personalemnte me decanto por ésta última, pero, como siempre, para gustos se hiceron los colores, así que abrocharos los cinturones, porque comenzamos nuestro viaje interestelar:

3 metros sobre el cielo. Fernando González Molina, director de Fuga de cerebros, reúne a un nutrido grupo de jóvenes actores, muy de moda entre el público adolescente, para llevar a la pantalla la adaptación de una de las novelas de Federico Moccia. A Moccia creo que ya le conocen hasta en las Antípodas, pues con su serie de novelas publicadas de corte romático y accesible lectura, se ha hecho más famoso que el chupachups, y hasta puso de moda engalanar los puentes de medio mundo con candados que sellaban los amores de enamorados. Hace unos mese pudimos ver Perdona si te llamo amor, adaptación que el propio Moccia había llevado a cabo como director, pero en esta ocasión es Fernández Molina el que adapta la novela del mismo nombre, 3 metros sobre el cielo. Una historia de amor entre dos jovenes provenientes de diferentes clases sociales, al más puro estilo Romeo y Julieta, encarnados por el televisivo Mario Casas y María Valverde. A ellos se le unen rostros como el de Nerea Camacho o Luis Fernández, al que su inclusión en la serie Los protegidos le ha lanzado a la fama. La cinta promete ser una ración de emociones a flor de piel, deseo, románticismo, acción y mucho amor. Si sois incondicionales del escritor italiano y en el fondo sois más romáticos que el día de San Valentin, esta es vuestra mejor opción. VER FICHA Y TRAILER.

Las crónicas de Narnia. La travesía del viajero del Alba. Tercera entrega de la saga Narnia, que hará las delicias de los más jovenzuelos de la casa. Un título muy apropiado para las fechas a las que nos acercamos en las que los niños comienzan a tener más tiempo libre y con ello una buena opción para acercarles a las salas. Por mi parte no he podido ver aún ninguna de las dos anteriores entregas, pero por las imagenes que he podido ver promete más aventuras y acción dentro de su línea argumental. Lo dicho, para todos los seguidores de la saga. VER FICHA Y TRAILER.

Megamind. Hace unos dias, Azid nos puso al día sobre la nueva cinta de la factoría Dreamworks. Y solo con leer sus comentarios me entraron ganas de hacerme fan del héroe azul. Aunque, exceptuando contados títulos, últimanmente no soy muy adicta a las películas de animación, considero que este Megamind hará las delicias tanto de grandes como pequeños. Si tenéis infantes por casas fijo que seréis los primeros en verla, pero no dudo que algún niño grande caiga cautivado en las garras de este personaje. La mejor opción de animación de la semana. VER FICHA Y TRAILER.

Biutiful. A pesar de las nada halagüeñas críticas que ha cosechado mo película, exceptuando las buenas refrentes a la interpretación de Javier Bardem, lo cual le valíó la Palma de oro al mejor actor en Cannes; estaba esperando Biutiful como agua de mayo. Tras desligarse de Guillermo Arriaga, con quien firmaba los guiones de sus anteriores trabajos, Alejandro González Iñarritu ha afrontado este nuevo trabajo sin su colaboración, en lo que príamos llamar su primer trabajo en solitario. Aunque no por ello rompe la línea argumetal a la que nos tenía acostumbrados. Un ambiente de muerte y desolación. Tras recorrer medio mundo en sus anteriores cintas, Biutiful se ha rodado en Barcelona; y en relación a la imagen que muestra de la ciudad, más de una crítica negativa leí, pues ese ambiente de muerte y redención se mezcla en los muros de la ciudad condal. Pero escenarios a parte, creo que la historia merece bastante la pena, y si como a mi, sus anteriores trabajos os cautivaron, ésta no creo que vaya a ser menos, también es verdad que su protagonista me ayuda bastante en la elcción, así que por ello, le doy mi más sincera oportunidad a Iñarritu. VER FICHA Y TRAILER

Neds. El diretor de Las hermanas de la Magdalena, Peter Mullan, vuelve a las pantallas con lo que mejor sabe hacer, una cinta sobre los trasfondos de la sociedad y la juventud, ambientada en el Glasgow de los años setenta. La historia de un joven inconformista y rebelde, ahogado por el alcoholismo de su padre, que pasa de ser el chico acosado a ser el acosador. Mención a parte tiene la interpretación del protagonista Connor McCarron, que se fue del Festival de San Sebastián con la Concha de oro al mejor actor, aunque la cinta en general también granjeó muy buenas críticas. El propio Mullan se ha reservado el papel del padre alcoholico, registro que no le debe de ser ajeno, pues recordemos que en 1998 consiguió la Palma de oro en Cannes por su interpretación en Mi nombre es Joe de Ken Loach, director del que bebe el propio Mullan. Si el cine social británico os conmueve, si os gustó This is England, esta es vuestra mejor opción. Yo ya la tengo en mi lista. VER FICHA Y TRAILER.

Fake orgasm. El director Jo Sol, su verdadero nombre es Jordi Solé, vuelve a la carga con una entrega más de su cine trasgresor que bebe de la experimentación audiovisual. En esta ocasión estamos frente a un documental o falso documental que le sirve para mostrarnos una reflexión sobre la construcción social del género como ser humano, de la mano del perfomer Lazlo Pearlman, protagonista indiscutible de la obra. La cinta cuenta, además, con la colaboración de nombres conocidos en el ambiente Queer, como Beatriz Preciado o el actor porno Nacho Vidal. A pesar de haber ganado como mejor película en el Festival de Málaga en la sección Zonezine, poco se ha sabido sobre esta cinta, que a pesar de no ser una película al uso, es una buena opción para acercarnos a este director, cuanto menos, creativo y experimental. Para todos aquellos que piensen que los experimentos se pueden realizar con al más que con gaseosa. VER FICHA Y TRAILER.

Valentino y el clan del can. Desde Canadá nos llega esta historia animada sobre Valentino, un perro que es salvado de una muerte segura, y al unirse al clan del can, un grupo de animales de circo, conocerá lo que es una familia de verdad. Una historia destinada al público más infantil de la casa propia para estas fechas invernales, pero que a priori, no parece destacar por nada nuevo, ni por la historia ni por las imagenes. VER FICHA Y TRAILER.

La semana que viene nos llegará el debut como director de Jonás Trueba, hijo de Fernado Trueba, Todas las canciones hablan de mi. Pero por el momento poca luz se ve al final del camino, así que aprovechar lo que tenemos en cartel y abrigaros pues parece que el invierno no se va a ir tan rapido como quisiera. Y como siempre ved buen cine y sed buenos (si queréis).

Escuchando: Desertor - Platero y tú

Estrenos de la Semana 26 de Septiembre

2010-11-26T08:00:00.000+01:00

Los bostezos y la mediocridad siguen inundando las pantallas con gran profusión. Esta semana las frías temperaturas animan a asistir a las salas, pero la calidad de los estrenos me hace preferir el pasar un poco de fresco.

Skyline. De esta ya os hablamos el otro día por aquí. Las críticas la han puesto a caer de un burro porque dicen que es más simple que el mecanismo de un peine. La historia ya la sabéis: Aparecen naves de malvados alienígenas que se dedican a destrozar al mundo entero y un grupo de "privilegiados" se enfrenta a ellos para defender sus vidas. Lo que pasa es que esta vez no comen ratones ni llevan máscaras de latex. Nada nuevo bajo el sol, aunque los efectos tengan muy buena pinta. Para engullir palomitas puede ser una opción, para lo demás... (Ver Ficha y Trailer).

Poesía. Los amantes de la belleza contemplativa de las grandes obras orientales, están de enhorabuena. Esto es cine para todo aquel que ignore el tiempo y el ritmo narrativo y se deje inundar por la pantalla sin ningún tipo de prejuicios. Para el resto puede resultar soporífera, pues gran parte de su metraje está dedicado a la declamación de poemas mientras bellas imágenes pasan ante nuestros ojos. Esto, durante 139 minutos, puede ser un verdadero castigo para todo aquel que no disfrute con este tipo de cine. Avisado estás (Ver Ficha y Trailer).

Las Aventuras de Don Quijote. Antonio Zuera, director de la cachonda RH+, El Vampiro de Sevilla, vuelve a la carga con otra de animación. En esta ocasión, por medio de un ratoncito la mar de majo, pretende acercar las aventuras de Don Quijote a los peques de la casa. Gráficamente me gusta y el querer que nuestros canijos disfruten con algo tan sano (y necesario) como Don Quijote, ya me parece razón suficiente para acercarse al cine con los niños. Si quieres empezar la temporada navideña de cine con los peques, no parece mala opción. (Ver Ficha - Ver Trailer).

Entrelobos. No se si será el bombo que la están dando en todas las cadenas de televisión, que el tema no me llama nada de nada o que el pelucón de Juan José Ballesta suena más a chufla que a otra cosa, pero la verdad es que tengo tantas ganas de verla como de comer un bocadillo de clavos. El que sea una historia real impresiona (un servidor no la conocía) y los exteriores parecen muy bien rodados, pero no acabo de ver a Ballesta de hombre asilvestrado ni tengo muchas ganas de comprobar si encaja en el papel. Sus fans quizas la encuentren interesante. (Ver Ficha y Trailer).

Chloe. Última obra hasta a fecha de que dicen es un remake del Nathalie de Atom EgoyanAnne Fontaine. Catherine (Julianne Moore), una ginecóloga de éxito que lleva una vida acomodada, aunque monótona, junto a su marido David (Liam Neeson) y su hijo Michael (Max Thieriot), comienza a tener sospechas de que David la engaña. Quienes ya la han visto establecen paralelismos con Atracción Fatal debido al tono de thriller que poco a poco va adueñandose de la historia. A priori no tiene mala pinta, pero tampoco me parece como para tirar cohetes. (Ver Ficha y Trailer).

El Idioma Imposible. Fernando (Andrés Gertrudix), vive en el corazón del Barrio Chino de Barcelona, donde se busca la vida traficando con anfetaminas y alternando con siniestros personajes. Allí, Fernando conocerá a Elsa (Irene Escolar), una joven adolescente, que se convertirá sin quererlo en su mayor adicción. En el Festival de Málaga fué aplaudida y al parecer gustó mucho. Al ver el trailer y leer la sinopsis, no he podido evitar pensar en mi adorada Bailame el Agua. No se. Tiene algo que me atrae. (Ver Ficha - Ver Trailer).

Ladrones. Película de ingeniosos robos de bancos que al parecer funciona, pero no acaba de resultar inolvidable. Lo más peligroso que he leído sobre ella lo ha dicho Lou Lumenick del New York Post cuando la ha calificado de "thriller a lo Michael Mann". Creo que ahí se le ha ido un poco la mano. Paul Walker, Hayden Christiansen, Zoe Saldana y Matt Dillon jugarán al gato y al ratón mientras tu devoras tu ración de palomitas, joven padawan. (Ver Ficha - Ver Trailer).

Uncle Boonmee Recuerda sus Vidas. Palma de Oro del Festival de Cannes 2010, Mejor película, Premio de los críticos en el Festival de Sitges 2010 y Pre-seleccionada por Tailandia como Mejor película de habla no inglesa a los Oscar. Todo esto no puede ser casual. La historia parece curiosa, pero creo que es de ese tipo de cine que yo nunca he podido entender o desentrañar, a tenor de lo que veo en el trailer. Me parece una de esas películas para gente que ve mucho cine y sabe mucho de los múltiples recursos del mismo. (Ver Ficha y Trailer).

Pio, Pio. La pelicula relata una historia fantástica donde un matrimonio de granjeros mayores que no pudieron tener hijos, son agraciados con una sorpresa del destino. Un dia encuentran una criatura que se asemeja a un bebe recien nacido, pero tiene el tamaño de un ave recien salida del cascaron. Entonces deciden criarlo como propio, pero al ir creciendo ira desarollando alas como cualquier ave, y su instinto animal lo lleva a explorar el mundo exterior con sus propios ojos y alas… A mi me ha recordado por unos segundos a Toby, la curiosa obra de Antonio Mercero. El problema de estas películas es que no tengo claro el público objetivo, pues el infantil igual es demasiado inocente y al adulto no creo que le interese lo más mínimo. Pasopalabra. (Ver Ficha - Ver Trailer en V.O).

Propios y Extraños. Un programa de radio nocturno al que llaman sus oyentes para contar sus problemas, sirve de nexo de unión (al parecer no demasiado bien) para unir las historias de cientos de seres anónimos que entrecruzan sus vivencias al amparo de la noche. Las opiniones de los espectadores del pasado Festival de Málaga no son muy halagueñas, pues dicen que ni las historias tienen la profundidad suficiente para calar en el espectador, ni los actores parecen transmitir lo necesario para que sus personajes nos importen algo. A mi no me llama nada de nada, aunque de todo se aprende. (Ver Ficha y Trailer).

En fin, eso es todo por esta semana. La que viene llegrán a nuestras pantallas la última aventura de los niños de Narnia y la esperadísima y ya comentada aquí, Megamind, que abrirán, como es debido, la temporada navideña. Hasta entonces no olviden supervitaminarse y mineralizarse.

Escuchando: Joaquin Sabina - Los Perros del Amanecer.

Elemental Querido Sherlock

2010-11-23T21:00:00.000+01:00

Hasta el menos aficionado a la lectura de todos vosotros, podría adivinar el nombre del investigador privado más famoso de la calle Baker. Si añado su irritante, pero entrañable, querencia a intentar arrancar notas a un violín, su afición a la pipa marina y que siempre va acompañado por su fiel compañero Watson, sin duda habréis acertado al pensar en Sherlock Holmes, el personaje que tuvo a bien crear el bueno de Sir Arthur Connan Doyle.

Holmes, a pesar de ser un personaje literario, siempre ha flirteado, con mayor o menor acierto, con el mundo del celuloide. Por todo cinéfilo son conocidas las aventuras que protagonizó Basil Rathbone, las de Peter Cushing y Christopher Lee, la curiosa comedia de Billy Wilder, las aventuras del joven Sherlock en el Secreto de la Pirámide o la última adaptación que ha llevado recientemente Guy Ritchie a la pantalla. Si alguien quiere saber mi preferida diré que hasta la fecha ha sido Asesinato por Decreto (1979) de Bob Clark, precursora de la fantástica novela gráfica/cómic From Hell, de Alan Moore, que también ha conocido una versión cinematográfica con Johnny Deep al frente.

Hasta ahora la vida de Holmes en la gran pantalla era bastante prolífica y de bastante buena calidad. En la pequeña pantalla, pocas series/telefilmes habían conseguido crear algo digno con el personaje. Hasta ahora.

Sherlock es una serie británica de la BBC de curioso formato (la primera temporada la componen únicamente tres episodios de hora y media). En ella los personajes de Connan Doyle son trasladados al Londres de nuestros días. De esta manera, en los primeros compases, podremos asistir al primer encuentro entre el joven investigador y el doctor Watson, ex-militar recien llegado de servir en Afganistán. La primera vez que tuve noticias de este proyecto, sinceramente no imaginaba que personajes tan clásicos pudieran encajar en un mundo tan moderno como el nuestro. La sorpresa ha sido mayúscula, pues además de encajar, no pierden parte de ese halo victoriano (en especial Holmes) tan necesario en las aventuras del 221B de Baker Street. En nuestro mundo Holmes utiliza su móvil para buscar información en la red, Watson tiene un blog personal y la señorita Hudson ha ido sustituída por una casera que hace las veces de comprensiva madre de la famosa pareja, pero la esencia de los personajes, a mi parecer, sigue intacta.

Benedict Cumberbatch era, hasta ahora, completamente desconocido para mi, a pesar de aber participado en Expiación y Las Hermanas Bolena. Su peculiar rostro y su estilismo dan un toque peculiar al personaje. A mi me convenció a la primera. En cuanto al terreno interpretativo me parece que borda al Holmes abstraído en sus pensamientos, retos y pistas y totalmente alejado del mundano Londres. Parece vivir en una realidad alternativa en la que ve todo lo que el resto obvia y obvia todo lo que el resto ve, llegando en ocasiones a rayar el despotismo. Su "unión" con el mundo real, como ya pasara en los libros, se personaliza en la figura de Watson, interpretado por Martin Freeman. Este muchachote es colaborador habitual de las comedias de Edgar Wright, o lo que es lo mismo, mis adoradas Zombies Party y Arma Fatal, además de que encarnará a Bilbo Bolson en la esperada versión de El Hobbit. Freeman da ese toque de raciocinio y humanidad que Holmes parece esquivar contínuamente en pro de sus amalgamados pensamientos. Quizás sea el segundo episodio el que de más prueba de ello. Muy bueno el trabajo de él también. La química entre ambos es innegable. Creo que ambos personajes salen muy bien parados de sendas interpretaciones, pero si hay alguien que me dejó realmente asombrado fué Andrew Scott (Hermanos de Sangre) quien, apropiándome de las palabras de mi amigo Mr. Felt, es la viva imagen de la locura. El trabajo de este chico es realmente espectacular por dos motivos: Uno, porque sus palabras van acompañadas por una gran variedad de acertadísimos énfasis gestuales y vocales (imprescindible ver su actuación en versión original, claro está) y dos... porque todo esto lo consigue en los apenas 20 minutos que aparece en pantalla. No diré más, pues ya dije más de lo que debiera. Para mi, sin duda, realmente espectacular este chico.

Los tres episodios tienen constantes referencias a las novelas, siendo el primero de ellos, El Estudio en Rosa (en clara alusión a Estudio en Escarlata, primera novela con Holmes de protagonista) el más evidente. Cada uno de los tres, a pesar de los inevitables nexos de unión, conforma un misterio diferente. En cuanto al orden por el interés que suscitaron en mi, sin llegar a bajar del notable y siempre en mi opinión, colocaría, de más a menos, al tercer episodio el primero, seguido de cerca por el primero y terminando con el segundo, en el que encontré ciertos momentos en los que, sin llegar a ser molesto, decae un poco el ritmo.

La puesta en escena es otro factor determinante a favor de la gran calidad de esta serie. Los rotulos sobreimpresos cruzando entre nuestros personajes (al estilo de El Club de la Lucha, por ejemplo), el montaje entre rápido y acelerado cuando Holmes comenta las pistas y la cuidada puesta en escena son algunas muestras de ello. Me llama igualmente la atención el tono azulado que adoptan los exteriores, otorgando un ambiente aún más frio a las localizaciones londinenses, mientras que el estudio de Baker Street, entre caótico y clásico, adopta un tono más oscuro y lúgubre, sin duda para conservar ese tono victorianio o el que Connan Doyle bañó sus novelas.

En definitiva, Sherlock es una de esas -afortunadamente cada vez menos- ocasionales joyitas televisivas, que merece mucho la pena ver (vuelvo a recomendar aquí la versión original para captar mejor todos los matices). Los que ya la vimos esperamos ansiosos la segunda temporada que, al parecer, ya está al caer (menudo final de temporada ¿eh?). Si necesitáis más información para lanzaros, os dejo por aquí la página web oficial, la ficha con puntuaciones en Sensacine y bajo estas líneas un vídeo promocional.

Escuchando: Héroes del Silencio - Agosto